Ricardo Gener: “Existe un circuito a nivel nacional en el que la música negra siempre es bien recibida”

Ricardo Gener es el guitarrista del grupo de blues valenciano Blue Melon Project. Nacido en el 2007, el grupo combina las referencias al blues clásico con un sonido más moderno emparentado con las bandas instrumentales de R&B y Soul de los años 50 y 60. Todo ello queda perfectamente integrado en una formación de cuatro con guitarra (Ricardo G.), hammond (Xavi G.), armónica (Harmonica George) y batería (Oscar “Mr. Shuffle”).

Hablamos con Ricardo sobre los inicios de un grupo de blues, del panorama actual de la música negra, del estado de la radio y de la posibilidad de llevar a cabo proyectos especializados en géneros como el blues, el jazz o el soul.

¿Cuándo y cómo decide alguien formar un grupo de blues?

La verdad es que como guitarrista, el blues es un estilo que siempre ha estado ahí, cuando realmente empiezas a tomar conciencia de la herencia musical que ha supuesto a lo largo de la historia hasta nuestros días, es entonces cuando decides tomar ese camino, el del blues.

¿Por qué un grupo instrumental? ¿Falta de cantantes o convicción?

Bueno, es un proyecto que nos apetecía hacer desde hace tiempo, rendir tributo a aquellas bandas instrumentales de los 50 y los 60 desde un prisma más abierto incluyendo estilos afines como el R&B o el Soul.

¿Cómo veis el estado actual de la música negra?

Lo cierto es que el estado es bueno. Existe un circuito a nivel nacional, ajeno a modas y nuevas tendencias, en el que la música negra siempre es bien recibida.

¿Cuáles crees que han sido las principales transformaciones que han sufrido todos estos estilos a lo largo del tiempo? ¿Mantienen algo del significado que tuvieron en un momento histórico determinado?

Ricardo Gener

Sí es cierto, que el blues ha perdido su significado histórico a lo largo de todo este tiempo, pero su intención interpretativa se mantiene latente aunque desde un sonido más elaborado.

Como miembro de un grupo dedicado al blues, ¿cuáles son las posibles evoluciones de este género?

Las evoluciones del blues yo creo que ya han sido explotadas  a lo largo de su historia el jazz, el R&B, el Soul… una cosa lleva a la otra.

¿Qué capacidad o necesidad de ampliar públicos tiene?

Capacidad mucha pero padecemos de una gran incultura musical en nuestro país, es lo que nos toca vivir.

Históricamente, la radio ha desempeñado un papel fundamental en la difusión musical, ¿Qué piensas sobre el estado actual de la radio?

Fatal, pienso que la radio está más vendida que nunca con tanta radio fórmula en la que deciden que gusta y no gusta olvidándose de lo realmente importa la propia música.

¿Crees que hay suficiente oferta radiofónica cubriendo un campo tan amplio y decisivo históricamente como la música negra?

No, más bien poca.

¿En qué medida crees que la radio puede ser un instrumento que ayude a crear una mayor cultura musical colectiva?

Es un gran instrumento de radio difusión pero mientras las emisoras sigan rigiéndose por las audiencias no creo que sea posible.

Con el cambio de modelo discográfico, ¿Qué papel crees que podría jugar la radio para dar a conocer grupos nuevos?

Yo creo que importante siempre que exista un criterio honrado y sincero sin manipulaciones discográficas de ningún tipo.

¿Qué te parece la idea de que un programa de radio a nivel nacional que apostara por ofrecer actuaciones en directo semanalmente?

Muy buena apuesta.

¿Podrías decirnos tres músicos  que te hayan marcado especialmente?

Difícil elección aunque me quedaría con Freddie King, T-Bone Walker, y Ronnie Earl.

http://www.myspace.com/bluemelonproject

Entrevista realizada en diciembre de 2009

Supervivientes del Blues: Fats Domino

Fats Domino, siempre sonriente junto a su inseparable piano

Fats Domino es uno de los grandes exponentes del R&B pre-rock ‘n’ roll y uno de los principales protagonistas de la explosión del rock ‘n’ roll. Con su carácter afable y cercano y su gran talento para componer éxitos -a menudo junto a su compañero Dave Bartholomew-, Fats logró convertirse en el artista que más discos vendió durante los años 50, con la excepción de Elvis. Una extensa lista de éxitos como Blueberry Hill, I’m Walking, Blue Monday, Ain’t That a Shame, The Fat Man, I’m Ready o Kansas City entre otros así como las numerosas versiones hechas han contribuido a que Fats haya vendido más de 100 millones de discos. Apodado Fats por su aspecto rechoncho, Antoine Dominique Domino representa la tradición del sonido R&B de Nueva Orleans y fue un referente para grupos como The Beatles, teclistas como Ray Manzarek (The Doors) e incluso para una parte de la música jamaicana. Canciones como Be My Guest, basadas en la acentuación del tiempo débil, influyeron en el ska jamaicano.

Nacido en Nueva Orleans el 26 de febrero de 1928, Fats sobrevivió al reciente huracán Katrina aunque se le llegó a dar por muerto. Pese a las órdenes de evacuación, Fats decidió quedarse en Nueva Orleans, en parte por los problemas de salud de su mujer, Rosemary. Su casa estaba en un barrio que,  de acuerdo con las previsiones, iba a quedar trágicamente inundado y Fats no mantuvo contacto con nadie pasados tres días después del huracán.

Un graffiti en la casa de Fats ponía de manifiesto el rumor de su muerte

Su agente hizo unas declaraciones afirmando que no había hablado con él desde antes del Katrina pero, finalmente, su hija Karen Domino White le reconoció en una foto del periódico Times Picayune. Fats y su mujer fueron rescatados en helicóptero y llevados a un refugio en Baton Rouge dónde fueron recogidos por la JaMarcus Russell, novio de su nieta y jugador del equipo fútbol americano Louisiana State University. Fats lo perdió todo y recibió de nuevo la National Medal of Arts ya que la original se perdió en las inundaciones.

Un año más tarde, Fats no pudo participar por problemas de salud en en Jazz & Heritage Festival pero reapereció con un disco titulado Alive and Kickin’ que incluía algunas letras reveladoras escritas con anterioridad al Katrina. All over the country, people wanna know / What ever happened to Fats Domino? / And I’m alive and kickin’ / I’m alive and kickin’ / I’m alive and kickin’ / And I’m where I wanna be. /  Gente de todo el país quiere saber que le ha pasado a Fats Domino, estoy vivo y golpeando, estoy donde quiero estar. Desde entonces, Fats ha recibido numerosos premios y reconocimientos y ha limitado sus actuaciones en público a acontecimientos puntuales como un concierto para recaudar fondos para la reconstrucción de colegios destruidos por el Katrina.

