Archivo para 30 mayo 2009

30
May
09

Otis Taylor y el blues: un viaje de ida y vuelta

El pasado 18 de mayo pudimos disfrutar en Valencia de la actuación de Otis Taylor como telonero de Gary Moore. Los orígenes de este cantautor, nacido en Chicago, son palpables en su música ya que ofrece un trance blues con raíces afroamericanas que no deja indiferente al espectador. Además, su voz personal y sus letras comprometidas trasladan al oyente al lugar donde Otis descubrió su vocación musical: Denver, Colorado. Tras varios proyectos en esta ciudad, Otis viajó a Londres donde las imposiciones de la discográfica convirtieron este viaje en un proyecto frustrado. Así pues, en Colorado llevó a cabo un proyecto musical con Tommy Bolin de Deep Purple.

De esta manera, este cantautor de blues ha pasado por diferentes trabajos, por ejemplo en 1977 puso un negocio de antigüedades y limitó sus actuaciones a ciertos momentos especiales y familiares. En 1995, Kenny Pasarelly le convenció para que formara la Otis Taylor Band, con la que editó dos discos de forma independiente (Blue Eyed Monster y When Negroes Walked The Earth).

En 2001, un cambio de paradigma le lleva a firmar en solitario con la compañía  NorthernBlues Music. En esta nueva época lleva a cabo dos álbumes que han sido considerados de gran prestigio tanto por la crítica como por el público: Respect The Dead y White African. Actualmente actúa como telonero de Gary Moore en su gira mundial en la que algunos críticos lo han calificado como “la reencarnación de Son House y el relevo generacional de John Lee Hooker“.

Os dejamos con un par de vídeos que grabamos; el primero es Otis Taylor en solitario y el segundo acompañando a Gary Moore.

28
May
09

El blues y el virtuosismo de Gary Moore estuvieron en Valencia

A menudo se ha dicho que Gary Moore es el guitar hero del blues y le han definido como un guitarrista de Heavy Metal tocando Blues. El caso de Moore es curioso y extraño porque ha sido capaz de combinar distintos estilos alejados entre sí a lo largo de su carrera como el blues, el hard rock, el jazz fusión/rock progresivo, la música celta y las baladas inmortales. El guitarrista y cantante irlandés comenzó su larga carrera en el rock en los setenta siguiendo la estela de músicos como John Mayall, Peter Green, Jimi Hendrix o Albert King. Empezó a tocar la guitarra con 10 años, se obsesionó con ella y admite que a los 14 ya la dominaba. Más tarde pasó por diversos grupos –incluyendo una breve estancia como guitarrista de Thin Lizzy- y publicó varios álbumes de hard rock como Victims of the Future (1984)Wild Frontier (1987) –dedicado a Phil Lynott- y After The War (1989).

Ahora Gary declara que el rock duro no significa “nada” para él y que “si eras guitarrista en los ochenta y querías tener una carrera tenías que tocar rock duro. Al final de los ochenta descubrí que no pertenecía a ese mundo, ni a sus grandes producciones, y decidí alejarme”. Sólo un año después de After The War, Gary Moore publicó Still Got The Blues que resultó ser, no sólo una nueva declaración de principios sino también su disco más exitoso. En el disco Gary trató el blues desde un enfoque rockero mezclando los planteamientos clásicos del blues con su virtuosismo acumulado. “Cuando grabé Still got the blues sé que aun estaba tocando demasiado” admite Gary. “Es fácil pensar que puedes llegar y tocar igual que siempre has tocado. Creo que debería haberme tomado un par de años de descanso antes de grabar este disco pero creo que al mantener la actitud rockera conseguí atraer a muchos fans especialmente a los más jóvenes.” De hecho, su tipo de blues también provocó críticas negativas de los sectores más puristas pero dos clásicos –estos sí enaltecidos por la crítica- como Albert King y Albert Collins le brindaron su colaboración; el primero en Oh Pretty Woman y el master de la telecaster en Too Tired.

