Archivos para 28 julio 2009

28
Jul
09

Janis Joplin y la “Kozmic Blues Band”

Janis Joplin perteneció a ese selecto grupo de figuras del rock que significaron para la historia mucho más por sí mismas que por su música. Aunque convencionalmente se la considere una artista menor al lado de Bob Dylan en el aspecto de ser un mito, un símbolo para su generación, fue la única mujer que alcanzó esa estatura dentro de un mundo reservado sólo a los hombres.

Ellen Willis, The Rolling Stone Illustrated History Of Rock’n’Roll

El último concierto que Janis Joplin hizo como cantante de Big Brother & The Holding Company tuvo lugar el 1 de diciembre de 1968 en San Francisco, tres años después de iniciar juntos su intensa carrera. Este concierto se celebró para recaudar fondos y reabrir el Avalon Ballroom, cerrado en septiembre por la policía. Éste marcaría el fin de una época y el principio de una relación intensa y trabajosa en la que Janis sacaría adelante una nueva banda de música y una nueva manera de entenderla.

En 1969 Janis reunió una banda a la que llamó Kozmic Blues Band. Este nombre sólo tuvo cierta oficialidad tras la edición del disco I Got Dem’Ol’Kozmic Blues, Mama! (1969) ya que en  muchos lugares, así como en la gira europea que harían en primavera, se la presentaba simplemente como Janis Joplin. Tras la Navidad de 1969, Janis se instaló de nuevo en el Hotel Chelsea y la Kozmic Blues Band inició una serie de intensos ensayos durante todo el mes para tener listo el repertorio de covers y nuevas canciones, cara a que todo fuera bien en la gira que iban a empezar por los EEUU. La nueva gira del verano de 1969 llevó a Janis y a su grupo de nuevo por toda América con un programa muy apretado de conciertos, que incluyó entre otros, su recordada aparición en el festival de Woodstock junto a Santana, Canned Heat o Jimmy Hendrix.

El tercer álbum de estudio de Janis sólo mostraba una pequeña parte de toda la fuerza, el entusiasmo y la genialidad que ésta tenía y que sólo era posible sentir en todo su énfasis asistiendo a sus conciertos. I Got Dem’Ol’Kozmic  contiene canciones muy significativas como Try (Just a Little Bit Harder),To Love Somebody y Maybe. Éstas se caracterizan por sus destellos jazzísticos fruto de la gran banda de música que encontramos tras este disco. Cabe destacar el relativo éxito que obtuvo cuando alcanzó en número 5 de las listas de Billboard y se mantuvo en el top 10 durante 16 semanas. Tres meses después de que saliera a la venta el 8 de septiembre de 1969 llegó a disco de oro.

Descarga el disco I Got Dem’Ol’Kozmic Blues, Mama!

26
Jul
09

Yann Tiersen: multi-instrumentista y polifacético

El pasado día 24 de julio Yann Tiersen actuó en los Jardines de Viveros como parte de la programación de la Feria de Julio de Valencia. Aunque principalmente conocido por ser el compositor de las bandas sonoras de las exitosas películas Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain (2001) y Good Bye Lenin (2003), la música de Yann Tiersen no se limita a estos dos trabajos. De hecho, cuando compuso la banda sonora de Amélie, ya había publicado cinco discos de estudio (La Valse des monstres (1995), Rue des casacades (1996), Le Phare (1998), Tout est calme (1999), Black Session (1999)). 

La formación musical de Yann Tiersen se asienta sobre  sus estudios en diversos conservatorios durante su infancia donde aprendió a tocar el violín y el piano además de estudiar composición. Su capacidad de como multi-instrumentista le llevó más tarde a aprender también a tocar el acordeón, el violonchelo, el toy-piano y la guitarra eléctrica. Sin embargo, la música de Yann está marcada por influencias, no sólo de música clásica, sino de la chanson francesa y del rock en general y cuyo resultado es una música bastante singular que cambia de ritmos con frecuencia, que los machaca en ocasiones y que los diluye cuando hace falta.