Su relación con la música empezó muy pronto cuando su hermanastro le enseñó a tocar el piano a los 6 años. Actuó por primera vez a los 10 años y a los 14 dejó el colegio y empezó a trabajar. Continuó tocando a lo largo de los años 40 cuando conoció a Dave Bartholomew, su pareja de composición y productor. El estilo de piano de Fats provenía de la larga tradición del blues y el boogie de Nueva Orleans pero había desarollado una pulsación sencilla y característica que definiría la mayoría de sus temas. En el año 49 firmó un contrato con Imperial y tardó muy poco en grabar un single de éxito, una fantástica carta de presentación que se cita como una de las primeras canciones de rock ‘n’ roll, The Fat Man.

Fats continuo su éxito con canciones que seguían la misma línea y triunfaban en las listas de R&B. Goin’ Home en el 52, Please Don’t Leave Me en el 53 All By Myself en el 55, año en el que por fin logró  entrar en las las listas de pop con Ain’t That A Shame. En una época de segregación racial Fats -como muchos otros negros- vio como su canción llegaba al número uno en voz de Pat Boone, un cantante blanco que destacó por realizar versiones más dulces de canciones de R&B.  Así funcionó la industria durante buena parte de los años 50. Se suavizaba  la música negra y se promocionaba a artistas blancos que tenían el aspecto deseado para la época. Aún así, estas apropiaciones terminaron por permitir la integración gradual de los artistas negros. En el caso de Fats, su interpretación de su propia composición, Ain’t That A Shame, llegó a situarse en el Top Ten lo que suponía de por sí un gran éxito.

Fats había conseguido entrar en las listas de éxito con la música que había hecho toda su vida y todavía le quedaban muchas canciones por cantar que atraerían a gran parte de la audiencia joven y blanca del rock ‘n’ roll. Apenas un año después, Fats Domino publicó su propia versión de Blueberry hill, una composición de Vincent Rose, Al Lewis y Larry Stock del año 40, que habían grabado músicos de country como Gene Autry y que fue popularizada por Glen Miller. Se convirtió en una canción de repertorio para Big Bands e incluso Louis Armstrong llegó a grabarla pero fue Fats, una década después, quien llevaría la canción al número dos de las listas de pop. Fue el mayor éxito de Fats y de la canción que ha pasado a la historia como parte de la era del rock ‘n’ roll (pese a no ser ni mucho menos la canción de Fats que mejor se ajusta a este estilo). Su carrera siguió con paso firme hasta principios de los años 60 con canciones como Whole Lotta Loving, Blue Monday (1956), I’m Walking (1959) o My girl Josephine (1960). Asimismo, Fats participó también en dos películas en el año 56: Shake, Rattle & Rock (Edward L. Cahn, 1956) y The Girl Can’t Help It (Frank Tashlin, 1956) en cuya banda sonora aperecían también otros como Little Richard, The Platters, Gene Vincent o Eddie Cochran.

Los años 60 fueron duros para Fats, igual que para muchos artistas negros de recorrido similar. Cambió de compañía en 1963 pero los problemas con ABC-Paramount Records no tardaron en llegar; Fats tuvo que grabar en Nasvhille y no en Nueva Orleans como había hecho siempre y el cambio de productores supuso el fin del tándem Domino-Bartholomew. El nuevo enfoque de la producción tendía más hacia el country y sólo Red Sails In The Sunset, uno de los once singles publicados, logró meterse en el Top 40. Además, la emergencia del las grandes bandas británicas, fenómeno conocido como la Invasión Británica, le puso las cosas difíciles. Los nuevos grupos como The Beatles, The Rolling Stones o The Animals acapararon el mercado y se convirtieron en los grupos de referencia para millones de adolescentes con propuestas musicales heredadas del rock ‘n’ roll de los primeros años. A su vez, generaron una serie de grupos americanos que trataron de imitarles estética y musicalmente.

Fats continuó vendiendo discos y grabó para distintas compañías como Mercury y Reprise. A partir de la década de los ochenta decidió quedarse en Nueva Orleans y hacer conciertos puntuales. A sus 52 años Fats decidía aprovechar sus ingresos por royalties y evitar las largas giras. En declaraciones hechas a USA Today explicaba sus razones: “Para mí, no hay otro sitio como Nueva Orleans. Me gusta que los clubs estén abiertos todo el día y toda la noche. La gente es agradable. No puedes encontrar comida mejor.”

Fats supo conectar con el público no sólo con su música sino con su imagen bonachona, simpática e incluso graciosa.  Es uno de los grandes artistas de la música contemporánea, un renovador con naturalidad. Un hombre sencillo, contento por que la gente apreciara su música y a él mismo. Con la excepción de Louis Armstrong, Fats Domino es el músico más famoso de Nueva Orleans. Si la influencia de Armstrong fue decisiva en el evolución del jazz, también lo fue la aportación de Fats para el desarrollo del rock ‘n’ roll. En USA Today, Fats declaraba su fidelidad a su música: “No recuerdo cambiar nada salvo la ropa, y tampoco lo hago siempre. No sé nada sobre las poses, sólo soy yo mismo.” Asimismo, en un artículo sobre Fats en la Rolling Stone, Dr.John escribía: “En los tiempos en que la gente acusaba al rock & roll de estar pervirtiendo a los jóvenes, Fats dio una entrevista en una revista. Dijo: ‘No sé a qué viene todo eso de que somos una mala influencia para los adolescentes. Lo único que hago es tocar la música que llevo interpretando toda mi vida.’ Esa era la filosofía de Fats, No veía su música como algo especial o diferente. No era más que lo que siempre había hecho.”