La parcela rockera del blues quedaba cubierta con Walking by Myself, Moving on y Texas Strut y en el blues más clásico Gary cumplía con nota en Too Tired –versión de Johnny Guitar Watson-, Stop Messin’ Around –versión de Peter Green-, That Kind Of Woman -junto a George Harrison- y el clásico de Otis Rush All Your Love. Incluía también varios blues lentos y sin distorsiones como As the years go passing by y Midnight Blues y todavía le quedaba hueco para el baladón que da título al disco y para homenajear a su querido Albert King en King of the Blues. “Albert podía ser un poco capullo, pero siempre me dijo que Stevie Ray i yo éramos sus ahijados, que quería vivir lo suficiente para vernos tocar juntos. Te hacía la vida difícil pero lo hacía con buena intención, intentaba enseñarme como hacer las cosas y sus consejos fueron muy válidos.” Pero tras la desgraciada muerte de Stevie Ray Vaughan en el mismo año 90, Still Got The Blues y discos como After Hours (1992), Blues Alive (1993) y Blues For Greeny (1995)  colocaron a Gary como su heredero natural.

La gira de su último disco, Bad For You Baby, le ha traído a distintas ciudades españolas. El pasado 18 de actuó en Valencia, donde no tocaba desde que lo hiciera con Colosseum II en el 78. Debido a la falta de salas adecuadas operativas, el concierto de Gary tenía el peor problema antes de que comenzase: el Palacio de Congresos no es lugar para conciertos festivos. Quedaba todavía como incógnita la combinación de blues y baladas que configuraría el tracklist. Empezó bien con Oh pretty woman y poco después la fantástica Since I met you babe. Tocó Too Tired y una versión demasiado ralentizada de All Your Love. Reservó Walking By Myself para el final y entremedias tocó un par de temas de su último disco Bad For You Baby. No pudo faltar Parisiene Walkways –probablemente su gran balada- que dejó acertadamente para después de los bises y sorprendentemente no tocó Still got the blues. Creo que Gary brilló en aquello que mejor se le da –o que más nos gusta a los amantes del blues- pero cortó el ritmo con blues lento y alguna balada de más durante el grueso del concierto. Por otra parte, su increíble dominio y virtuosismo de la guitarra destacó durante las canciones pero quizás –por el bien del espectáculo- hubiese sido mejor no alargar los finales para recorrer de arriba abajo el mástil sin ni siquiera el apoyo de su grupo.

Eché de menos canciones como Futher On Up The Road y la increíble The Stumble -una gran obra instrumental en la que Gary demuestra todo lo que sabe hacer- pero agradecí un final potente al que se sumó Otis Taylor con su inspirada armónica. Además, parece que los años no hayan pasado para Gary Moore que sigue cantando y tocando en plenas condiciones a sus 57 años.  Gary utilizó 5 o 6 guitarras distintas –la mayoría Gibson- de su colección de 65 y demostró –casi 20 años después de Still Got The Blues– que, sin lugar a dudas, su nombre debe figurar al lado de otros grandes del blues como Eric Clapton, Peter Green, John Mayall o Stevie Ray Vaughan. “Estoy contento del lugar que ocupo en el esquema general de las cosas, aunque me siento como un outsider”, comenta Gary. “Pero uno no quiere ser Eric Clapton –quiere ser Jeff Beck. Nunca ha tenido el éxito que ha tenido Eric, así que mantiene su motivación intacta. Creo que es mejor así que ser rico, vago y complaciente.”

 

 

Descarga Gary Moore – Still Got The Blues

 Versión del clásico de Louis Jordan, Caldonia, junto a Albert King y Albert Collins.  

26
May
09

Sh-Boom, el clásico del Doo-Wop

Hoy os hablamos de Sh-Boom, un clásico entrañable del Doo-Wop. Descubrí esta canción cuando era muy pequeño en un recopilatorio de Rock que editaba la BP (sí, de la gasolinera). Sh-Boom aparecía en el disco junto con grandes como Jerry Lee Lewis, Little Richard o Bill Haley. Sh-Boom fue escrita por James Keyes, Claude Feaster & Carl Feaster, Floyd F. McRae y James Edwards y publicada en el año 1954. Existen dos versiones principales aunque con el paso de los años se ha seguido cantando. La primera la hizo el grupo de R&B negro The Chords que la llevó al número 3 en las listas de R&B y poco más tarde los Crew-Cuts realizaron otra versión de la canción, más melódica y menos bluesera; en definitiva más blanca. Los Crew-Cuts introdujeron la canción en las listas de pop donde llegó a entrar en el Top Ten.

