Archivo para 28 febrero 2010

28
Feb
10

Earl Bostic: sensualidad y fiereza

“Soy, tal vez, uno de los pocos músicos a los que le gustan las melodías sencillas que se repiten y en todo lo que toco trato de mantener una línea de melodía básica en mi mente e intentar desarrollar inversiones significativas y variaciones… Me gusta el blues básico… El blues lo tiene todo; calidad rítmica, letras genuinas, una estructura básica y esencial y, sobre todo, personalidad. El blues y el jazz son inseparables.”

Declaraciones de Earl Bostic en una entrevista de Kurt Mohr (Jazz As I Feel It, Neely H. Liner Notes 12 “LP King 846”)

Earl Bostic con su saxo

Earl Bostic fue uno de los grandes saxofonistas de R&B y Jazz que alcanzó notoriedad en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Tuvo una serie de éxitos con canciones como Flamingo (1951), Harlem Nocturne, Temptation o Sleep que hicieron que se le haya catalogado más en el R&B pero canciones como Don’t you do it, Steam Whistle Jump o Up in the orbit demuestran su destreza y su capacidad para tocar jazz. La influencia de Bostic se ha extendido por diversos estilos y su habilidad como instrumentista ha sido reivindicada por multitud de músicos. Quizás el más destacado ha sido John Coltrane, uno de los reconocidos grandes genios del jazz, que empezó a tocar junto a Earl Bostic. En una entrevista de 1960 a la revista Down Beat, Coltrane declaraba: “Bostic me enseñó muchas cosas. Tiene unas facilidades técnicas fabulosas y conoce muchos trucos.” Fue durante el periodo con Bostic cuando Coltrane se pasó del saxo alto al tenor (ya que Bostic tocaba el alto). Por otra parte, el baterista Art Blakey señaló que “nadie conoce técnicamente más el saxofón que Earl Bostic, incluyendo a Bird. Trabajar junto a Bostic fue como asistir a la universidad del saxofón. Cuando Coltrane tocó junto Bostic sé que aprendió mucho.” Otros músicos de jazz destacados que también se formaron junto a Bostic son Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jimmy Cobb, Benny Golson y Betty Carter. Además, Night train, uno de los principales temas asociados a James Brown fue interpretado por Bostic (orginal de Jimmy Forrest). Aparte de su carrera en solitario, hizo arreglos de orquesta para numerosos líderes como Lionel Hampton, Paul Whiteman, Gene Krupa, Artie Shaw y el propio Lionel Hampton entre otros.

Small's Paradise, el club neoyorquino donde Bostic estuvo contratado

Earl Bostic nació el 25 de abril de 1913 en Tulsa, Oklahoma, realizó su primera grabación junto al vibrafonista Lionel Hampton y a partir de ahí se introdujo en territory bands -bandas de baile- dónde coincidió con músicos como Charlie Christian, Don Byas, Thelonious Monk o Cab Calloway. En 1938 Earl Bostic dirigió a su banda en el club Small’s Paradise de Nueva York  dónde estaría actuando durante cuatro años. Durante los primeros años 40, Bostic tomó parte en las célebres jam sessions de Minton’s Playhouse donde se desarrolló el be-bop. La formación y desarrollo musical de Earl Bostic se caracterizó por la libre combinación de blues y jazz.  Trabajó con grandes músicos de jazz y fue de gira con Dinah Washingotn. Interpretó blues, jump blues en la línea de Louis Jordan y desarrollos instrumentales que recordaban a Arnett Cobb o a King Curtis con total naturalidad. En 1963, después de haber triunfado con éxitos de R&B, publicó uno de sus discos más importantes: Jazz As I feel it en el que expresaba su forma de entender y tocar jazz. Bostic grabó junto a a Joe Pass (guitarra), Al McKobbon (bajo), Richard “Groove” Holmes (órgano) y Shelly Manne (batería). En esas canciones Bostic mostraba su dominio y habilidad para el blues y algunos avances armónicos que tanto Coltrane como Eric Dolphy terminarían por desarrollar.