Descarga Fats Domino – This Is Fats

Descarga Fats Domino – All By Myself

DescargaFats Domino – Be My Guest (The Blues Collection)

Fuente: Taringa

Vicente Fabuel: historias y discos de vinilos

Situada en Valencia, Discos Oldies es una tienda especializada en vinilos fundada en 1978. Además de estar a cargo de la tienda junto a Pepe Salvador y sus mujeres, Isabel y Carmen, Vicente Fabuel ha escrito libros como Las chicas son guerreras y ha participado en la Historia del rock en la Comunidad Valenciana, es colaborador de la revista Efe Eme y dj en clubs como el Swan. Desde que en 1973 publicó su primer artículo musical en Disco-Exprés, Vicente Fabuel ha escrito regularmente en revistas como AU, RockdeLux, Factory, Ganadería Trashumante y MondoSonoro. Acudimos a la mítica tienda para hablar con Vicente acerca del panorama actual de la música negra, del estado de la radio y la posibilidad de llevar a cabo proyectos especializados en géneros como el blues, el jazz, el soul o el reggae.

Esta entrevista es la primera de una serie que iremos colgando en torno a este tema. Agradecemos la amabilidad que han mostrado todos ellos. Hemos colgado la transcripción pero, además, podéis escucharla pinchando sobre la imagen.

¿Cómo ves el panorama actual de la música negra?

El panorama es bueno porque la música negra es la base de todo el rock. Incluso habría que ir a la música africana. Lo que ya llamamos afroamericano es el blues y todos sus hijos. Evidentemente, el blues, el rock ‘n’ roll, el funk, el soul…todos. Ahora es un momento tan bueno como hace 30 años. Lo que ocurre es que es un monstruo con tantas cabezas que cada temporada surge algo nuevo. Lo que no habíamos oído era -en clubs de baile- música que era teóricamente para escuchar. El soul sí que tiene un matiz más bailable y a partir de ahí toda la música negra ha sido baile; el funk, el hip-hop…tienen desde luego textos y tienen otras cosas pero el baile estaba siempre. Pero el blues parece que era una música que se decía más triste pero ahora no, incluso ésa se baila. Y la escena que lo ha rescatado -y eso también es de derecho- es la escena mod que, a base de ir escarbando y escarbando, está llegando a la base.

 

Sonny Boy Williamson II tocando en King Biscuit Time, publicidad de galletas en la cadena de radio KFFA de Helena, Arkansas (c.1941)

Es un poco también lo que pasó en los años 60. A los negros ya les habían olvidado en EE.UU. y los acogieron los ingleses.

Igual. Totalmente. Les decían “pues oye, allí en Inglaterra te pagan el viaje y haces una gira con cuatro niñatos y te pagan bien” Se iban para allá. Primero se descubre la música negra a través de las versiones blancas, luego a los más populares y ahora ya van a la serie B, a la serie Z y se está llegando a la reedición de música totalmente vintage, de los años 30 y 40.

¿Cuáles crees que han sido las principales transformaciones que han sufrido todos estos estilos a lo largo del tiempo?

Los orígenes y la significación social es la misma. Todo el mundo lo sabe, es una música de ghetto y para hacerla hace falta sufrimiento básicamente aunque también hay diversión, los sábados por la noche salían al baile.

¿Y se practican en el mismo tipo de sitios? Por ejemplo si hablamos de jazz.

No, eso ha ido ya lógicamente cambiando. El jazz es una música totalmente aceptada por lo que podríamos llamar un usuario burgués. Hablamos ya de los nuevos clásicos, en los años 50 y 60 cuando empiezan los blancos a interesarse es una música totalmente marginal y para estar en ese campo había que ser un bohemio o un hipster, una persona marginal de la época pero ahora ya no. Yo aquí lo veo que hay gente que se lleva un disco de blues sencillamente porque es agradable. No tiene ninguna significación. Quizás en tu generación sí que lo veis como una especie de alternativa a los sonidos que suenan, lo que suena por la radio, por la tele no suena nada ya de música –eso está perdido-. Nosotros, que cuando éramos críos lo habíamos descubierto como la base, ahora sí que vemos que no hace falta ni siquiera modificarla porque todo esto que te estoy contando yo también lo estoy descubriendo ahora. A mí no se me había ocurrido que esto podía ser bailable y algunos temas son increíbles. Todo esto son lo que llaman stompers, canciones que con unos arreglos un poquito más modernos lo puede hacer cualquier grupo de ahora.

¿Cuáles son las posibles evoluciones de estos géneros?

La sensación que te da es que se está agotando ya todo porque…

 

Stray Cats, uno de los grandes representantes del revival del rockabilly a principios de los 80

Es volver atrás, ¿no?

Claro, el revival empieza ya en el año 70. Las teorías de los escritores más visionarios dicen que el rock se acaba ahí; el rock como creación de algo nuevo. A partir de ahí empiezan los revivals. Revival del rock n roll, también a Bill Haley y a Chuck Berry los rescatan y empiezan a hacer giras apenas 10 años más tarde de lo que habían hecho ellos. Luego llega el glam que ya es un revival, el punk…

Mezclas…

Como ha habido tanto revival, la sensación es que ya se le ha dado todas las vueltas posibles pero cada temporada llega algo nuevo. Si en cuanto a géneros no, sí ir a intérpretes que no conocíamos.

Ir descubriendo, ¿no?

Yo no tengo ni idea de quien es este: Little Luther.

Todos tienen este tipo de apodos; Little, Big…

Sí, en todas las músicas de ghetto… Fíjate que esto sería el equivalente en el mundo flamenco a la niña de Antequera, el niño de marchena… Y en el género africano, el RAI de Argelia, se llaman Cheb que es igual, el niño.

Hablamos entonces de una capacidad de ampliar público.  Gente que no ha escuchado antes blues o jazz puede llegar a ello, por ejemplo, en una discoteca.

Yo creo que una gran parte de la gente que en el Swan puede bailar un tema de estos no sabrá la fecha ni se le pasa por la cabeza. -. Escúchalo (se refiere a One Way Out (Elmore James)) y verás cómo es un tema en que suena la guitarra de una forma, con un potencia como si estuviera grabado con sonido hi-fi de finales de los sesenta y setenta. La gente simplemente lo oye, mola. Si le dices esto es del año 49 o 50…cuando sea…se asombrarían si es que saben cómo sonaba la música entonces que esa es otra.

 

Alan Freed, célebre dj que popularizó el término rock 'n' roll

Históricamente, la radio ha funcionado como un altavoz de la música del momento, como un instrumento de difusión musical, ¿Qué piensas sobre el estado actual de la radio?