En cualquier caso, las dos versiones fueron éxitos y vale la pena escucharlas, sobre todo por el ritmo pegadizo y el genial arreglo de voces que ambos grupos realizaron.

 

 

 

Información sobre The Chords

Biografía y Opiniones sobre The Crew-Cuts

25
May
09

The Black Survival, Bob Marley & The Wailers sobreviven

Publicado tras sus mayores éxitos comerciales –Exodus (1977) y Kaya (1978)– el álbum Survival es, sin duda, uno de los más completos de la carrera discográfica de Bob Marley por su compromiso y profundidad temática y musical. Incluso antes de escuchar la grabación el título, la portada -formada por banderas africanas- y la contraportada, que incluye la cita de Marcus Garvey: “A people without the knowledge of their past history, origin and culture is like a tree without roots”, hacen intuir el carácter especial del disco. Survival iba a llamarse The Black Survival pero el título se acortó para evitar polémicas y malentendidos dejando el componente negro fuera del título aunque este siguió siendo esencial en el álbum.

La carrera de Bob Marley estuvo marcada por el tiroteo sufrido en su casa el 3 de diciembre de 1976. Bob se exilió en Londres donde grabó las canciones que formarían Exodus y Kaya en un ambiente más seguro y anónimo. Había alcanzado una gran madurez compositiva y supo realizar unas grabaciones magnificas de las que saldrían dos discos con canciones de temática muy variada. Recuerda las causas de su exilio en varias canciones como So much things to say, Guiltiness, y la propia Exodus además de en Running Away (Kaya) y Ambush In The Night (Survival). Pero también compone canciones de amor que se convertirían en éxitos definitivos como Is This Love o One Love y temas bailables y desenfadados como Jamming.

La autenticidad de la música de Bob Marley & The Wailers se percibe con facilidad porque desprende un aroma cálido de bienestar, de tierra humilde y porque su fraseo y sus palabras –escritas con una lírica sencilla y precisa- parecen adquirir más contundencia y actualidad cada día. Survival se fragua con la vuelta de Bob a Jamaica. Una vuelta al origen, a la raíz, al principio: a África. Un manifiesto panafricano de unión, fraternidad y levantamiento frente al mundo rico y blanco de Babylon. Junto a la inicial So much trouble in the world que actúa como prólogo, quizás las canciones más emblemáticas de Survival son las que forman la parte media del disco: Babylon System, Survival y Africa Unite. Incluso parecen seguir un hilo argumental. Babylon System es una denuncia amarga y un ataque directo al sistema impuesto y a sus instituciones. Survival son tres minutos y medio de levantamiento negro. Es desenfadada y alegre pero también mordaz, urgente y necesaria. Africa Unite parece querer llevarnos al final del camino. Es una canción idealista que apela a la unión africana y rasta y a la satisfacción que supondría alcanzarla. Además, también son destacables canciones como Zimbabwe y Ride Natty Ride. La primera conmemora la lucha por la independencia en Zimbabwe. El grupo fue invitado por el nuevo gobierno para tocarla en la ceremonia de independencia. Por su parte, Ride Natty Ride es una historia de rabiosa actualidad sobre un trabajador explotado al servicio del poder. Las canciones de Bob son muchas veces de denuncia pero nunca victimistas, ni derrotistas, ni siquiera tristes. Siempre hay una vía de liberación, de lucha y descreimiento de los valores aceptados.

