Archive for the 'Años 1940-1950' Category

28
Feb
10

Earl Bostic: sensualidad y fiereza

“Soy, tal vez, uno de los pocos músicos a los que le gustan las melodías sencillas que se repiten y en todo lo que toco trato de mantener una línea de melodía básica en mi mente e intentar desarrollar inversiones significativas y variaciones… Me gusta el blues básico… El blues lo tiene todo; calidad rítmica, letras genuinas, una estructura básica y esencial y, sobre todo, personalidad. El blues y el jazz son inseparables.”

Declaraciones de Earl Bostic en una entrevista de Kurt Mohr (Jazz As I Feel It, Neely H. Liner Notes 12 “LP King 846”)

Earl Bostic con su saxo

Earl Bostic fue uno de los grandes saxofonistas de R&B y Jazz que alcanzó notoriedad en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Tuvo una serie de éxitos con canciones como Flamingo (1951), Harlem Nocturne, Temptation o Sleep que hicieron que se le haya catalogado más en el R&B pero canciones como Don’t you do it, Steam Whistle Jump o Up in the orbit demuestran su destreza y su capacidad para tocar jazz. La influencia de Bostic se ha extendido por diversos estilos y su habilidad como instrumentista ha sido reivindicada por multitud de músicos. Quizás el más destacado ha sido John Coltrane, uno de los reconocidos grandes genios del jazz, que empezó a tocar junto a Earl Bostic. En una entrevista de 1960 a la revista Down Beat, Coltrane declaraba: “Bostic me enseñó muchas cosas. Tiene unas facilidades técnicas fabulosas y conoce muchos trucos.” Fue durante el periodo con Bostic cuando Coltrane se pasó del saxo alto al tenor (ya que Bostic tocaba el alto). Por otra parte, el baterista Art Blakey señaló que “nadie conoce técnicamente más el saxofón que Earl Bostic, incluyendo a Bird. Trabajar junto a Bostic fue como asistir a la universidad del saxofón. Cuando Coltrane tocó junto Bostic sé que aprendió mucho.” Otros músicos de jazz destacados que también se formaron junto a Bostic son Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jimmy Cobb, Benny Golson y Betty Carter. Además, Night train, uno de los principales temas asociados a James Brown fue interpretado por Bostic (orginal de Jimmy Forrest). Aparte de su carrera en solitario, hizo arreglos de orquesta para numerosos líderes como Lionel Hampton, Paul Whiteman, Gene Krupa, Artie Shaw y el propio Lionel Hampton entre otros.

Small's Paradise, el club neoyorquino donde Bostic estuvo contratado

Earl Bostic nació el 25 de abril de 1913 en Tulsa, Oklahoma, realizó su primera grabación junto al vibrafonista Lionel Hampton y a partir de ahí se introdujo en territory bands -bandas de baile- dónde coincidió con músicos como Charlie Christian, Don Byas, Thelonious Monk o Cab Calloway. En 1938 Earl Bostic dirigió a su banda en el club Small’s Paradise de Nueva York  dónde estaría actuando durante cuatro años. Durante los primeros años 40, Bostic tomó parte en las célebres jam sessions de Minton’s Playhouse donde se desarrolló el be-bop. La formación y desarrollo musical de Earl Bostic se caracterizó por la libre combinación de blues y jazz.  Trabajó con grandes músicos de jazz y fue de gira con Dinah Washingotn. Interpretó blues, jump blues en la línea de Louis Jordan y desarrollos instrumentales que recordaban a Arnett Cobb o a King Curtis con total naturalidad. En 1963, después de haber triunfado con éxitos de R&B, publicó uno de sus discos más importantes: Jazz As I feel it en el que expresaba su forma de entender y tocar jazz. Bostic grabó junto a a Joe Pass (guitarra), Al McKobbon (bajo), Richard “Groove” Holmes (órgano) y Shelly Manne (batería). En esas canciones Bostic mostraba su dominio y habilidad para el blues y algunos avances armónicos que tanto Coltrane como Eric Dolphy terminarían por desarrollar.

Pese a ser alabado por muchos de sus colegas músicos, Earl Bostic debería ser mucho más reconocido por su capacidad de transmisión con el saxo y su falta de prejuicios musicales. Earl logra transmitir alegría, nocturnidad, melancolía o sensualidad dependiendo de la canción y logra combinar la explosividad con la sencillez. Hay que destacar también su atrevimiento para ir construyendo melodías sin fin a partir de la melodía básica de la canción. Su forma de tocar y sus múltiples recursos siguen resultando de una modernidad asombrosa.