Pese a ser alabado por muchos de sus colegas músicos, Earl Bostic debería ser mucho más reconocido por su capacidad de transmisión con el saxo y su falta de prejuicios musicales. Earl logra transmitir alegría, nocturnidad, melancolía o sensualidad dependiendo de la canción y logra combinar la explosividad con la sencillez. Hay que destacar también su atrevimiento para ir construyendo melodías sin fin a partir de la melodía básica de la canción. Su forma de tocar y sus múltiples recursos siguen resultando de una modernidad asombrosa.

Earl Bostic (Myspace)

Descarga Earl Bostic Blows a Fuse (Contraseña: greaseyspoon / Fuente: http://bebopwinorip.blogspot.com)

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18
Feb
10

Loquillo: comentarios acerca de 30 años de carrera

“Tuve muchos nombres, me vieron con otra cara pero siempre fui yo marcando una línea clara” (Loquillo, 2008)

Portada del recién publicado recopilatorio de Loquillo

El fin de semana pasado me decidí a ir a Nueve Tragos, la sede oficial de Loquillo en Valencia. Sabía de su existencia aunque no su ubicación pero convencido de escribir sobre Loquillo -tomando como excusa la publicación del recopilatorio Loquillo – Rock and Roll Star (1980-2010)- pensé que sería bueno empezar bebiendo en una de sus sedes. Nueve Tragos es un pub perfectamente ambientado con casi todas aquellas cosas que conforman el amplio imaginario de Loquillo. Un cartel luminoso a la puerta, un coche de choque en la entrada, una jukebox, una mesa de billar y muchísimos cuadros y carteles. Portadas de discos en las paredes, singles y fotografías, carteles de cine clásico (Los Pájaros, La Ventana Indiscreta, James Dean, Humphrey Bogart…) y un enorme cuadro de Edward Hopper. Un espacio lleno con gente de todo tipo y, como no, suena una canción de Loquillo.

Nos acordamos en broma de su presentación de Compañeros de Viaje (2007): “Hola amigos. Este hoy es mi club privado…para mis amigos.” Mientras, combinan las canciones del Loco con M-Clan, con los Stray Cats, con Ariel Rot y con el último disco de Fito. Empieza un tema nuevo…tardo un poco en reconocerlo. Las dudas desaparecen cuando llega el estribillo: “Tuve muchos nombres, me vieron con otra cara pero siempre fui yo marcando una línea clara.” Es uno de sus últimos ejercicios de autoafirmación. Unos versos de Línea clara que ponen de manifiesto la conciencia que Loco tiene de sí mismo y de sus personajes. Fascinado por la imagen del pájaro loco, José María Sanz adoptó el nombre de Loquillo para encarnar, sin miedo a la contradicción, personajes distintos y antagónicos que dificultaran su encasillamiento.

La Mafia del Baile, Tiempos Asesinos y Arte y Ensayo; hay aproximadamente 10 años entre disco y disco.

Rocker seguidor de Eddie Cochran y Vince Taylor; crooner en la línea de Dean Martin, Tony Benett y Frank Sinatra; defensor de la tradición europea de Jacques Brel, Adriano Celentano y Johnny Halliday y amante de la cultura capaz de hacer dos discos de poesía con la inestimable colaboración de Gabriel Sopeña (La vida por delante (1994), Con Elegancia (1998)). La Mafia del baile (1985), Tiempos asesinos (1996) y Arte y Ensayo (2004) son tan sólo tres ejemplos de la heterogeneidad presente en la discografía de Loquillo ya sea en solitario o con sus Trogloditas.

En la nueva versión de The Man in Black –regrabada con videoclip incluido- con motivo de la publicación de Loquillo – Rock and Roll Star (1980-2010), Loquillo vuelve a rodearse de amigos; Calamaro, Jaime Urrutia y Bunbury con quienes ya grabó ¿Dónde estas? en el 2002. En esta versión Loquillo ha suavizado el sonido más country que tenía su versión original, así como las grabaciones en directo, apostando por un enfoque roquero más llano.