Refiriéndose a Bob Marley, Chris Blackwell (productor del grupo desde la preparación de Catch A Fire -1972- ) escribió: “cuando un artista es realmente excepcional suele rodearle un tipo especial de energía.” Nacido de madre negra y padre blanco inglés, Bob Marley sigue teniendo un aura mística que le llevó a convertirse en un líder espiritual y popular para muchísima gente, además de en un defensor de la causa africana. Su figura ha llegado a nuestros días convertida en icono; icono de la marihuana, del movimiento rastafari e incluso del merchandising. Bob es todo eso pero su complejidad va más allá. Es necesario escarbar y sumergirse en su obra plagada de amor, alegría, rebeldía, denuncia, liberación, redención, mitología… Si todos escuchásemos a Bob Marley & The Wailers y dejáramos que su música alcanzara nuestras entrañas, los días serían más relajada; el mundo sería más pacífico y la vida sería más alegre.

Descarga Survival

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Músicos en las calles

23
May
09

Stevie Ray Vaughan revisitando el blues

Es habitual relacionar los años 80 con la música disco pero también fueron años de renacimiento del blues de la mano de gente como Stevie Ray Vaughan,  The Fabulous Thunderbirds -donde estaba su hermano Jimmie- o Robert Cray. Se configuró una nueva escena musical alrededor de Texas, una ciudad vital en la tradición del blues y el rock, en la que nuevos artistas como el arrollador guitarrista Stevie Ray Vaughan entraron en contacto con gente como Albert Collins, guitarrista clásico de blues que se estaba ganando la reputación de “Master de la Telecaster” desde finales de los 60. Además, Robert Cray -gran representante del blues moderno y profundo admirador de Albert Collins- grabó su primer álbum, Who’s Been Talking, en el año 80. Todos ellos, junto a las oportunas colaboraciones de Eric Clapton, Jeff Beck y Dr. John además de los siempre hospitalarios con las nuevas generaciones B.B King y Buddy Guy configuraron un nuevo movimiento que resucitó el interés por el blues.

El estilo de tocar la guitarra de Stevie Ray Vaughan era una mezcla entre la tradición del blues y el rock con  influencias de Otis Rush, Albert King, Jimi Hendrix y el genial Lonnie Mack -su disco Wham fue el primer disco que compró Stevie-. Pero SRV incorporaba abiertamente elementos del funky que amoldaba al tradicional shuffle del blues y el boogie. El propio Stevie confesó su profunda admiración por Stevie Wonder y realizó una versión de su gran éxito Superstition. Si hablamos de versiones no podemos olvidarnos de sus versiones de Hendrix. También zurdo como Hendrix, SRV hizo una versión instrumental de Little Wing y otra de Voodoo Chile.

Stevie Ray Vaughan publicó 5 álbumes oficiales desde el 83 al 89 y como toda gran estrella atravesó momentos difíciles. Su particular relación con las drogas y el alcohol le llevaron al colapso en el 86 mientras estaba en Alemania en mitad de una gira que finalmente tuvo que cancelar. Tras un periodo de rehabilitación Stevie volvió por la puerta grande un año después con la retransmisión por la MTV de su recital como parte de la cobertura de las vacaciones de primavera en Daytona Beach, Florida. Stevie también aparece en la película “Back to the Beach” tocando “Pipeline” con Dick Dale y en un especial de TV para Cinemax de B.B. King junto con: Eric Clapton, Albert King, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean.

Lamentablemente, el 27 de Agosto de 1990 un accidente de helicóptero terminó con la vida de otro gigante al que todavía le quedaba mucha música por tocar. El blues y el rock n roll se volvieron a quedaron sin otro de sus referentes en una década en la que eran necesarios. El estilo blues-rock de Stevie Ray Vaughan y su fuerza y rapidez tocando la guitarra le dieron al blues una perspectiva festiva y todos los futuros guitarristas un nuevo modelo del que aprender.

En 1996 Jimmie Vaughan, hermano de Stevie, organizó un concierto de homenaje a SRV en el que se reunieron grandes artistas como B.B. King, Buddy Guy, Eric Clapton, Dr.John y Bonnie Raitt para interpretar algunas de sus canciones junto a su antigua banda. El mismo Eric Clapton alaba la manera de tocar de SRV del que dice que sus manos fluían tal y como sucedía con Hendrix pero que lo normal entre los guitarristas -se incluía- es parar unos instantes y pensar lo que vas a hacer.