Personalmente no escucho mucho. Cuando salgo siempre llevo Radio 3 que en los últimos 25 ó 30 años es la única radio que ha mirado atrás. Cosa que funciona desde mitadde los años setenta –yo empiezo a comprarme discos por esa fecha- y si leías prensa y tenías un poco de voluntad por enterarte de los orígenes… yo ya no era un niño raro, éramos muchos los que buscábamos eso. Empezaron las reediciones y tal y desde luego la radio estaba allí. No soy un especialista en radio pero me da que ha habido un empobrecimiento, también por un cambio generacional. Está muy bien que vosotros hagáis una radio de estas características pero en radio 3 a mí me da que se interesan más por otros campos…. La radio yo creo que ya no está como antes….

Con el cambio de modelo discográfico, de ventas y de grupos en el que estamos inmersos, ¿qué papel crees que podría jugar la radio para dar a conocer grupos nuevos?

Yo creo que la radio tiene un papel importante pero creo que más allá de importantes corrientes, lo que tenéis que hacer vosotros es tener muy claro lo que hay que hacer, el hueco que vais a cubrir… y hacerlo. Radio 3 es una empresa del estado, entonces en la medida que funcione bien económicamente dará duros. Sinceramente creo que todo lo que pasa después de la revolución de Internet hay un empobrecimiento de determinados medios. Hay gente que piensa que Internet ha abierto muchas posibilidades….

The Story of The Blues by Paul Oliver

Tiene el doble efecto, ¿ no?

Claro, yo lo que veo también ha facilitado que mucha gente se lance a ello y faltan voces autorizadas. No quiero parecer aquí un poco la élite pero hay mucha banalidad y mucha información superficial. Clickas este hombre, por ejemplo (referencia Elmore James) y te van a salir los cuatro datos más o menos típicos tópicos de wikipedia, discografía y en algunas páginas un poco más pero analítica fuerte no hay. Yo comparo esto con el impacto que me produjo a mí leer a Paul Oliver en La Historia del Blues, un libro que está descatalogado ahora creo -por lo menos en castellano- y eso era una invitación a que te tiraras a por los discos.

Sí que se echa de menos un poco de análisis más profundo.

Sí, nivel. Lo que hay ahora es que clickas y de este señor te salen doce mil páginas o doce mil citas. Cualquier intérprete, cualquier negro, cualquier fantoche tiene doce mil páginas y todas son más o menos favorables pero para que tu leas algo realmente sólido y te motive y te pegue una patada y digas, bueno yo voy a hacer cosas, hace falta algo más. Ese es el punto que creo que Internet no cubre pero al mismo tiempo ha creado cierta crisis en los medios como el empobrecimiento de la prensa. Es tan fantástico el invento que ha traído como consecuencia el empobrecimiento de otros medios y en concreto de estos géneros que no son los pujantes hoy en día.

¿Habrá gente que descubra más cosas?

Sí, por supuesto. No quiero entrar en un debate sobre Internet, pero sólo digo que si se sabe manejar puede ser fantástico como cualquier cosa, pero yo echo en falta nivel, en fin lo que era antes la profesión periodística, no con datos. Antes a eso se le llamaba gacetillas, cuando viene alguien aquí haciendo una práctica, algún becario, y te pregunta por géneros, te hace una serie de preguntas que está claro que son los cuatro tópicos. Entonces lo que va a salir de ahí, tampoco va a ser muy allá. Es decir, sería fantástico que hubiera más nivel. Y en la radio pues igual, pero ahora cuesta, si no lo hacéis vosotros, que supongo que será por amor al arte, pues tampoco lo veo muy claro.

Para acabar simplemente, dinos tres discos que te hayan marcado o que te acuerdes especialmente.

Yo soy fan de Howlin’ Wolf, los cinco volúmenes que me compré, los tengo todavía, del año sesenta y tanto.

Portada del disco The London Howlin' Wolf Sessions (1971)

¿De lo que graba en Sun o en Chess?

En Chess, las grabaciones maestras esas, canciones que me parecen increíbles. E incluso me quedaría el de London Sessions con Eric Clapton, Steve Winwood y parte de los Rolling Stones. Hay una especie de blues cha cha cha casi, una especie de blues como muy calypso. Esas voces siempre han llegado mucho, sin embargo otro que es como muy fino que me encanta es Slim Harpo, es más meloso. Se han hecho muchas versiones, siempre los descubrimos vía versiones de The Animals, Stones, Fleetwood Mac. Por ejemplo nunca he sentido un especial apego por B.B. King. La voz no me resulta tan agradable y eso a mi me distancia, a mi las voces me llegan mucho.

Howlin’ Wolf es más gutural, ¿no?

Sí, el otro es más suave, son las voces, debe ser por eso porque su carrera es espectacular. Toda la vida, tiene un sentido del swing –sobretodo en directo- que es irresistible pero después me resulta más frío. Y luego me gusta mucho el blues acústico, con guitarra, uno de mis temas favoritos es Baby please don’t go, que hay muchas versiones, y ese lo descubrí por John Lennon. Y la de Big Bill Broonzy, son artistas de los años 40…

Pero en esos años no graban tanto, tocan pero no graban tanto. Son grabaciones del 53 o el 54 pero antes no hay, eran Alan Lomax y esta gente que bajaban al sur y grababan.

No, hacen singles. En este libro que te he dicho de Paul Oliver está como se hacían todas esas cosas. Como descubrían placas cuando llegaban a una casa vieja donde habían vivido negros, barrios viejos en los que la gente le daba las placas que valen un pastón, que ahora están en el museo del congreso americano. Oliver también lo hizo y decía que se sentía incluso mal. Oliver escribe ese libro a finales de los años sesenta, cuando empieza el blues británico -el primer revival que tiene- y decía que sabía que tenía un fortunón que se lo había dado la gente más humilde. Pero que él tampoco sabía que eso podía valer luego, y de hecho, esa escena también sale en un cómic de Robert Crumb, que va tocando a las casas y va pidiendo si tienen placas. Con la expresividad que tiene el dibujante, sale una negra de estas muy gordas -él hace de sí mismo, era un coleccionista fuerte de placas de blues- y llegaba allí, preguntaba si tenía placas porque las compraba y cuando ve alguna, los ojos se le salen.

¿Con placas te refieres al master?

No, placas de 78 revoluciones. Estamos hablando de música de los años 30 o 40. (El LP) sale en el año 55 y entonces los blues eran como singles, con una canción en cada cara, pero en placas que van a 78 revoluciones. Fantástico el cómic ese. Insistir en que parece que se acaba pero siempre sale algo.