Earl Bostic (Myspace)

Descarga Earl Bostic Blows a Fuse (Contraseña: greaseyspoon / Fuente: http://bebopwinorip.blogspot.com)

Posts relacionados:

Louis Jordan y la fragilidad de las barreras estilísticas

Duke Ellington & John Coltrane

Big Joe Turner; del Blues al Rock ‘n’ Roll

Anuncios
13
Nov
09

De costa a costa: Route 66

La canción ruta 66, convertida en clásico por multitud de artistas sobre todo del jazz y del rock tiene su origen en una de las míticas carreteras de Estados Unidos.  De hecho, Route 66 fue una de las rutas federales originales de Estados Unidos. Se empezó a utilizar el 11 de noviembre de 1926 y atravesaba el país de costa este a oeste. Empezaba desde Chicago (Illinios) y llegaba hasta Los Ángeles con un recorrido total de 3939 km. Bobby Troup, pianista y compositor de jazz, escribió la canción (Get Your Kicks On) Route 66 a raíz de un viaje desde Pennsylvania a Los Angeles en 1946. Troup viajaba con su mujer y de hecho fue ella, Cynthia, la que sugirió el nombre-. La letra está construida a partir de los nombres de las ciudades por las que pasa (St.Louis, Missouri, Oklahoma, Amarillo, Arizona…) y musicalmente se ajusta a una estructura de blues. De manera similar a Me & Bobby McGee (canción que hemos tratado en el apartado de versiones), Route 66 es una celebración romántica de la libertad de viajar en coche atravesando el país. Troup le presentó la canción a Nat King Cole y este la convirtió en uno de los grandes éxitos de su carrera. Bobby Troup llegó a interpretarla más tarde y pudo hacerlo con el orgullo de haber sido el autor de una canción tan aceptada.

Siguiendo los pasos de Nat King Cole, Chuck Berry hizo su propia versión más de diez años más tarde, en el 61. El ejemplo de Route 66 nos sirve para comprender lo cercanos que estaban los distintos estilos de música negra. Chuck Berry, ídolo del rock ‘n’ roll, tomó uno de sus grandes éxitos de un músico de jazz. En el fondo, la música de Nat King Cole y la de Chuck Berry están en contacto y, en este caso, los dos están tocando un blues. Además, Berry la toca junto Johnnie Johnson al piano y siguiendo algunos recursos vocales de Nat Cole. Pero Chuck lo hace de pie y con su guitarra eléctrica y es su figura -y no la de Nat King Cole- la que lleva a grupos de rock a tocar Route 66.

Por tanto, con Nat King Cole y Chuck Berry como ejes básicos de los que partir, Route 66 se ha desarrollado y recuperado por 1) formaciones de jazz y 2) grupos de rock. Natalie Cole, la hija de Nat King Cole, cantó la canción en homenaje a su padre.  También lo hizo junto a Diana Krall que es una de las artistas que ha interpretado Route 66 con más asuidad.  Os dejamos el vídeo de una actuación de Diana Krall en el Festival de Jazz de Montreal junto al guitarrista Russell Malone (del que hablamos en el post sobre Jimmy Smith). La canción empieza con unas improvisaciones de Russel Malone hasta que entra Diana con una melodía de Duke Ellington (C Jam Blues) que se convierte en Route 66. Podemos ver que tanto Malone como Diana son grandes músicos y hacen una muy buena versión de Route 66.

En el terreno del rock la canción se ha interpretado mucho más aunque muchas de las versiones han sido lecturas bastante lineales. Siguiendo la estela de Chuck Berry, la interpretaron grupos ingleses como l0s Rolling Stones y Dr. Feelgood buscando un sonido más contundente pero sin alejarse demasiado. De hecho, Chuck Berry y su estilo de tocar la guitarra fue un manual para la mayoría de grupos y guitarristas ingleses de los años 60. Más recientemente, el cantante y guitarrista John Mayer hizo una versión para la banda sonora de la película de Disney Cars evidenciando la aceptación social de Route 66. La versión de John Mayer tiene un buen beat, mucha energía y un sonido más nuevo. Mayer muestra su habilidad a la guitarra, evidencia la influencia de grandes guitarristas de blues como Stevie Ray Vaughan y muestra un registro vocal alejado de Chuck Berry, más próximo al pop.