Os dejamos con la jam final del homenaje a SRV. Todos los músicos van improvisando sobre un blues shuffle al estilo de Stevie.

Descarga Stevie Ray Vaughan & Friends

(Pass: robiusrockanblues.blogspot.com)

21
May
09

Diferentes perspectivas y una cierta actitud punk

El movimiento punk o una cierta actitud punk se suele relacionar cinematográficamente con películas que tratan biografías o hechos concretos que tienen que ver de una manera concreta con la subcultura que rodea la música punk en los años 70. Así pues encontramos películas como 24 Hour Party People (2001), en la que Michael Winterbottom muestra como a finales de los años 70, Tony Wilson y sus amigos formulan un plan después de un recital de los Sex Pistols. Este falso documental realiza un recorrido histórico donde muestra los gustos tanto musicales como estéticos de los años 70 y 80.

Cartel de la película Ohayo (Buenos días) de Yasujiro Ozu. Estrenada en 1960.
Cartel de la película “Ohayo” (Buenos días) de Yasujiro Ozu. Estrenada en 1960.

Pero otras clasificaciones menos explícitas surgen desde el interior de la personalidad de cineastas como Pedro Costa. Éste considera tanto a Yasujiro Ozu como a Jean-Marie Straub y Danièle Huillet “cineastas punk”. Ozu empezó su filmografía en 1927 con Zange no yaiba (La espada de la penitencia), pero su cine no superó las fonteras japonesas hasta que en los años 60 se celebró una retrospectiva de sus películas en el Festival de Cine de Berlín. Su obra ha influído posteriormente a directores que comenzaron en los años 70 y 80 como Jim Jarmusch, Wim Wenders o Aki Kaurismäki.

En este punto el cine se convierte en una mirada inconformista que desprende un rechazo a la rigidez del actual sistema en todo su conjunto. Pero estos cineastas no tienen la necesidad de crear eslóganes, sino de defender aquello en lo que creen trabajando al margen de la industria; éste es el único modo de llevar a cabo sus propias creaciones.

20
May
09

Las caras del soul; música y conflicto en los 60

El pasado 12 de enero se cumplió el 50 aniversario de Motown Records, una de las grandes discográficas de la historia y el principal icono comercial del soul. Su fundador, Berry Gordy, fue el primer afroamericano en dirigir una compañía discográfica. Empezó como compositor para artistas como Jackie Wilson y The Matadors pero pronto se dio cuenta de que podía hacer negocio produciendo y publicando sus propios discos.

Berry Gordy logró combinar el ritmo del R&B con melodías y arreglos marcadamente pop y alcanzar así un público tanto negro como blanco. Gordy lo tenía muy claro, iba a darle a Estados Unidos una nueva imagen de los negros; rostros agradables, melodías aterciopeladas, arreglos finos y actuaciones en el show de Sullivan. No en vano, una de las principales estrellas de Motown fueron las Supremes que, comandadas por Diana Ross, se convirtieron en referentes del buen gusto negro.