The Highwayman, una de las influencias decisivas de Loquillo

En el libro Un alto en el camino. Conversaciones con Loquillo (Juan Puchades, 2001), Loquillo recuerda la época en la que se marchó a vivir al país vasco dónde grabó Mientras Respiremos (1993), disco que incluyó El hombre de negro: “Mi influencia determinante en esos años es Kris Kristofferson, comienzo a escuchar sus discos, a leer sobre él, me doy cuenta de que existe un rock adulto: del tipo que ha vivido la vida y al que no hay nada que contarle. Es una referencia en mi carrera a la hora de hacer, y empiezo a descubrir a los cantautores country como Walylon Jennings, Willie Nelson, Johnny Cash… Tomo la actitud de Kris Kristofferson, aunque musicalmente me encuentro más cercano a Johnny Cash. De ahí que grabara El hombre de negro.” La puesta en escena del clip con tres cantantes fugados de la cárcel –más Bunbury en pantalla de móvil- en un paisaje desértico recuerda a The Highwaymen, el grupo que formaron los cuatro hombres citados: Johnny Cash, Willie Nelson, Waylon Jennings y Kris Kristofferson bajo la idea común de outlaw country.

A lo largo de estos treinta años, Loquillo ha sabido agruparse junto a sus compañeros, rodearse del talento de compositores y músicos como Sabino Méndez, Gabriel Sopeña, Carlos Segarra o Igor Paskual y Jaime Stinus –actuales miembros de la formación- para que le ayudasen a dar vida a sus personajes.  Sin ellos, su carrera no hubiera sido la misma ya que son autores –sobre todo Sabino- de un buen número de sus éxitos. Loquillo no ha sido nunca un extraordinario cantante, ni siquiera es músico pero sí un frontman poderoso y con ideas claras que ha sabido reunir talento en múltiples formaciones autoerigiéndose como líder de una generación.

Sin duda, Loquillo forma una parte importante de la historia de la música española y, a lo largo de estos 30 años, ha sabido evolucionar como artista sin quedarse anclado en clichés usados. Su último trabajo es Balmoral (2008), un disco que ha recibido grandes críticas de la prensa musical. Balmoral era un bar muy apreciado por Loquillo que ha sido recientemente cerrado y que homenajea con tristeza. El disco está marcado por un enfoque intimista, por la colaboración con Johnny Halliday y, para alegría del rock and roll clásico, por la participación de Carlos Segarra en soy una cámara.

Mientras tanto, Loquillo presta su imagen para el cartel del Festival de Cine de San Sebastián, produce obras de teatro, ejerce de productor en el documental de su pareja Mujeres en pie de guerra (Susana Koska, 2005) centrado en testimonios de la Guerra Civil y sigue colaborando con artistas como Kepa Junkera y grabando Que tinguem sort de Lluis Llach. Polémico como siempre, Loquillo sigue defendiendo a tantos nombres: Jaime Gil de Biedma, Luis Alberto de Cuenca, Ovidi Montllor, Pepe Risi, Paco Ibáñez además de los comentados y los que olvido… Para terminar, rescatamos a modo de resumen otra de las respuestas de Loquillo en Un alto en el camino. Conversaciones con Loquillo (Juan Puchades, 2001) marcada por su habitual seguridad en sí mismo.

“He grabado trece discos de rock and roll que han marcado a varias generaciones, y marcarán a más, dos discos de poesía, y vendrán más discos de poesía, es la primera vez que se juntan los dos extremos: un disco de jazz hecho por un tío que no sabe de música, que nunca ha aprendido a ser buen cantante y que defiende a muerte su personaje en cada momento, y encima tengo la capacidad de poder representar a personajes distintos.”

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10
Feb
10

Soul Atac: funk i malaltia a l’ànima

Esta és una colaboració de Marc Arenas, un dels incondicionals seguidors de Tránsito que ha participat habitualment amb els seus comentaris. Després de les entrevistes amb Vicente Fabuel i Ricardo Gener, seguim amb aquesta sèrie sobre el panorama actual de la música negra, sobre l’estat de la ràdio i la posibilitat de  portar a terme projectes especialitzats en géneres com el blues, el soul o el jazz.  Aquesta vegada parlem amb Soul Atac.

Andreu García

Andreu Garcia, guitarrista de Soul Atac

Grup valencià, i en valencià, composat per onze membres, tot i que hui, només hem pogut parlar amb un representant: Andreu, guitarra del grup. Són la formació capdavantera al País Valencià que canta soul en valencià. Tenen una presència notable als escenaris valencians des del 2004 ençà amb més de cent concerts al País Valencià. De moment han tret un disc, Soul Atac (2006), però estan a les portes d’editar-ne un de nou, Mercat Negre, aquest 2010. Com ells mateixa expliquen a la pàgina web, “per al gran James Brown, un Atac de Soul era el que sentia dins seu quan era posseït per la música. Era el moment del seu show en què es tirava al terra en estat d’èxtasi, embogit pel ritme, l’instant en què la seua ànima i la seua música es convertien en una sola cosa. En moments com eixe, ell es considerava un malalt de soul. I Soul Atac som també malalts de la música negra, malalts de Soul.”