Dibujo de Robert Crumb en uno de sus numerosos cómics dedicados a la música

Entrevista realizada en diciembre de 2009

Descarga el podcast con la entrevista

“Me interesa Woody Allen como director de cine y como fenómeno cultural”

Celestino Deleyto

El pasado día 20 de enero, el profesor y escritor Celestino Deleyto presentó en la Filmoteca de Valencia el libro Woody Allen y el espacio de la comedia romántica. Tras el acto, se proyectó la película Annie Hall (1977), debido a su clasificación en el género de la comedia romántica y su relación con el libro ya nombrado. Quizá, uno de los méritos más destacados de este autor sea su aproximación a las películas de W. Allen desde una perspectiva fílmica; lo que le ha permitido desarrollar un estudio genérico y textual de la obra del genial autor neoyorquino. Tal y como afirma el autor del libro que nos ocupa: “A mí, realmente no me interesa la vida de Woody Allen. Me interesa Woody Allen como director de cine y como fenómeno cultural.”

Diane Keaton y Woody Allen en una escena de la película Annie Hall

Por supuesto, esta afirmación deja fuera de interés a una mayoría de público interesado en las supuestas excentricidades de la vida de este autor. Sin embargo, Allen consciente del momento “espectacularizado” que nos ofrecen los medios ha sabido dotar a su imagen pública de una “indiferencia” o “falta de morbo”, gracias a una muestra de sentido del humor -a veces intelectualizado o absurdo- que deja sin palabras a todo aquél que necesite acercarse al director desde su intimidad personal. Sus discursos (en premios), algunas entrevistas y documentales (como Wild Man Blues, Barbara Kopple -1990-) ofrecen una cara muy diferente y “simplista” respecto a la genialidad de sus películas. Es por esta razón que Pablo Fernández García afirma “donde W. Allen nada, Sylvia Plath se ahoga”, aprovechando el comentario que Alvy Singer (personaje protagonista de Annie Hall -Diane Keaton-, interpretado por Woody Allen) realiza en una escena de la película  proyectada el pasado día 20 en la filmoteca. El artículo al que hago referencia es, en mi opinión, uno de los más bellos estudios realizados sobre el director y muestra esta cara del autor capaz de ofrecernos un sentido del humor inteligente en uno de los momentos más amargos de la existencia diaria -y burguesa, por supuesto-, el declive de las relaciones personales.

¿Por qué razón Allen sobrevive aparentemente despreocupado respecto a toda polémica que se cierne sobre él? ¿Será que al final su vida y su obra no van absolutamente cogidas de la mano? Sinceramente, no lo sabemos, ni debería importarnos mientras podamos disfrutar de sus películas. Como dice Celestino Deleyto, no es la vida personal de Woody Allen lo que nos interesa, sino “sus películas en sí mismas” y su espléndido sentido del humor.

Otros textos de Celestino Deleyto

Francisco Elías: pionero del cine sonoro en España

Francisco Elías

La biografía de Francisco Elías constituye un apasionante, pero tristemente olvidado caso en la industria del cine español. Tras sus viajes por EEUU y Europa, Paco Elías vuelve a España para realizar Fabricante de suicidios (1928) y la reconocida como primera película sonora del cine español: El misterio de la puerta del sol (1929). Esta película estuvo perdida durante muchos años y actualmente no se conserva entera.  En ésta podemos  observar una mezcla de “fascinación por la máquina” (lugares fabriles, cadenas de montaje) y un “surrealismo expresivo” propio de la época, donde los juegos de palabras (“pimpoyo”, “bambolino”, “La chula de Mataró”) dan un toque humorístico.

Posteriormente, en 1932, junto a Camille Lemoine y José Mª Guillén García, Elías crea en Barcelona los primeros estudios sonoros del cine español. De esta manera, queda atrás la dictadura de Primo de Rivera, nunca debemos olvidar el peculiar contexto del cine español, para adentrarnos en la II República, una de las épocas culturalmente más activas de la historia española. Verán la luz muchas películas de Elías entre las que destacan: Pax (1932), El último día de Pompeyo (corto de 1932), Boliche (1933), Rataplán (1935) y María de la O (1936). Desraciadamente, en 1938, cuando la guerra ya estaba perdida para la República, Elías emigra a México donde también es rechazado por el resto de exiliados debido a su ambigua cualificación política.

El Misterio de la Puerta del Sol

Las memorias de Elías, testimonio fundamental de la época, fueron rechazadas por la “censura solapada de algunos miembros de los comités de redacción de las editoriales”, según firma José Mª Caparrós Lera en su libro Memorias de dos pioneros (1992). En éste se puede leer una síntesis de dichas memorias junto a las de Fructuós Gelabert (trabajador incansable del artilugio cinematográfico) cuyo reconocimiento institucional comenzó a vislumbrarse tras la muerte de Franco. Elías recibió del rey Don Juan Carlos I la encomienda del Mérito Civil. Emocionado, Paco Elías comentó: “Después de muerto cebada al rabo”. Al poco, subió Adolfo Suárez al poder. El acto conmemorativo, que se celebró en Barcelona a cargo de Joan Francesc de Lasa en octubre de 1976, tuvo un carácter entrañable y como consecuencia, éste publicó una monografía sobre Elías titulada Francisco Elías. Pionero del cine en España (Madrid: Filmoteca Nacional, 1976).

Caserón del film El Misterio de la Puerta del Sol

[Imágenes extraídas de http://historias-matritenses.blogspot.com]

Sin embargo, según cuenta José María Caparrós Lera, el talón entregado a Elías -con valor de cien mil pesetas- de parte del Ministerio de Información, serviría para comprar los derechos de sus Memorias, cosa que supuso un engaño oficial. La Administración quería cobrarse el “donativo”, pero Elías no lo permitió y las dudas sobre su pensión también siguieron en el aire hasta que le sorprendió la muerte. La historia del cine español y nuestra industria cinematográfica ha ignorado a un auténtico pionero del aparato cinematográfico. Por supuesto, durante los últimos años se han realizado publicaciones que recuerdan incansablemente la figura de este genial autor.  Pero nuestra industria y el plano institucional nunca han puesto a la figura de Francisco Elías en el lugar que se merece, al aldo de otros pioneros del cine como pueden ser los hermanos Lumière o Edison entre otros.