Detroit, ciudad del motor donde se fundó Mo(tor)town, había sido históricamente una de las principales ciudades en recibir inmigración del sur por su industria automovilística y se había configurado cierta escena de blues entre los que destacaba gente como John Lee Hooker o Eddie Kirkland. Sin embargo, el blues y estos rostros marcados por el sur representaban en aquel momento una música de tradición rural asentada sobre la segregación y la esclavitud y no demasiado atractiva para los jóvenes negros. Las Supremes -grupo vocal de tres mujeres siempre bien vestidas- empezaron a encadenar éxitos en forma de canciones de amor como Where did our love go, Baby Love o Stop! In the name of love y a actuar en televisión con coreografías estilizadas y controladas presentando una imagen urbana y más moderna de los negros. Otro de los grupos importantes del catálogo de Motown fueron los Jackson 5. Se trataba de una boy band de cinco hermanos adolescentes que una vez más se convertirían en éxitos pop. También en este caso, la idea de cinco hermanos jóvenes e ilusionados, con el joven Michael –de apenas 10 años- como estrella incipiente, transmitía una imagen tierna que cautivó a la audiencia blanca y a muchas jovencitas. Los Jackson 5 se convirtieron en un fenómeno juvenil y tuvieron varios éxitos pero Motown nunca les permitió publicar material propio y eso, junto a la disminución de los éxitos, precipitó su salida del sello. Además de las Supremes y los Jackson 5 -que seguramente fueron los artistas más abiertamente comerciales de Motown-, el catálogo del sello incluye a otros grandes como Stevie Wonder, Marvin Gaye, Marta & the Vandellas (Dancing in the street), The Temptations (My Girl), Four Tops y, como no, Smokey Robinson que trabajó como compositor, ingeniero eléctronico y grabó con su grupo The Miracles. Berry Gordy y el sonido Motown –conseguido en gran parte gracias a los músicos de estudio, The Funk Brothers- influyeron en grupos tan populares como los Beatles que tomaron sus fantásticos hits Please Mr.Postman y Money (That’s What I Want), interpretados originalmente por The Marvelettes y Barret Strong, y los convirtieron en propios o en Mick Jagger y David Bowie que recuperaron Dancing in the street en el 85.

La primera etapa de Motown se enmarca en la década de los 60 y, más allá de las canciones de amor que llegaban a las listas de éxitos, el contexto social se caracterizó por los conflictos sociales y las reivindicaciones por los derechos civiles. En gran parte de Estados Unidos las condiciones de segregación impedían que blancos y negros entraran a los mismos bares, durmieran en los mismos hoteles o se mezclaran en los mismos conciertos. Sin duda, la presencia de grupos negros en televisión ayudó a que también gran parte de los jóvenes blancos se unieran a las reivindicaciones sociales encabezadas por Martin Luther King y su discurso de paz y desobediencia no-violenta. En el Memphis segregado, había un lugar donde músicos de distintos colores trabajaban codo con codo desobedeciendo las injustas leyes y su moral; la discográfica Stax. Fundada en el 57, dos años antes que Motown, como el negocio familiar de los hermanos Jim Stewart (St) y Estelle Axton (Ax), Stax se convirtió de manera espontánea en el primer sello del soul y en un ejemplo de integración social. Años más tarde Estelle Axton comentaba: “Nunca mirábamos el color, mirábamos a las personas y al talento.” Al lado de los estudios estaba el motel Lorraine, una especie de oasis donde los músicos iban a descansar y componer en libertad. (Eddie Floyd y Steve Cropper compusieron Knock on Wood una noche de tormenta en el motel Lorraine.) Cuando Martin Luther King viajó a Memphis no dudó en hospedarse allí. Memphis atravesaba un gran conflicto racial por la huelga de trabajadores de la limpieza que se prolongaba ya más de dos meses y el Doctor King fue para apoyar su causa consciente de que era el foco de referencia e ilusión para una gran cantidad de afroamericanos que creían en su sueño y afirmaban: “I am somebody. I am a person”. Sin embargo, el gran potencial de Martin Luther King resultaba peligroso para los sectores ultraconservadores y fue asesinado en el balcón de la habitación 306 del motel Lorraine de Memphis el 4 de abril de 1968. Alrededor de 300.000 personas acudieron al entierro y Mahalia Jackson, una de las grandes del gospel, cantó Take My Hand, Precious Lord, considerado el himno preferido de Doctor King.

La Stax fue la otra cara del soul, su cara más enérgica y funk. Su sonido se configuró sobre la base del grupo de estudio integrado principalmente por Booker T, Steve Cropper, Donald Dunn y Al Jackson (Booker T & MG’s) y la sección de vientos The Mar-Keys además de compositores como la pareja Hayes-Porter. En ese pequeño estudio, blancos y negros trabajaban como iguales y crearon un sonido propio que no llevó tantos éxitos a las listas como Motown pero que se constituyó sobre la base del R&B y la reivindicación del soul, del alma. Los estudios de Motown se conocían como Hitsville U.S.A y siguiendo su ejemplo Stax añadió el luminoso Soulsville U.S.A a la puerta de su estudio. Algunos de los grandes artistas de Stax fueron Otis Redding, Sam & Dave, Wilson Pickett, Rufus & Carla Thomas, Booker T & the MG’s y Isaac Hayes. Canciones como Soul Man interpretada por Sam & Dave, Walking the Dog de Rufus Thomas, Knock on Wood de Eddie Floyd o el disco Dictionary of Soul de Otis Redding ponen de manifiesto la importancia del concepto soul y el carácter musical de Stax. Su aproximación no fue hacia arreglos y líneas melódicas del pop como Motown sino que siguió la y tradición del R&B aportándole un carácter más funky, duro y bailable. Stax tenía la parte más rítmica y gutural, sobre todo en su primera etapa.