Quan i com decidiu formar un grup basat en la música negra?

Crec que molta gent comença a tocar música negra perquè primer són uns bons oients i consumidors de blues, soul, funk… Almenys és el nostre cas. Nosaltres ens coneguerem intercanviant discos i formarem una banda de blues rock. Després ens passarem al funk i al soul, el gènere en el que ens sentim més a gust.

Com veieu l’estat actual de la música negra en València? (sales, vendes, públic, grups, revivals, status)

A València sempre hi han hagut bones bandes de soul, funk i jazz. The Goldfingers va ser una bona banda, també Dr Party, Electric Blues Band i Funktopussy. Ara hi han algunes bandes con Rabluptus Rai, Three Beans & Rice, Nou & Soul, Massa Feeling, Això sí, pràcticament la totalitat d’elles no tenen repertori propi i toquen versions. El cas de Soul Atac és prou insòlit –pensem- ja que tenim repertori propi i, a més a més, cantem en valencià.

Soul Atac al complet

Quines creieu que han sigut les principals transformacions que han sofert tots aquests estils al llarg del temps?

Moltes, però tot parteix i torna sempre als mateixos referents. Tot comença amb el jazz i el blues, després el soul, el funk. En estos moments el R’n’B i el Hip hop li han donat nous matiços al gènere però la essència és la mateixa: el feeling, la pulsació a l’hora de tocar…

Mantenen algun del significat que tingueren en un moment històric determinat? Ha canviat l’espai on es practiquen?

Ha canviat molt el context. Totes les connotacions politiques i de reivindicacions de drets racials s’han perdut (només es mantenen en cert tipus de hip-hop). I això que –com sabeu- el blues es va manifestar com a un cant dels treballadors africans als camps de cotó i el soul i el funk va ser una reafirmació de les arrels afroamericanes… Ara és un gènere musical amb les seues  convencions. Aixó sí, per a molta gent, el gènere negre és el més ric de tots…

Com a membre d’un grup dedicat al blues, funky entre d’altres, quines són les possibles evolucions d’aquestos gèneres?

És difícil dir-ho. Continuament escoltem fusions modernes amb electrònica (Beyoncé, Jay-Z, Common) però també revisions de sons molt més vintage (Meyer Hawthorne, Sharon Jones, The Bamboos, Sweet Vandals). Així que podríem dir que hi ha gent que està experimentant i innovant però contínuament es torna cap a les fonts clàssiques.

Quina capacitat o necessitat d’ampliar públics té?

La música negra és molt poderosa. Bona prova d’això és que el funk, el soul i el hip-hop estan de moda a nivell global. Lideren les vendes i les llistes de les ràdios. El que demostra una gran influència de la cultura afroamericana arreu del món.

Sharon Jones amb els Dap-Kings

Històricament, la ràdio ha desenvolupat un paper fonamental en la difusió musical, que penseu sobre l’estat actual d’aquesta?

Que només difon aquelles propostes comercials dins del gènere mentre que les coses veritablement interessants les has de continuar buscant. La prova és que Sharon Jones pràcticament no es coneix mentre que a Amy Winehouse la coneix tot el món.

Creieu que hi ha una suficient oferta radiofònica que cobreix un camp tan ample i decisiu històricament com la música negra?

No però tampoc d’altres gèneres. Caldrien molt programes especialitzats i això no és fàcil. Entre els més mítics destaque 2 de Ràdio 3: Tren 3 (de blues) i Area Reservada (nou funk, soul)

Amb el canvi de model discogràfic, quin paper creieu que podria jugar la ràdio per donar a conéixer grups nous?

Malauradament crec que el futur passa per una distribució en Internet a ràdios i canals temàtics lliures de drets. D’altra banda, sempre quedaran els formats sòlids per als amants de la música: com, p.e, el vinyl.

Podríeu dir-nos tres discs que us hagen marcat especialment?