Route 66 también se ha interpretado en castellano. Lo hizo Pappo, uno de los grandes del blues, el rock y el metal argentino, en su disco Caso Cerrado publicado en el año 95. La versión de Pappo agudiza la distorsión y mantiene una buena instrumentación con teclado y armónica. A pesar de lo genial que es el video-clip -retratando los estereotipos del rock-, os dejamos con una versión en directo porque tiene más fuerza y más espacio para la improvisación. La traducción, bastante literal pero con un toque más eufórico, está bien ajustada y no chirría en ningún momento.

Por último, queremos señalar algunas versiones que se alejan más de los dos ejes básicos que hemos señalado. Por ese mismo motivo tienen de por sí un valor distinto. La primera, sorprendentemente, es de Depeche Mode que le incorporan su componente electrónico. Mantienen el ritmo de rock y un riff potente pero se dejan llevar con pasajes electrónicos. Por otra parte, The Cramps también hicieron una seductora versión de Route 66. Ésta sí se aleja más que ninguna otra de sus precedentes y juega con momentos oníricos y subidas de intensidad. Os dejamos con la que para nosotros es una de las mejores versiones de Route 66.

Posts relacionados:

La sombra de Nat King Cole

29
Oct
09

La sombra de Nat King Cole

A pesar de ser uno de los artistas más importantes de la música americana, Nat King Cole sigue siendo para muchos un gran desconocido. Cantante de voz dulce y excelente pianista, Nat King Cole fue un artista tremendamente influyente y rompedor. Influyente porque marcó decisivamente a músicos de la talla de Ray Charles o Oscar Peterson y rompedor porque su ascenso al éxito como cantante de música popular le llevó a ser el primer negro en tener un programa en televisión. Nat Cole entró en la historia de la televisión con The Nat King Cole Show que empezó a emitirse el 5 de noviembre del 56 en la NBC y terminó el 17 de diciembre de 1957. Seguramente, Nat King Cole fue un buen candidato por su imagen sofisticada y a la vez afable. A pesar de no contar con un patrocinador nacional, el programa se convirtió en un espectáculo por el que pasó gente como Ella Fitzgerald, Johnny Mercer o un joven Billy Preston. Así, Nat Cole abrió camino en televisión a futuros artistas con un programa basado en el concepto tan americano de entertainment.

Os dejamos un fragmento del programa con la actuación de Nat King Cole junto a Billy Preston que tenía tan sólo 11 años. Juntos tocan y cantan el clásico de Fats Domino, Blueberry Hill.

Como muchos grandes artistas, Nat King Cole tuvo varias facetas. Aprendió a tocar el piano a los 12 años tocando tanto jazz y gospel como música clásica lo que le proporcionó una sólida base. Más tarde se convirtió en uno de los grandes del jazz consolidando la formación de trío con piano, guitarra y bajo. Este tipo de formación era todavía rara y en las compañías siempre le decían a Nat King Cole que le faltaba gente. Sin embargo, el éxito de The Nat King Cole Trio estableció el trío como un modelo de formación que seguiría en primera instancia su también amigo Oscar Peterson y tras él, muchos más. De hecho, el Oscar Peterson Trio llegó a acompañar a Nat King Cole en varias ocasiones -por ejemplo en el show de la NBC-. Además, Cole grabó junto a saxofonistas como Lester Young o Dexter Gordon, se movió por distintos estilos como el boogie y triunfó con canciones como Sweet Lorraine. Ray Charles, que imitó a Nat Cole en sus inicios, adoraba su forma de tocar y de cantar. Como el mismo dice en el documental Piano Blues, “de chaval, cuando empecé, aspiraba a ser como él. Quería cantar y acompañarme al piano con el buen gusto con el que lo hacía él. Por eso trataba de imitarle. Comía con Nat King Cole, dormía con Nat King Cole, bebía con Nat King Cole…”

Al final del vídeo, Ray añade: Real tasty stuff! en referencia al buen gusto de Cole.