Os dejamos con unos vídeos que grabamos en el concierto. Así, podéis ver como Yann Tiersen incorpora lecturas de poesía en sus conciertos y va cambiando de instrumento dependiendo de las canciones.    

 

Enlaces de interés:

Los Reencuentros (Web dedicada a Yann Tiersen)

Artículo sobre Yann Tiersen y Amélie

19
Jul
09

“Naturaleza muerta” y conflictos sociales

Ficha Naturaleza muerta

Naturaleza muerta (2006) representa a través de sus personajes y su ciudad protagonista una especie de cuadro del momento actual por el que pasa China. Su director y guionista, Jia Zhang Ke (107′, En público, Placeres desconocidos, El mundo), expone al espectador ante dos personajes que transitan por un mundo de cambios contradictorios. Tanto el minero Sanming (Han Sanming) como la enfermera Shen Hong (Zao Thao) se encuentran “de paso” por la ciudad de Fengjie, la cual nunca más podrán volver a ver ya que está en proceso de derrumbe. El futuro de esta ciudad está relacionado con el proyecto hidráulico de las Tres Gargantas. Para construir de forma real la presa en sí, la central eléctrica y la estructura de la navegación (componentes del proyecto que comentamos) es necesario destruir un gran número de ciudades con más de mil años de antigüedad como por ejemplo Fengjie. Todos sus habitantes se van a convertir en emigrantes que deberán buscar trabajo en las ciudades de los alrededores. Consecuencia de esta situación es un grupo de trabajadores, que conocen al protagonista y le ofrecen la oportunidad de trabajar, los cuales se dedican a derrumbar los edificios de Fengjie y salvar todos los metales que puedan ser de valor. Junto a ellos, Jia Zhang Ke nos muestra un grupo de mujeres que se dedican a la prostitución, especialmente con extranjeros.

La política seguida por el gobierno chino se relaciona de manera inherente con Naturaleza muerta. El proyecto hidráulico de las Tres Gargantas nació con Sun Yat-sen, padre de la China actual -principios del siglo XX-. La transición que se debe seguir hasta llegar a ser la primera potencia mundial pasa por cohesionar un país en el que existen millones de habitantes, muchos de ellos pertenecientes a etnias y religiones diferentes. Para ello, es necesario llevar a cabo grandes obras como por ejemplo la citada anteriormente y tratada en la película de Jia Zhang Ke. Después del nacimiento de la República Popular China, Mao Zedong se interesó por este proyecto que comenzó en 1993. Dividida en tres fases, se calculó que la construcción terdaría 17 años. Actualmente ya ha comenzado la Fase III. Esta situación obliga a los ciudadanos a emigrar a núcleos de población más grandes donde es posible encontrar trabajo.

Las consecuencias sociales de este proceso son múltiples. Por una parte, como en la película que tratamos, observamos personajes desorientados que se encuentran entre la miseria más absoluta y la modernidad tecnológica. El desplazamiento de las víctimas ha conllevado que muchas personas desconozcan el paradero actual de sus familiares.  Para explicar este proceso, Jia Zhang Ke nos conduce a los barrios de Fengjie, una ciudad en destrucción constante donde reina el caos y la pobreza. Así pues, por ejemplo sitúa a los personajes delante de la televisión (ver vídeo superior)que muestra el supuesto modo de vida occidental donde los cánones masculinos se distinguen por el uso de pistolas o la manera de fumar. Además, resulta especialmente relevante la escena en la que Sanming muestra su teléfono móvil a uno de los personajes que pueblan la ciudad que está a punto de destruirse. Éstos intercambian números de móviles y se fascinan con los tonos y las músicas de los mismos, hasta el punto que una de estas músicas se convierte en parte de la banda sonora de la película.