Doin’ something – Soulive
What’s going on – Marvin Gaye
Songs in the key of  life – Stevie Wonder

Entrevista realizada en diciembre de 2010

http://www.soulatac.com/

http://www.myspace.com/soulatac

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04
Feb
10

Ricardo Gener: “Existe un circuito a nivel nacional en el que la música negra siempre es bien recibida”

Ricardo Gener es el guitarrista del grupo de blues valenciano Blue Melon Project. Nacido en el 2007, el grupo combina las referencias al blues clásico con un sonido más moderno emparentado con las bandas instrumentales de R&B y Soul de los años 50 y 60. Todo ello queda perfectamente integrado en una formación de cuatro con guitarra (Ricardo G.), hammond (Xavi G.), armónica (Harmonica George) y batería (Oscar “Mr. Shuffle”).

Hablamos con Ricardo sobre los inicios de un grupo de blues, del panorama actual de la música negra, del estado de la radio y de la posibilidad de llevar a cabo proyectos especializados en géneros como el blues, el jazz o el soul.

¿Cuándo y cómo decide alguien formar un grupo de blues?

La verdad es que como guitarrista, el blues es un estilo que siempre ha estado ahí, cuando realmente empiezas a tomar conciencia de la herencia musical que ha supuesto a lo largo de la historia hasta nuestros días, es entonces cuando decides tomar ese camino, el del blues.

¿Por qué un grupo instrumental? ¿Falta de cantantes o convicción?

Bueno, es un proyecto que nos apetecía hacer desde hace tiempo, rendir tributo a aquellas bandas instrumentales de los 50 y los 60 desde un prisma más abierto incluyendo estilos afines como el R&B o el Soul.

¿Cómo veis el estado actual de la música negra?

Lo cierto es que el estado es bueno. Existe un circuito a nivel nacional, ajeno a modas y nuevas tendencias, en el que la música negra siempre es bien recibida.

¿Cuáles crees que han sido las principales transformaciones que han sufrido todos estos estilos a lo largo del tiempo? ¿Mantienen algo del significado que tuvieron en un momento histórico determinado?

Ricardo Gener

Sí es cierto, que el blues ha perdido su significado histórico a lo largo de todo este tiempo, pero su intención interpretativa se mantiene latente aunque desde un sonido más elaborado.

Como miembro de un grupo dedicado al blues, ¿cuáles son las posibles evoluciones de este género?

Las evoluciones del blues yo creo que ya han sido explotadas  a lo largo de su historia el jazz, el R&B, el Soul… una cosa lleva a la otra.

¿Qué capacidad o necesidad de ampliar públicos tiene?

Capacidad mucha pero padecemos de una gran incultura musical en nuestro país, es lo que nos toca vivir.

Históricamente, la radio ha desempeñado un papel fundamental en la difusión musical, ¿Qué piensas sobre el estado actual de la radio?

Fatal, pienso que la radio está más vendida que nunca con tanta radio fórmula en la que deciden que gusta y no gusta olvidándose de lo realmente importa la propia música.

¿Crees que hay suficiente oferta radiofónica cubriendo un campo tan amplio y decisivo históricamente como la música negra?

No, más bien poca.

¿En qué medida crees que la radio puede ser un instrumento que ayude a crear una mayor cultura musical colectiva?

Es un gran instrumento de radio difusión pero mientras las emisoras sigan rigiéndose por las audiencias no creo que sea posible.

Con el cambio de modelo discográfico, ¿Qué papel crees que podría jugar la radio para dar a conocer grupos nuevos?

Yo creo que importante siempre que exista un criterio honrado y sincero sin manipulaciones discográficas de ningún tipo.

¿Qué te parece la idea de que un programa de radio a nivel nacional que apostara por ofrecer actuaciones en directo semanalmente?

Muy buena apuesta.

¿Podrías decirnos tres músicos  que te hayan marcado especialmente?