El interés de Nat King Cole por la música latina y tradicional le llevó a cantar canciones en castellano -a pesar de no hablarlo- y a actuar en países como Venezuela y Cuba en varias ocasiones. Todos conocemos canciones como Quizás, Quizás, Quizás, Aquellos ojos verdes o Bésame mucho y las hemos escuchado con la voz de Cole aún sin reconocerlo. Este tipo de canciones melódicas le abrió un mercado nuevo aunque era un tipo de interpretaciones que, mas o menos, había hecho siempre con su voz fina y una sonrisa de oreja a oreja. Personalmente, no creo que estén muy alejadas de muchas de las baladas que había cantado en inglés aunque sí de su trabajo en el jazz más puro. El cineasta Wong Kar Wai utilizó varias canciones de Nat King Cole en  Deseando Amar (In The Mood For Love, 2000)

Queríamos dedicarle un espacio a Nat King Cole para mostrar sus dos principales facetas como artista. Se trata de un músico esencial en el desarrollo de la música negra y de su aceptación social. Si Nat King Cole pudo transformar el panorama musical de su época y triunfar como lo hizo fue , en gran medida, por su faceta como cantante, su buena presencia y porque muchas de sus canciones podían gustar a toda la familia. Pero por encima de todo, fue un gran músico que se dedicó tanto al jazz como a la  música tradicional y al pop según periodos. No conviene situar un estilo de música por encima de otro sino disfrutar, cada uno a su manera, del gran talento de Nat King Cole como pianista y cantante.

Descarga Nat Cole Meets the Master Saxes (Lester Young, Dexter Gordon, Illinois Jacquet) (Contraseña: greaseyspoon)

Descarga Nat King Cole en Español (Contraseña: FLAQUITA)

20
Jun
09

Charlie Christian: la guitarra solista en el jazz

Aunque desconocido para muchos, Charlie Christian es una de las figuras clave en la historia de la guitarra y, por extensión, de la música contemporánea. Fue fundamental en la transformación de la guitarra ya que fue una figura clave para que la guitarra dejase de ser un instrumento básicamente rítmico y empezase a situarse en un primer plano como instrumento solista. Curiosamente, los referentes de Charlie Christian no venían de otros guitarristas de la tradición bluesera como Lonnie Johnson que también desarrolló un estilo solista complejo. Aunque escuchaba las grabaciones de Django Reinhardt, Charlie quería que su guitarra sonase como un saxo tenor y sus referencias, por tanto, eran Lester Young y Herschel Evans, ambos compañeros y amigos en la orquesta de Count Basie. Había por supuesto otros grandes guitarristas como Eldon Shamblin, pionero del swing tejano y también miembro de big bands pero en el terreno del jazz, la estela de Charlie Christian es la que más perdura. Su estilo marcó a posteriores guitarristas de jazz como Wes Montgomery, Herb Ellis o Kenny Burrell a quienes proporcionó un buen número de frases que poder asimilar aunque su influencia no se limitó a los guitarristas sino que genios como Charlie Parker y Miles Davis reconocieron la influencia de Charlie Christian.

Charlie comenzó a ser reconocido en el circuito del jazz cuando entró en la orquesta de Benny Goodman en agosto de 1939. Les presentó el cazatalentos John Hammond, uno de los grandes descubridores de la historia, y según cuenta la historia Goodman tenía dudas sobre la incorporación de la guitarra eléctrica. Ya había tenido en su formación a otros guitarristas como Floyd Smith y Leonard Ware pero la capacidad de Charlie Christian iba a dejarle finalmente sorprendido. El encuentro de Charlie con Benny Goodman en el estudio no fue demasiado bien tal como recordó Charlie en un reportaje en 1940 para la revista Magazine: “Supongo que a ninguno de nosotros nos gustó lo que toqué.” Sin embargo, Hammond decidió insistir y, sin consultar a Goodman, invitó a Charlie al show en el restaurante Victor Hugo de Los Angeles. Ante la sorpresa, Benny Goodman escogió la canción Rose Room esperando, sin éxito, ponérselo difícil a Charlie. En una entrevista a Clarence Christian -hermano de Charlie- en el año 78, este recordaba que él y su otro hermano Edward habían enseñado a Christian a improvisar sobre tres canciones: Tea for Two, Sweet Georgia Brown y Rose Room. Aunque no existe ninguna grabación, se dice que Charlie encadenó solo tras solo contribuyendo decisivamente a que aquella interpretación de Rose Room durase 45 minutos.

De esta manera se cuenta que entró Charlie Christian en la orquesta de Benny Goodman donde brillaría por primera vez un guitarrista. Pero Christian, como muchos músicos de big band, acudía las célebres jams en el Minton’s Playhouse de Harlem después de las actuaciones. En ese escenario fue donde Charlie se convirtió también en uno de los precursores del incipiente be-bop que marcaría los 40 en manos principalmente de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Alejado del ambiente institucionalizado del swing, los músicos en las jams daban rienda suelta a su imaginación probando nuevas cosas y experimentando para, en definitiva, terminar transformando el lenguaje del jazz.