Jia Zhang Ke

Jia Zhang Ke

Jia Zhang Ke consiguió con esta película el León de Oro en el 63 Festival de Venecia (2006). Naturaleza Muerta nos muestra el choque entre tradición y modernidad a través de un viaje casi documental grabado cámara en mano. A través del día a día de unos personajes que ven pasivamente desaparecer sus identidades, el director hace uso de planos largos y movimiento lentos de cámara como travellings que duran casi un minuto. Son las señas de la llamada “sexta generación” de cineastas asáticos, abanderados del cine independiente chino. El trabajo de Zhang Ke es uno de los más notables ya que lo concibe para abrir las puertas de China al resto del mundo. Tanto es así que en numerosas ocasiones su trabajo ha sido censurado en su país natal donde se ha visto obligado a rodar en la clandestinidad.  Por medio de una fotografía bellísima, pese a rodar muchas veces entre escombros, Zhang Ke nos muestra esta naturaleza muestra que él mismo ha definido como “una realidad que preferimos no ver” en el mundo actual en el que las naturalezas muertas de China son invadidas por realidades más agradables y espectaculares.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

16
Jul
09

The Sonics – Here are the Sonics

Grabado en el 65, el álbum debut de The Sonics es una combinación de canciones de rock ‘n’ roll y soul -a menudo progresiones de blues- tratadas con su particular sonido; sucio, crudo, duro para los 60 y anticipador del punk. La selección de temas incluye una serie de clásicos como Roll Over Beethoven (Chuck Berry), Good Golly Miss Molly (Little Richard), Keep A Knockin’ (Little Richard) en el ámbito del rock n roll cinquentero y Do You Love Me (The Contours), Money (Berry Gordy para Barret Strong), Walkin’ the Dog (Rufus Thomas) tomadas de la producción soul de Motown y Stax, además de Night Time Is The Right Time (Ray Charles) y Have Love Will Travel (Richard Berry -también autor de Louie, Louie). Here are the Sonics incluye también composiciones propias que siguen la misma línea como  The Witch -primera canción del disco-, Boss Hoss, Stychnine y su éxito, la fantástica, Psycho. 

 

La historia de los Sonics se remonta al año 60 en Tacoma, Washington. Siguiendo la estela de bandas como los Kingsmen, los Ventures y The Fabulous Wailers -de quienes versionearon Dirty Robber- con una formación clásica de rock ‘n’ roll con saxo y piano (o órgano), su novedad era el sonido garajero con la distorsión sobrecargada y los constantes gritos del cantante Gerry Roslie, al estilo de Little Richard. Lo explicaba también el bajista Andy Parypa para el Seattle Times en 1984: “Si nuestros discos parecen sucios y distorsionados es porque lo son. Mi hermano (Larry Parypa) estaba siempre hurgando en los altavoces y hurgaba en ellos con un punzón de los utilizados para el hielo, hasta que acabábamos sonando como un tren descarrilando.”

El siguiente disco de los Sonics, Boom! (1966), seguiría la misma línea con un repertorio de R&B asentado sobre versiones como Louie Louie (Richard Berry) o Hitch Hike (Marvin Gaye) entre otras aunque con algunas concesiones como el tema lento Since I fell for you algunas melodías más poperas. Los Sonics empiezan a ser conocidos y a actuar alrededor del país como teloneros de The Kinks y bandas de rock americanas. La banda fichó entonces por Jerden Records, compañía que les restringió el control creativo. Este factor, junto a la lucha interna entre el cantante Gerry Roslie y los hermanos Parypa, llevó al grupo a la disolución tras el disco Introducing The Sonics (1966).  

 

Formación: Gerry Roslie – órgano, piano y voz / Andy Parypa – bajo / Larry Parypa – guitarra y coros / Rob Lind – Saxo, coros y harmónica / Bob Bennet – batería.