Difícil elección aunque me quedaría con Freddie King, T-Bone Walker, y Ronnie Earl.

http://www.myspace.com/bluemelonproject

Entrevista realizada en diciembre de 2009

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01
Feb
10

Supervivientes del Blues: Fats Domino

Fats Domino, siempre sonriente junto a su inseparable piano

Fats Domino es uno de los grandes exponentes del R&B pre-rock ‘n’ roll y uno de los principales protagonistas de la explosión del rock ‘n’ roll. Con su carácter afable y cercano y su gran talento para componer éxitos -a menudo junto a su compañero Dave Bartholomew-, Fats logró convertirse en el artista que más discos vendió durante los años 50, con la excepción de Elvis. Una extensa lista de éxitos como Blueberry Hill, I’m Walking, Blue Monday, Ain’t That a Shame, The Fat Man, I’m Ready o Kansas City entre otros así como las numerosas versiones hechas han contribuido a que Fats haya vendido más de 100 millones de discos. Apodado Fats por su aspecto rechoncho, Antoine Dominique Domino representa la tradición del sonido R&B de Nueva Orleans y fue un referente para grupos como The Beatles, teclistas como Ray Manzarek (The Doors) e incluso para una parte de la música jamaicana. Canciones como Be My Guest, basadas en la acentuación del tiempo débil, influyeron en el ska jamaicano.

Nacido en Nueva Orleans el 26 de febrero de 1928, Fats sobrevivió al reciente huracán Katrina aunque se le llegó a dar por muerto. Pese a las órdenes de evacuación, Fats decidió quedarse en Nueva Orleans, en parte por los problemas de salud de su mujer, Rosemary. Su casa estaba en un barrio que,  de acuerdo con las previsiones, iba a quedar trágicamente inundado y Fats no mantuvo contacto con nadie pasados tres días después del huracán.

Un graffiti en la casa de Fats ponía de manifiesto el rumor de su muerte

Su agente hizo unas declaraciones afirmando que no había hablado con él desde antes del Katrina pero, finalmente, su hija Karen Domino White le reconoció en una foto del periódico Times Picayune. Fats y su mujer fueron rescatados en helicóptero y llevados a un refugio en Baton Rouge dónde fueron recogidos por la JaMarcus Russell, novio de su nieta y jugador del equipo fútbol americano Louisiana State University. Fats lo perdió todo y recibió de nuevo la National Medal of Arts ya que la original se perdió en las inundaciones.

Un año más tarde, Fats no pudo participar por problemas de salud en en Jazz & Heritage Festival pero reapereció con un disco titulado Alive and Kickin’ que incluía algunas letras reveladoras escritas con anterioridad al Katrina. All over the country, people wanna know / What ever happened to Fats Domino? / And I’m alive and kickin’ / I’m alive and kickin’ / I’m alive and kickin’ / And I’m where I wanna be. /  Gente de todo el país quiere saber que le ha pasado a Fats Domino, estoy vivo y golpeando, estoy donde quiero estar. Desde entonces, Fats ha recibido numerosos premios y reconocimientos y ha limitado sus actuaciones en público a acontecimientos puntuales como un concierto para recaudar fondos para la reconstrucción de colegios destruidos por el Katrina.

Su relación con la música empezó muy pronto cuando su hermanastro le enseñó a tocar el piano a los 6 años. Actuó por primera vez a los 10 años y a los 14 dejó el colegio y empezó a trabajar. Continuó tocando a lo largo de los años 40 cuando conoció a Dave Bartholomew, su pareja de composición y productor. El estilo de piano de Fats provenía de la larga tradición del blues y el boogie de Nueva Orleans pero había desarollado una pulsación sencilla y característica que definiría la mayoría de sus temas. En el año 49 firmó un contrato con Imperial y tardó muy poco en grabar un single de éxito, una fantástica carta de presentación que se cita como una de las primeras canciones de rock ‘n’ roll, The Fat Man.

Fats continuo su éxito con canciones que seguían la misma línea y triunfaban en las listas de R&B. Goin’ Home en el 52, Please Don’t Leave Me en el 53 All By Myself en el 55, año en el que por fin logró  entrar en las las listas de pop con Ain’t That A Shame. En una época de segregación racial Fats -como muchos otros negros- vio como su canción llegaba al número uno en voz de Pat Boone, un cantante blanco que destacó por realizar versiones más dulces de canciones de R&B.  Así funcionó la industria durante buena parte de los años 50. Se suavizaba  la música negra y se promocionaba a artistas blancos que tenían el aspecto deseado para la época. Aún así, estas apropiaciones terminaron por permitir la integración gradual de los artistas negros. En el caso de Fats, su interpretación de su propia composición, Ain’t That A Shame, llegó a situarse en el Top Ten lo que suponía de por sí un gran éxito.