Aquel estilo de vida que Charlie combinaba con una mala alimentación hizo que una tubercolisis contraída durante su infancia terminaría finalmente con la vida de Charlie Christian en 1942 cuando solamente tenía 25 años y tras una breve carrera musical de apenas dos años. Se trata de uno de los primeros casos de muertes prematuras que han marcado la historia de la música contemporánea aunque especialmente trágico por su juventud y, como siempre, por poner freno a una carrera que no sabemos hasta donde podía llegar.  Desde entonces, los guitarristas -desde T-Bone Walker a Chuck Berry– se han encargado de mantener viva la música de Charlie Christian. El propio Wes Montgomery lo reconocía en el 65: “No sé si eran sus líneas melódicas, su sonoridad o su forma de tocar, pero nunca había oído nada similar. Sonaba tan bien y tan sencillo que me compré una guitarra y un amplificador y ¡no pude hacer otra cosa!”

Descarga Charlie Christian – The Complete Studio Recordings (Cd 1)

Descarga Charlie Christian – The Complete Studio Recordings (Cd 2)

Descarga Charlie Christian Celestial Express (contraseña: gormenghast / fuente: http://music-on-the-rocks.blogspot.com)

Enlaces:

Transcripcciones de Charlie Christian para guitarra

Charlie Christian – Wikipedia

La leyenda de Herschel Evans – post sobre Evans y su relación con Lester Young

Posts relacionados:

Sencillez y delicadeza entre el blues y el jazz: Kenny Burrel – Midnight Blue

Jimmy Smith – Dot Com Blues

03
May
09

Big Joe Turner; del blues al rock ‘n’ roll

Big Joe Turner es uno de esos grandes cantantes que se sienten cómodos tanto en el blues como en el jazz. Igual que Louis Jordan -aunque ligeramente posterior- Big Joe fue uno de los primeros artistas en mezclar R&B con boogie-woogie dando lugar al blues jump, un estilo precursor del rock n roll. De hecho, muchas de las recopilaciones que han editado sobre Big Joe Turner tienen en común la etiqueta de Rock n Roll Legend. Si es así es, sin duda, porque la música de Big Joe Turner concentra la esencia del rock n roll manteniendo el saxo y el piano como principales instrumentos solistas.

Joe Turner nació en Kansas City y desde pequeño estuvo rodeado de la escena local de blues y jazz (Charlie Parker también nació en Kansas City). Con el paso de los años Joe Turner se convirtió en uno de los grandes cantantes de los 40 y 50 y fue capaz de dominar distintos registros. A lo largo de su carrera grabó discos de boogie-woogie con el célebre pianista Pete Johnson, de blues, de jazz con Count Basie y Dizzy Gillespie, además de canciones fundamentales para la historia del rock n roll como Shake, Rattle & Roll (1954) que luego grabaría Elvis en su primer disco para RCA.

Big Joe Turner destacaba por ser un hombre corpulento -de ahí el sobrenombre de Big- pero sobre todo por su chorro de voz característico que le valió el apelativo de blues shouter, es decir, de gritón de blues. Además de Shake, Rattle & Roll, algunas de sus canciones más destacadas son Boogie Woogie Country Girl, Roll ‘em Pete, Corrina Corrina, Flip, Flop & Fly o Lipstick, Powder and Paint versioneada por artistas como Shakin’ Stevens.

Aunque lamentablemente no circulan casi vídeos de Big Joe Turner, os dejamos con el vídeo de su célebre Shake, Rattle & Roll. Además, incluímos una versión de Flip, Flop & Fly a cargo de Jerry Lee Lewis y otra de Boogie Woogie Country Girl por el grupo The Class of 58 que demuestran la influencia de la música de Big Joe.

Descarga Joe Turner – Rockin’ the blues

 

 

 

 




Décadas y estilos

Música en Tránsito

noviembre 2017
L M X J V S D
« Sep    
 12345
6789101112
13141516171819
20212223242526
27282930  

Comentarios recientes

frutasingular en La imagen de un final: Lynyrd…
frutasingular en Videoarte
org.uk en Coloquio con Jesús Franco sobr…
Desde Tránsito no nos hacemos responsables de los enlaces externos y os animamos a adquirir copias originales (siempre que podáis). Este es un espacio altruista para compartir y divulgar la cultura en el que esperamos podáis conocer cosas nuevas o sorpredentes.