Enlace a descarga Here Are The Sonics (1965) 

Enlace a descarga The Sonics – Psycho-Sonic (recopilación 1997)

Trayectoria de The Sonics  / Repaso analítico de los Sonics / Entrevista al grupo /

13
Jul
09

Duke Ellington & John Coltrane

Este disco es fruto de la reunión entre dos grandes de la historia del jazz el 26 de septiembre de 1962. En ese momento John Coltrane ya había grabado algunas de sus obras importantes como sideman y líder. Había grabado Blue Train (1957) y Soultrane (1958) que le ayudarían a definir su sonido, había trabajado junto a Miles Davis participando en discos como Milestones o el clásico Kind Of Blue (1959) y junto a Thelonious Monk y había marcado ya el camino hacia la vanguardia del jazz tras Giant Steps (1960) y My Favourite Things (1961). Por su parte, Duke Ellington gozaba ya de un gran respeto tanto por parte de la crítica como de sus compañeros los músicos. Los años del swing en el Cotton Club habían quedado atrás, también buena parte de su trabajo dirigiendo a su orquesta y a principios de los 60 el gran Duke iba a juntarse con músicos más jóvenes y renovadores como el propio Coltrane pero también con Charlie Mingus y Max Roach con quienes grabó Money Jungle (1962) tan sólo 9 días antes, el 17 de septiembre de 1962.

El resultado de esta colaboración histórica fue un disco breve (35:05 min.) pero genial. Para Coltrane -de acuerdo con las notas de Stanley Dance en el librillo del disco- “fue un honor tener la oportunidad de trabajar con Duke. Fue una experiencia maravillosa. Ha establecido standards que todavía no he alcanzado. Me hubiera gustado haber trabajado más los temas pero supongo que las interpretaciones no hubieran tenido la misma espontaneidad y puede que no hubieran sido mejores.” Por otro lado, Duke Ellington, siempre abierto a nuevas experiencias musicales, profundiza en su trabajo en pequeños combos. Eso le otorga mayor peso como pianista pero a la vez es un trabajo menos arduo debido a la ausencia de su habitual big band. Eso sí, Ellington juega con algo de ventaja ya que de las 7 canciones que tiene el disco, 5 son composiciones suyas, entre ellas dos de sus piezas clásicas, In a sentimental mood y Take the A Train -convertida en Take the Coltrane– donde Ellington demuestra que está dispuesto a tomar el coltrane. Big Nick es la única composición de Coltrane en el disco. Dedicada al saxofonista Big Nick Nicholas y con su sección rítmica, Coltrane utiliza el soprano para explorar su capacidad solista. La otra pieza del repertorio es My Little Brown Book de Billy Strayhorn, habitual colaborador de Ellington.

En definitiva, resulta un disco de jazz fácil de escuchar con canciones entre 4 y 6 minutos en un ambiente relajado que sirve a Coltrane para conducir melodías e improvisar. En la dinámica musical de Coltrane, este disco iniciaba un periodo de respiro relativo; interpretación de composiciones de autores variados y deleite sobre las baladas y los tiempos lentos que continuarían con los siguientes álbumes, Ballads (1963) y John Coltrane and Johnny Hartman (1963) que también eran trabajos con una salida comercial inmediata más fácil. Duke Ellington & John Coltrane es un clásico con dos grandes maestros pero es un disco accesible, melódico y relajado que gustará tanto a los aficionados al jazz como aquellos que quieran introducirse en este estilo. Es un disco gustoso de escuchar cuya base rítmica, segura y constante, sirve de soporte para intervenciones generalmente estables sobre todo del saxo bien arropado por el piano particular de Duke.

Formación:

John Coltrane, saxo tenor, saxo soprano / Duke Ellington, piano / Jimmy Garrison, bajo (en #2, 3, 6) / Aaron Bell, bajo (en #1, 4, 5, 7) / Elvin Jones, batería (en #1, 2, 3, 6) / Sam Woodyard, batería (en #4, 5, 7)

Enlaces:

Enlace a descarga

Biografía Duke Ellington (Apoloybaco) Trayectoria John Coltrane (Tomajazz)