500 días juntos: Crónica fragmentaria de una historia de desamor

Esta es una colaboración de Fran Ayuso, que ya colaboró con nosotros en la grabación de uno de los vídeos del concierto de Yann Tiersen (3/4). Encontraréis, al menos en cuanto a música, un enfoque distinto al que tenemos habitualmente en Tránsito.

Chico conoce chica. Esta fórmula tiene toda la pinta de estar agotada, por lo que nadie esperaría nada nuevo de una película que se anunciara así. Pero, si a continuación nos advirtieran de que no es una historia de amor, habría que descartar los esquemas previos y prepararse para la sorpresa. Esto es lo que ha hecho Marc Webb en su debut como director. Y no es el primero. Ya en 1984 Leos Carax tituló su primer film precisamente así, Boy Meets Girl, para presentar una historia de amor romántico de forma muy singular e innovadora, con influencias tan diversas como Chaplin, Godard o Dreyer. Marc Webb contaba, para enfrentarse a su primer trabajo, con su experiencia como director de videoclips para gente tan variopinta como Evanescence, My Chemical Romance, Snow Patrol o Fergie. Pero no por eso se ha quedado corto y en su película se pueden encontrar referencias a la “Novelle Vague”, a Bergman o a El Graduado.

500 días juntos es una comedia romántica que sorprende desde el principio, desde la dedicatoria inicial que él (narrador) le dedica a ella: “especialmente para ti, zorra.” Y sobre todo, por atreverse a subvertir el género, presentando a un chico que cree ciegamente en el amor, cursi y algo bobo, frente a una chica tenaz, descreída y amante del porno.  Además, este cóctel novedoso está presentado de forma fragmentaria y rompiendo la linealidad del relato, saltando alternativamente, y  sin ningún orden aparente, por algunos de esos 500 días. Esto permite que se puedan crear situaciones originales y sorprendentes, como en la fiesta en la que, mediante la partición de la pantalla, vemos por una parte lo que ocurre realmente y por otra las expectativas del chico. O, cuando en el momento de la ruptura ella establece una comparación con la pareja formada por Sid y Nancy, pero no como cabría esperar: “No, yo soy Sid, tú eres Nancy”. A modo de boutade, se podría decir que 500 días juntos es la Annie Hall de la época de los Facebook, Tuenti o Flickr.

Para acabar de redondear el, ¿envenenado?, pastel la banda sonora es una delicia pop. Empezando por los Smiths, “There is a light that never goes out” es la culpable de todo este embrollo, y siguiendo con Doves, Feist, Hall and Oates, Simon & Garfunkel o el “Sweet Disposition” de The Temper Trap, una de las mejores canciones del año. Además de referencias a Belle and Sebastian, Pixies o Jesús and Mary Chain. Por todo esto, 500 días juntos va camino de convertirse en la película de culto del 2009. Avisado estás.

Recopilaciones Tránsito – Hard-Bop Friends

Hard-Bop Friends es el título elegido para dar nombre a este recopilatorio articulado en torno al estilo hard-bop. El baterista Art Blakey lo describió como “el movimiento de vuelta a los orígenes” ya que  el hard-bop recogió la inlfuencia del blues y el gospel -géneros puramente negros- para desarrollar un nuevo estilo como continuación lógica del be-bop. El hard-bop fue, en parte, una reacción al cool jazz y a la incorporación de elementos propios de la música clásica. Aunque en la práctica las distinciones geográficas no son precisas, el hard-bop se llamó también East Coast Jazz por estar centralizado alrededor de Nueva York, en oposición geográfica y estilística al cool jazz vinculado genéricamente a la coasta Oeste (West Coast Jazz). Según Frank Tirro en La Historia del Jazz Moderno: “Estos músicos de la East Coast norteamericana desdeñaban la falta de compromiso emocional inherente a las escuelas cool y West coast y hacían bandera de los rasgos propios del hot jazz: sonido instrumental robusto, alta dinámica, energía incendiaria en los temas acelerados, mayor acentuació y compromiso emocional en la interpretación de baladas.”

En Hard-Bop Friends todos son nombres importantes dentro de este estilo aunque no necesariamente están limitados a ello. Las excepciones son Ben Webster -el único que repite como líder tras figurar en Jazz 50’s- y Don Byas. Ambos tienen un perfil similar: enmarcados en la época del swing, los dos saxofonistas supieron evolucionar y crear su propio lenguaje en distintas formaciones. Don Byas se juntó con los be-boppers, grabó con Dizzy Gillespie y se marchó a Europa en el año 46. Ben Webster siguió trabajando en EE.UU. pero en el 64 viajó a Dinamarca para pasar en Europa su última década.  En el 68, Ben y Don se encontraron. Hemos seleccionado una canción de aquel disco porque, al igual que hacían los músicos del hard-bop, Webster y Byas acuden directamente al blues para desarrollarse.

Como siempre, son bienvenidos los comentarios y las sugerencias. Esperamos que os guste.

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01. Clifford Brown & Max Roach – Take the ‘A’ Train

02. Lou Donaldson – Blues Walk

03. Ben Webster & Don Byas – Blues for Dottie Mae

04. Wynton Kelly – Wrinkles

05. Thelonious Monk – Blue Monk

06. Johnny Griffin – All the things you are

07. Baby Face Willete – High ‘n’ Low

08. Cannonball Adderley – Mercy, Mercy, Mercy

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Formaciones:

01. Clifford Brown – Trompeta / Max Roach – Batería / Harold Land – Saxo tenor / Richie Powell – Piano / George Morrow – Bajo

02. Lou Donaldson – Saxo alto / Herman Foster – Piano / ‘Peck’ Morrison – Bajo / Dave Bailey – Batería / Ray Barretto – Conga

03. Ben Webster – Saxo tenor / Don Byas – Saxo tenor / Tete Montoliu – Piano / Peter Trunk – Bajo / ‘Tootie’ Heath – Batería

04. Wynton Kelly – Piano / Lee Morgan – Trompeta / Wayne Shorter . Saxo tenor

05. Thelonious Monk – Piano / Charlie Rouse – Saxo tenor / Larry Gales – Bajo / Ben Riley – Batería

06. Johnny Griffin – Saxo tenor / John Coltrane – Saxo tenor / Hank Mobley – Saxo Tenor / Lee Morgan – Trompeta / Wynton Kelly – Piano / Paul Chambers – Bajo / Art Blakey – Batería

07. ‘Baby Face’ Willette – Órgano / Fred Jackson – Saxo tenor / Grant Green – Guitarra / Ben Dixon – Batería

08. ‘Cannoball’ Adderley – Saxo alto / Nat Adderley – Corneta / Joe Zawinful – Teclados / Victor Gaskin – Bajo / Roy McCurdy – Batería

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East Coast vs. West Coast Jazz: A False Dicotomy?