El soul, por ser la expresión musical de las juventudes negras, siempre mantuvo cierta correlación con el movimiento de los derechos civiles. Probablemente, la canción más famosa del movimiento de los derechos civiles fue We shall overcome que se convirtió en un himno popular sin distinción. Curiosamente, la canción fue popularizada por músicos de folk blancos como Pete Seeger y Joan Baez aunque provenía de una canción gospel del Reverendo Charles Tindley. Otra de las grandes canciones fue A Change Is Gonna Come de Sam Cooke. Se publicó en 1964 poco después de su muerte y, al principio, fue un éxito menor pero sus letras explicitas sobre el cambio social la convirtieron pronto en un referente de la lucha por los derechos civiles. La cantaron numerosos artistas como Otis Redding –gran seguidor de Cooke-, Aretha Franklin, Solomon Burke, Tina Turner o Bob Dylan entre muchos otros y se ha utilizado en películas como Talk To Me (Kasi Lemmons, 2007) –enmarcada en esta época- y documentales como The War On Democracy (John Pilger, 2007). También hubo canciones que provocaron disturbios y manifestaciones como Dancing In the Street (Martha Reeves & the Vandellas, Motown, 1964) que se convirtió en un símbolo de liberación por incitar al baile en las calles de las ciudades y pese a haber sido producida como una inocente canción festiva. Además, la canción Respect, compuesta y originalmente grabada por Otis Redding en 1965, adquirió mayor repercusión y connotación cuando Aretha Franklin la hizo suya con la ayuda del productor de Atlantic Jerry Wexler. La canción fue acogida por el movimiento feminista por la fuerza con la que Aretha exigía respeto. Sin embargo, la expresión musical más primaria y vehemente fue Say it loud – I’m Black and Proud (1968) de James Brown. Se trataba de una manifestación de orgullo e identidad a ritmo de funk que las masas y los panteras negras coreaban tanto en sus conciertos como en las calles.

La música de Stax y la lucha por los derechos civiles nunca volvieron a ser lo mismo después de los traumáticos sucesos que precipitaron el cierre de los sesenta. El 10 de diciembre de 1967 Otis Redding murió en un accidente con su avioneta y pocos días después se publicó su mayor éxito, (Sittin’ on) the dock of the bay. Apenas un año después Martin Luther King fue asesinado. La gran conmoción que sufrió el mundo afroamericano también tuvo su correspondiente cambio musical. Poco después de la muerte de Otis, Sam & Dave fueron forzados a volver a Atlantic ya que, realmente, no estaban contratados por Stax sino por Atlantic y cedidos a Stax; ya no volvió a ser igual: “Era un negocio familiar. Esa química funciona. Cuando rompieron ese molde y nos hicieron volver, todo se desmoronó” (Sam Moore). Pero el abuso de Atlantic fue más allá; les arrebataron a Stax los derechos de todas sus producciones complicándoles la supervivencia. Stax logró rehacerse con el single Who’s making love (1968) de Johnnie Taylor y un nuevo tipo de soul.

Isaac Hayes, antiguo compositor junto a David Porter de temas como Soul Man o Hold On I’m Coming, se convirtió en la imagen de Stax y artífice del Hot Buttered Soul (1969); soul cálido y sexual con regusto a mantequilla que vendió más de tres millones de copias. Para la comunidad negra en general, los 70 iban a ser un periodo de liberación sexual y música más atmosférica y flotante. En el 72 Isaac Hayes ganó un Oscar por la banda sonora de Shaft, una película de blaxploitation orientada a la población negra. Al Bell había tomado las riendas comerciales de Stax, se convirtió en nuevo co-propietario y puso en marcha toda una serie de estrategias publicitarias y de marketing para poder competir con su gran rival, Motown, y obtener beneficios.