09
Jul
09

Janis Joplin y Big Brother & The Holding Company

Desde que Janis Joplin nació la mañana del 19 de enero de 1943 en Porth Arthur, Texas, su vida se balanceó entre el rechazo a una sociedad americana racista y cruel, y una necesidad por encontrar nuevas maneras de expresión que consiguieran alejarla del estilo de vida apegado a los valores morales, religiosos y tradicionales propio de su ciudad natal. El jazz y el blues clásico entran pronto en la vida de Janis, que ya en su adolescencia se siente atraída por el estilo de vida de los bluesmen, errante, siempre moviéndose en el ambiente de los tugurgios, viajando de una ciudad a otra, etc.  Una de las personalidades que ejemplificaría esta pasión por el blues es la de Bessie Smith, a la que sólo en verano se podía encontrar en Memphis ya que el resto del tiempo lo pasaba viajando en su propio vagón de ferrocarril. La emperatriz del blues era para Janis toda una fuente de inspiración hasta el punto que fue ésta quien le pagó una lápida en 1970.

En 1963 empezó una nueva vida en San Francisco donde malvivía de lo poco que cobraba como cantante hasta que comenzó a darse a conocer. El primer grupo donde Janis se hizo un hueco como cantante se llamaba The Liberty Hill Aristocrats. Pero en su carrera conjunta sólo llevaron a cabo una actuación: fue el 2 de abril de 1963 en el San Francisco Folk Festival. Tras diferentes viajes a Nueva York y Texas, Janis volvió a San Francisco en el verano de 1966 donde la juventud adquiría por primera vez el papel de sujeto activo autónomo en el progreso social. En ese momento se estaba desarrollando un tejido social y multicultural muy abierto y favorable al mundo creativo y de vanguardia de la época.  En sus cafés y locales, poetas como Allen Ginsberg y Lawrence Ferlinghetti organizaban recitales. Multitud de jóvenes desarraigados y que en muchos casos se oponían al sistema establecido se asentaron en Frisco donde tuvo lugar el denominado “movimiento hippie”.

Además, cabe destacar la influencia que algunas drogas como el LSD tuvieron en este movimiento. Los carteles anunciadores de conciertos, acid tests o festivales adquirieron una estética y un estilo plenamente característico, con imagenes deformadas, burbujas, colores fluorescentes, etc. En medio de este flujo cultural innovador llegó Janis por segunda vez a San Francisco donde se unió a la banda Big Brother & The Holding Company en junio de 1966. Ésta estaba formada por James Gurley y Sam Andrew (guitarras), Peter Albin (bajo), Dave Getz (batería) y Chet Helms (manager). En sus conciertos, además de su intensa versión bluesy del Ball and Chain de Big Mama Thornton, incluían grandiosos covers de músicos como Howlin’ Wolf o Robert Johnson.

Janis Joplin y Big Brother & The Holding Company
Janis Joplin y Big Brother & The Holding Company

La banda sacó un total de tres discos. En el primero de ellos (Big Brother & The Holding Company, 1967) no podemos llegar a vislumbrar la fuerza con la que Janis llevaba a cabo cada uno de sus conciertos, pero nos hacemos una idea del ambiente y la música que sonaba en el Frisco de los 60. Por otro lado, su segundo disco,  Cheap Thrills (1968), es una combinación de psicodelia, blues y rock en la que Janis y los diferentes músicos están perfectamente unidos. En este momento la figura de Janis Joplin se convirtió en un fenómeno mediático con Albert Grossman como nuevo manager. Canciones como I need a man to love, Summertime o Piece of my heart demuestran el gran talento musical de estos artistas. Por último, Live At Winterland’ 68 se editó tiempo después de la gira que la banda llevó a cabo por el este de EEUU. En ésta llevaron a cabo verdaderos shows en los que Janis -como a lo largo de toda su carrera- actuaba con fuerza, ofreciendo un cataclismo de emociones, sentimientos y espasmos sin los cuales, las actuaciones no hubieran adquirido un calado tan grande para el público.

Enlace a descarga de Cheap Thrills

Enlace a descarga Live at Winterland

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06
Jul
09

Nueve Tragos: Loquillo a ritmo de swing

                  Portada de la Edición Remasterizada de Nueve Tragos

 La idea de Nueve Tragos surgió durante los meses que viví en el piso 32 de la Torre de Madrid.