Supervivientes del Blues: Pinetop Perkins – Pinetop & Friends (2008)

Nacido como Joseph William Perkins el 7 de julio de 1913, ‘Pinetop’ Perkins es uno de los grandes supervivientes del blues auténtico del Mississippi. A sus 96 años, Pinetop pertenece al pequeño grupo de bluesmen que siguen en activo, sacando discos y actuando en directo. David Honey Edwards (28 de junio de 1915), B.B. King (16 de septiembre de 1925), Chuck Berry (18 de octubre de 1926),  Fats Domino (26 de febrero de 1928), Matt ‘Guitar’ Murphy (29 de diciembre de 1929), Louisiana Red (23 de marzo de 1932), Otis Rush (29 de abril de 1935), James Cotton (1 de julio de 1935), Jerry Lee Lewis (29 de septiembre de 1935), Sugar Pie Desanto (15 de octubre de 1935), Willy ‘Big Eyes’ Smith (19 de enero de 1936) y Etta James (25 de enero de 1938) son algunos de los artistas clásicos enraízados en blues que siguen vivos y, aunque algunos de ellos ya no actúan, siguen representando al estilo con toda su fuerza. Algo tienen estos músicos cuando pasan todos de setenta y siguen con ánimo y salud para seguir interpretando música. Pinetop, cerca de la centena, gana en años a todos los demás y representa la figura del bluesman del Mississippi que emigró a Chicago.

Pinetop Perkins es conocido, sobre todo, por haber formado parte de la banda Muddy Waters en la que entró en 1969 sustituyendo a Otis Spann. Perkins se quedó con Muddy hasta el año 81 incluyendo las participaciones  en los célebres discos de retorno de Waters: Hard Again (1977) y I’m Ready (1978). Con un estilo notablemente distinto al de Otis Spann, Perkins se convirtió en una “figura legendaria por ser el mayor del grupo” (Gérard Herzhaft, La Gran Enciclopedia del Blues) y continuar con la tradición clásica del piano sureño. Mientras que Otis Spann había desarrollado un estilo de piano más moderno a partir de la influencia de Big Maceo, el sonido de Perkins estaba basado en el boogie-woogie y el barrelhouse. De hecho, uno de sus temas más emblemáticos, Pinetop’s Boogie Woogie, es una relectura de una composición original de Pinetop Smith. La canción original de Pinetop Smith, grabada en 1928, se cita a menudo como la primera grabación de boogie woogie.

Pinetop nació en Belzoni (Mississippi) en el año 1913 y empezó tocando la guitarra hasta que una herida causada en una pelea con una corista le hizo pasarse al piano. A partir de ahí, estuvo actuando como músico durante los años 30 y 40 en la zona del delta del Mississippi. Pasó tres años junto el cantante y armonicista Sonny Boy Williamson II con el que participó en el programa de radio King Biscuit Time de la KFFA, estuvo de gira con Robert Jr. Lockwood y con Robert Nighthawk con quien llegó a viajar a Chicago para grabar con él para Chess Records. Era 1948, el año en que Muddy Waters iba a empezar a ganar cierta popularidad con la grabación de I can’t be satisfied y Little Anna Mae pero Pinetop todavía no estaba preparado para la gran ciudad industrial. Volvió al sur y tras una breve colaboración con B.B. King, recorrió estados junto al genial guitarrista Earl Hooker durante la década de los 50. En el 53 grabó el tema mencionado, Pinetop’s boogie woogie, para Sun Records. Sam Phillips, fundador de Sun, se hizo famoso por ser el “descubridor” de Elvis pero antes de grabarle a él, se dedicó a grabar a músicos de country y bluesmen como Howlin’ Wolf y el propio Pinetop Perkins. No resulta nada raro que fuese así ya que el blues, y específicamente el boogie woogie es el principal antecesor del rock ‘n’ roll -si es que de verdad son géneros distintos-. Perkins siguió su andadura musical junto a gente como Ike Turner y Boyd Gilmore y a finales de los sesenta volvió a Chicago para reunirse otra vez con Earl Hooker. Esta estancia en la ciudad del blues eléctrico sí fue definitiva para Pinetop Perkins que a los pocos meses entró en la banda del principal bluesman de la ciudad, Muddy Waters. Pinetop, que ya tenía 55 ó 56 años,  gozó entonces de su periodo de mayor popularidad así como de trabajo en una formación estable. Pinetop tuvo la difícil papeleta de sustituir a Otis Spann pero aportó su propio sonido y la experiencia de haber trabajado durante tantos años.

Curiosamente, la carrera de Pinetop Perkins ha ido de menos a más en cuanto a producción discográfica. Abandonó la banda de Waters en 1980 y formó The Legendary Blues Band junto a Willie “Big Eyes” Smith, Louis Myers, Calvin Jones y Jerry Portnoy. Más tarde, empezó a grabar como líder en las sesiones  y se convirtió en un músico habitual en festivales, programas y noticias. A partir de ahí, recogemos las palabras de su página web, “es ciertamente irónico que Pinetop esperara a cumplir los 80 para florecer como líder publicando 15 discos en 15 años empezando en 1992.”  Aunque recientemente se ha publicado también el dvd Born in the Honey que repasa la historia del pianista, Pinetop Perkins & Friends es su último trabajo de estudio. Se trata de un disco de blues fantástico en el que Pinetop hace su propia versión de 10 clásicos rodeado de colaboraciones: Nora Jean Bruso, Eric Clapton, Paul Diethelm, Willie Kent, B.B. King, “Little Frank” Krakowski, Eric Sardinas, Kenny Smith, Kester Smith, Leon Smith, Willie “Big Eyes” Smith, Bob Stroger, Jimmie Vaughan y Bill Willis.