Fats había conseguido entrar en las listas de éxito con la música que había hecho toda su vida y todavía le quedaban muchas canciones por cantar que atraerían a gran parte de la audiencia joven y blanca del rock ‘n’ roll. Apenas un año después, Fats Domino publicó su propia versión de Blueberry hill, una composición de Vincent Rose, Al Lewis y Larry Stock del año 40, que habían grabado músicos de country como Gene Autry y que fue popularizada por Glen Miller. Se convirtió en una canción de repertorio para Big Bands e incluso Louis Armstrong llegó a grabarla pero fue Fats, una década después, quien llevaría la canción al número dos de las listas de pop. Fue el mayor éxito de Fats y de la canción que ha pasado a la historia como parte de la era del rock ‘n’ roll (pese a no ser ni mucho menos la canción de Fats que mejor se ajusta a este estilo). Su carrera siguió con paso firme hasta principios de los años 60 con canciones como Whole Lotta Loving, Blue Monday (1956), I’m Walking (1959) o My girl Josephine (1960). Asimismo, Fats participó también en dos películas en el año 56: Shake, Rattle & Rock (Edward L. Cahn, 1956) y The Girl Can’t Help It (Frank Tashlin, 1956) en cuya banda sonora aperecían también otros como Little Richard, The Platters, Gene Vincent o Eddie Cochran.

Los años 60 fueron duros para Fats, igual que para muchos artistas negros de recorrido similar. Cambió de compañía en 1963 pero los problemas con ABC-Paramount Records no tardaron en llegar; Fats tuvo que grabar en Nasvhille y no en Nueva Orleans como había hecho siempre y el cambio de productores supuso el fin del tándem Domino-Bartholomew. El nuevo enfoque de la producción tendía más hacia el country y sólo Red Sails In The Sunset, uno de los once singles publicados, logró meterse en el Top 40. Además, la emergencia del las grandes bandas británicas, fenómeno conocido como la Invasión Británica, le puso las cosas difíciles. Los nuevos grupos como The Beatles, The Rolling Stones o The Animals acapararon el mercado y se convirtieron en los grupos de referencia para millones de adolescentes con propuestas musicales heredadas del rock ‘n’ roll de los primeros años. A su vez, generaron una serie de grupos americanos que trataron de imitarles estética y musicalmente.

Fats continuó vendiendo discos y grabó para distintas compañías como Mercury y Reprise. A partir de la década de los ochenta decidió quedarse en Nueva Orleans y hacer conciertos puntuales. A sus 52 años Fats decidía aprovechar sus ingresos por royalties y evitar las largas giras. En declaraciones hechas a USA Today explicaba sus razones: “Para mí, no hay otro sitio como Nueva Orleans. Me gusta que los clubs estén abiertos todo el día y toda la noche. La gente es agradable. No puedes encontrar comida mejor.”

Fats supo conectar con el público no sólo con su música sino con su imagen bonachona, simpática e incluso graciosa.  Es uno de los grandes artistas de la música contemporánea, un renovador con naturalidad. Un hombre sencillo, contento por que la gente apreciara su música y a él mismo. Con la excepción de Louis Armstrong, Fats Domino es el músico más famoso de Nueva Orleans. Si la influencia de Armstrong fue decisiva en el evolución del jazz, también lo fue la aportación de Fats para el desarrollo del rock ‘n’ roll. En USA Today, Fats declaraba su fidelidad a su música: “No recuerdo cambiar nada salvo la ropa, y tampoco lo hago siempre. No sé nada sobre las poses, sólo soy yo mismo.” Asimismo, en un artículo sobre Fats en la Rolling Stone, Dr.John escribía: “En los tiempos en que la gente acusaba al rock & roll de estar pervirtiendo a los jóvenes, Fats dio una entrevista en una revista. Dijo: ‘No sé a qué viene todo eso de que somos una mala influencia para los adolescentes. Lo único que hago es tocar la música que llevo interpretando toda mi vida.’ Esa era la filosofía de Fats, No veía su música como algo especial o diferente. No era más que lo que siempre había hecho.”

Descarga Fats Domino – This Is Fats

Descarga Fats Domino – All By Myself

DescargaFats Domino – Be My Guest (The Blues Collection)

Fuente: Taringa

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