Dean Martin y cultura del cocktail, la vida mundana y cosmopolita, la importancia de las camisas hawaianas, Robert Mitchum, la música de nuestros crooners favoritos, Chet Baker y las Cavas del Jazz, el Clan de las Ratas, la vida en los casinos, La Habana precastrista, el mundo de los gangsters, las veladas transcurridas con los amigos de siempre, las tertulias sobre el cine con mayúsculas, Howard Hughes, las diferencias entre la tesitura de la voz de Jaime Urrutia y Serge Gainsburg, los paseos nocturnos por la Gran Vía, cenar en Korinto, recordar en Chicote el Madrid de Ava Gardner, las charlas con los barmans en Balmoral, y cómo no, ver a manecer mientras Tony Bennet canta a San Francisco.

(Loquillo, otoño 1999)

Dentro de la variada y extensa carrera de Loquillo, Nueve Tragos es, sin duda, uno de sus discos más singulares. Grabado en julio del 99 tras sus dos trabajos de poesía (La vida por delante y Con Elegancia) Nueve Tragos fue un proyecto arriesgado que Loquillo tuvo que grabar para la discográfica Zanfonía que quebró poco tiempo después de sacar el disco. Como el propio Loquillo reconoció, la etapa de 1997 a 1999 fue su infierno particular.

En Nueve Tragos (también nueve canciones) Loquillo profundizaba en su costumbre de construir personajes arropado por la orquesta de jazz de Jordi Pegenaute.  Con la intención final de presentar el disco en casinos al estilo de los crooners americanos, Loquillo grabó un disco que combinaba composiciones antiguas -las fantásticas Mis problemas con las mujeres y En Dino’s a las diez– con composiciones nuevas en compañía de amigos como Jaime Urrutia (Calidad de Vida además de rescatar Caray), Gabriel Sopeña (El día de San Martín), Carlos Segarra (Billy La Rocca) y Oscar Aibar (Torpedo). 

Nueve Tragos retrata una de las facetas más características de Loquillo, esas que sigue explotando. Su gusto por la cultura glamourosa -especialmente de EE.UU. pero también de Francia y del mismo Madrid-. Referencias al cine con Fred Astaire y Hitchock presentes, letras chulescas que irritarán a algunos y que harán sonreír a otros, ironía, trajes y entertainment con una formación clásica de big band que nos lleva a los años del swing y de los crooners.

No cabe duda de que uno de los principales atractivos de Nueve Tragos es la instrumentación a cargo de 18 músicos  con libertad para tocar. “Yo me he limitado a cantar. La verdad es que me siento muy cómodo en este registro.” Sección de vientos, piano, órgano, contrabajo, guitarra y claqué por el fondo de En Dino’s a las Diez. Se disfruta de la calidad de los músicos que encadenan solos y se aprecia el valor y el gusto de una artista capaz de pasarse al jazz, sólo durante Nueve Tragos, aunque sea para fanfarronear, ponerse sombrero y sentirse poderoso como front-man tal y como hacían el Clan de las Ratas.

Estamos de acuerdo con Loquillo en que este es una de las mejores cosas que ha grabado. Un disco que merece la pena escuchar pero que lamentablemente, -y parece que esto tenga que ser así- fue un fracaso de ventas que asustó a los seguidores de los Trogloditas y no logró atraer a nuevos seguidores en parte por los problemas de distribución que tuvo y que han propiciaron su reedición con la voz grabada de nuevo. La cantidad de ambientes que quiere aglutinar Nueve Tragos queda sintetizado de manera simple con una frase del mismo Loquillo: “es un alegato al nihilismo más bestia”

 

 Enlaces de interés:

Escucha Nueve Tragos

Cuando Loquillo quiso ser Sinatra (Efe Eme – Entrevista y repaso del disco)

 Vídeos:

Loquillo – Burning Love     Robert Gordon, Loquillo, Rebeldes – All By Myself

Loquillo – No bailes rock ‘n’ roll en el corte inglés 

 




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