El disco gira principalmente en torno a dos ejes: el boogie-woogie y la tradición del Chicago Blues. La primera es canción es Take it easy, uno de los boogies clásicos de Pinetop en el que vemos que Pinetop se mantiene en un gran estado de forma. Los coros femeninos y la guitarra solista terminan por redondear la canción. Down In Mississippi junto a la inconfudible guitarra de B.B.King y Barefootin’ (versión del hit de Robert Parker) siguen la misma línea y Look Yonders Wall nos remite al blues clásico de Elmore James. Por otra parte, hay dos versiones de su colega Muddy Waters. Canciones que interpretaron juntos y clásicos del blues: Got my mojo workin’ y  Hoochie Coochie Man en las que ahora Pinetop recoge algunos de los fraseos vocales de Muddy.  El apartado de canciones dedicadas a Chicago se cierra con la canción definitiva sobre esta ciudad,  el blues de Robert Johnson, Sweet Home Chicago. El disco lo completan Anna Lee, How Long/Come Back Baby -cantada junto a Nora Jean Bruso- y Bad Luck Baby, todos ellos blues lentos que añaden un poco de calma a un disco sorprendente.

Lo fabuloso de este tipo de músicos y artistas que provienen de orígenes tan  sencillos es la humildad que conservan, la naturalidad con la que hacen aquello que han hecho durante toda su vida. La mayoría nacieron en ambientes pobres, no fueron a la escuela ni recibieron una educación tal y como la concebimos ahora pero pusieron todo su esfuerzo y constancia en la música. Ahora reciben premios, son idolatrados por nuevas generaciones y se conservan como una especie de tesoros histórico-musicales. Pinetop Perkins es un de ellos…

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Willie Nelson & Wynton Marsalis – Two Men With The Blues (2007)

Grabado en directo en el Lincoln Center de Nueva York el 12 y 13 de enero de 2007, Two Men With The Blues reúne al clásico del country Willie Nelson y al trompetista de jazz Wynton Marsalis. Acompañados por la banda de Marsalis, ambos demuestran con alegría el contacto entre estilos como el jazz, el blues o el country. El disco empieza con Bright Lights, Big City, una versión del tema de Jimmy Reed que alcanza una dimensión casi mágica. Con este magnífico inicio, confirmamos las palabras de Willie Nelson: “Estas canciones, escuchadas de esta manera y con este grupo… -eso no se había hecho antes. Cualquier cosa que yo haga, si añades a Wynton y estos tíos, lo llevan a un nivel diferente.” La harmónica, la trompeta y el saxo recuerdan los sonidos de la ciudad  y después entra Willie que se adueña del tema.

Two Men With The Blues es básicamente es un disco de blues pero tocado por músicos de jazz y por Willie Nelson, un countryman capaz de abarcar todo el terreno común de los estilos. A lo largo de los años sesenta, durante su estancia en Austin, Nelson consiguió recuperarse de sus problemas de alcoholismo, de tenencia ilícita de armas y problemas contractuales para hacerse popular con un country inlfuenciado por el rock ‘n’ roll, el jazz y el western swing. Willie empezó a desarrollar un fraseo de guitarra con un toque jazzístico que puede apreciarse con claridad en Two Men With The Blues. Uno de los ejemplos es Nightlife, un clásico del propio Nelson del cual se han hecho infinidad de versiones en el country. En este disco se acentúa el componente melancólico de Nightlife con la fantástica trompeta de Marsalis.  Por su parte, Wynton Marsalis está considerado uno de los grandes músicos que al jazz ha dado desde los años 80. Situado ya en un lugar privilegiado, Marsalis desarrolló un estilo de tocar la trompeta basado en la tradición clásica y en grandes músicos como Louis Armstrong y Miles Davis. Precisamente, este acercamiento hacia el sonido clásico del jazz le ha valido tanto aplausos como críticas generando, a menudo, gran controversia. Algunos le alabaron por salvar al jazz del ámbito más experiemental o del contacto con el pop pero otros le han criticado por ser segmentario y limitar la innovación.

En efecto, Marsalis y su banda beben directamente del sonido clásico del jazz y se agradece que lo hagan reproduciendo un sonido moderno. Ese acercamiento tiene mucho que ver con la selección de las canciones de Two Men With The Blues que combina composiciones de Willie Nelson con temas clásicos de blues y jazz. Basin Street Blues y My Bucket’s got a hole in it son canciones que interpretaban las bandas de Dixieland y mantienen el genuino sonido de Nueva Orleans. Rainy Day Blues y Ain’t Nobody’s Business son standards de blues. De hecho, Ain’t Nobody’s Business ha sido interpretada por artistas como Bessie Smith, Billie Holiday o Freddie King.  Destacan también las versiones de joyas como Georgia On My Mind de Ray Charles y Caldonia de Louis Jordan. El disco se cierra con That’s All, despedida con un tema del clásico del country Merle Travis que mantiene un regusto más rural y cabalgante.

En definitiva, se trata de un disco muy recomendable para acercarse a estos dos grandes artistas o simplemente para disfrutar un rato de buena música. Es un acierto que el disco esté grabado en directo porque, además de que la grabación es muy nítida, se aprecia la espontaneidad del directo, los aplausos del público después de cada intervención y la interacción entre todos los músicos.

Formación: Willie Nelson – Voz y guitarra / Wynton Marsalis – trompeta / Mickey Raphael – harmónica / Walter Blanding – saxofón / Dan Nimmer – piano / Carlos Henriquez – bajo / Ali Jackson Jr. – drums

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Recopilaciones Tránsito – Same Old Blues

Same Old Blues es un nuevo tipo de recopilatorio que añadimos a Recopilaciones Tránsito. Se trata de un recopilatorio dedicado al blues en el que tratamos de recoger una visión divertida y up-tempo de un género tan amplio. Hemos tenido en cuenta las peticiones hechas en la entrada de Groove 2.

Como siempre, son bienvenidos los comentarios y las sugerencias. Esperamos que os guste.

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01. Johnnie Johnson – Johnie B. Bad

02. Taj Mahal – Hello Josephine

03. Freddie King – Just Pickin’

04. Jeff Healey Band – Mess O’ Blues

05. Professor Longhair and Clarence Gatemouth Brown -Rockin’ Pneumonia and the boogie-woogie Flu

06. Albert Collins – Don’t lose your cool

07. Fito & Fitipaldis – Esta Noche

08. James Cotton, Junior Wells and Carey Bell – Who

09. Eric Burdon – Don’t ever let nobody drag your spirit down

10. Los Suaves – Burro Cansado Blues

11. Willie Nelson and Wynton Marsalis – Caldonia

12. Loquillo – Es la noche

13. Johnny Winter – Lone Wolf

14. Stevie Ray Vaughan – Rude Mood

15. ACDC – Whole Lotta Rosie

16. Platero y tú – Maldita Mujer

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