Por su parte, en 1971 Motown publicó el mítico What’s Going On de Marvin Gaye. Determinado por el contexto social, se trata de un disco conceptual que narra las experiencias de un veterano de Vietnam que regresa a EE.UU. Las canciones hablan de la guerra, la pobreza y del abuso de drogas y Berry Gordy las rechazó en primera instancia por considerarlas demasiado políticas y con poca salida comercial. Marvin Gaye insistió y logró publicar primero un par de sencillos. Tras ver la buena acogida, Gordy produjo el LP. Las palabras de Marvin Gaye ayudan a entender la gestación del disco: “En 1969 o 1970 empecé a replantearme lo que quería decir con mi música. La situación del país y las cartas que mi hermano me mandaba de Vietnam me afectaron mucho. Me di cuenta de que debía dejar mis fantasías si quería escribir canciones que llegaran al alma de la gente. Quería que ellos mirasen lo que sucedía en el mundo.” (Rolling Stone)

La producción de Stax y de Motown continuó a lo largo de los años pero se fue transformando. Stax empezó siendo un negocio musical familiar y natural pero la dinámica empresarial terminó asfixiándola. Primero se marchó Estelle Axton -debido a su mala relación con Al Bell- y las dificultades económicas llevaron a Stax a la bancarrota en el 75. Dos años después, Fantasy Records adquirió los derechos de las grabaciones no ligadas a Atlantic. El carácter comunitario que tuvo Stax en su primera época no se volvió a vivir y la compañía se vio inmersa en la lucha entre discográficas por hacerse con el mercado. En el caso de Motown, la compañía dejó Detroit y se trasladó a Los Angeles en el 72. Permaneció como una compañía independiente hasta 1988 cuando Gordy la vendió a MCA y Boston Ventures. La estela del Soul de estas dos compañías ha recobrado actualidad y vigencia desde hace unos años. De hecho, ya se habla de neo-soul. Por una parte, como siempre, están las estrellas más visibles ligadas al pop como Amy Winehouse y, en menor medida, Hillary Duff pero además hay gente como James Hunter, Sharon Jones & the Dap-Kings y el joven Eli “Paperboy” Reed. Precisamente, el sello Daptone –gran representante del neo-soul- se fundó en 2006 tratando de recrear la política familiar de Stax. También ellos están tratando de conseguir su propio sonido, de constituirlo como marca de identidad. Si Stax tenía a Booker T & the MG’s y Motown a The Funk Brothers, Daptone tiene a los Dap-Kings. De Eli Paperboy Reed, por ejemplo, se ha dicho: “Derramando clase, con arreglos y armonías reminiscentes de la factoría Motown y destilando la garra y el nervio de Stax” (Andreu Cunill, Ruta 66) lo que evidencia la huella estilística que han dejado sobre la música contemporánea.

Sin duda, el renacimiento del soul con nuevos artistas, discos y dvd’s conmemorativos de aniversarios y el correspondiente tratamiento en revistas y publicaciones han despertado un renovado interés por los conflictos y luchas en EE.UU. durante los 60 y 70 y siguen ayudando a su difusión. No obstante, no es menos cierto que la recuperación de éxitos pasados, reediciones y publicación de material inédito antiguo son sinónimo de ingresos seguros en época de crisis de la industria discográfica. La incapacidad de vender nuevos modelos y grupos de éxitos en un momento tan comercializado también incita a echar un vistazo atrás e ir reciclando modas. Se puede sacar mucho partido de un momento histórico apasionante y una música única.

Descarga Otis Redding – Otis Blue

Descarga Sam & Dave – The Very Best Of

Descarga Motown 50: Yesterday, Today, Forever

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Descarga Eli ‘Paperboy’ Reed & The True Loves – Roll With You




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