Archive for the 'Años 1950-1960' Category

28
Mar
11

Wynton Kelly: el pianista de ensueño

“Me encantaba la forma en que tocaba Wynton Kelly porque era la combinación de Red Garland y Bill Evans; podía tocarlo casi todo. Además, podía tocar acompañando al solista como un cabronazo. Cannonball y Trane lo querían, y yo también.”

(Miles Davis)

Wynton Kelly, clásico y moderno

Puede que el nombre de Wynton Kelly no sea tan conocido como el de otros grandes pianistas de Jazz como Thelonious Monk o Bill Evans pero sin duda se ganó un hueco en la historia del Jazz moderno y el Rhythm & Blues. Kelly tocó con todos, desde Billie Holiday a King Curtis, pasando por Lester Young, Dizzy Gillespie, Miles Davis, John Coltrane, Lee Morgan, Wes Montgomery, Wayne Shorter y Dinah Washington entre tantísimos más.  Kelly es ese pianista increíble que toca y deleita siempre, el que escuchas en tus discos preferidos. Es un salvavidas, el hombre que cualquiera quiere tener en su grupo, la perfecta combinación rítmica y solista. Se puede descubrir el jazz moderno siguiendo la discografía de Wynton Kelly porque los años 50 y 60 no se pueden entender sin su omnipresencia en grabaciones de Blue Note, Columbia, Vee-Jay, Riverside, Verve…

Wynton nació en Jamaica en 1931 y cuando tenía 4 años su familia se mudó a Brooklyn, donde empezó su interés por el piano.  Debutó profesionalmente en 1943 con 11 o 12 años y dio sus primeros pasos en las increíbles bandas de Rhythm and Blues del momento: las del trompetista Hot Lips Page, el saxofonista y cantante Eddie “Cleanhead” Vinson y el saxofonista Eddie “Lockjaw” Davis además de con los Three Blazers de Johnny Moore, hermano de Oscar Moore, guitarrista de Nat King Cole. A partir de ahí, el Blues siempre fue uno de los principales ingredientes del estilo de Wynton Kelly que destacó por su increíble sentido del swing.

Después de trabajar con músicos como J.J. Johnson, Roy Haynes y Sonny Rollins, el primer punto de inflexión de su carrera llegó en 1951 cuando empezó a acompañar a Dinah Washington, con quien mantuvo una relación. Ese mismo año, a sus 19 años, grabó “Piano Interpretations”, su debut como líder en Blue Note. A lo largo del 52 Wynton giró con los combos de Lester Young y Dizzy Gillespie, acudió al servicio militar del 52 al 54 y volvió para tocar con Dinah Washington, Charles Mingus y Gillespie. Siguió creciendo a lo largo de los 50 convirtiéndose en el pianista todo terreno de la década. Para entonces ya se había convertido en uno de los pianistas más demandados. Su sonido ligero, versátil y con esa magnífica combinación de Blues, Bop y Swing es una muestra del estilo Hard Bop del momento.

De todas las sesiones que hizo, Wynton es especialmente recordado por su participación en Kind of Blue (Columbia, 1959), disco mítico en el que sustituyó a Bill Evans en el segundo tema “Freddie Freeloader”, dejando su genuina impronta. Después de trabajar con Miles en varios discos, formó su propio trío junto al bajista Paul Chambers y el batería Jimmy Cobb, ambos compañeros en formaciones de Miles. Esta vez fue Wes Montgomery quien se unió al trío, dando como resultado tres discos, dos directos en el Half Note de Nueva York y uno de estudio con Verve. El Wynton Kelly Trio, con Cecil McBee y Ron McClure, siguió en activo hasta el 71 cuando Kelly murió,  tras un ataque epiléptico, a los 39 años.

12
Feb
11

El Ritme de Rosco

(Article orginal publicat a Bocabadat)

Rosco Gordon

Boogie, blues, rockabilly, rock ‘n’ roll, bluebeat, reggae… Amb un grapat de gravacions i superant constants problemes amb les discogràfiques, el ritme de Rosco va tindre una influència fonamental en tots aquests estils.

Junt a músics com B.B. King, Howlin’ Wolf, Ike Turner, Johnny Ace o Little Milton, Rosco Gordon fou una de les figures claus d’allò que s’anomenà “Memphis Blues”. Aquest subgènere va sorgir de Beale Street, principal carrer de Memphis hui convertit en atracció turística però un dia centre de la comunitat negra. Ja des de finals del segle XIX i al llarg de les primeres dècades del XX, Beale Street es consolidà com un centre de diversió, música, i compromís social.

El camí discogràfic de Rosco, mostra de les sovint difícils relacions entre drets i segells, va ser complicat. Gravà per a RPM, Sun, Chess, y Duke, principals companyies associades al blues i el rock ‘n’ roll. En el cas de Duke, companyia formada a Memphis a l’any 52, el primer single publicat va ser el seu “Hey Fat Girl”. Després d’haver tocat per Beale Street al llarg dels quaranta com una de les atraccions locals, Rosco Gordon es comprà el seu primer cadillac als 15 anys.  Però la llista d’èxits de Rosco (“Booted”, “No more Dogging”…) no va durar tant com s’haguera esperat.

Després d’uns bons anys Rosco abandonà la música professionalment i es traslladà a New York amb la seua dona. Durant anys, aquell adolescent que deleitava al públic amb la seua veu i ritme al piano va treballar en una lavanderia, actuant només com a convidat en concerts i festivals. En 2002 Rosco aparegué en el documental Road To Memphis, dirigit per Clarence Pearce. Eixe fantàstic documental es el seu últim testimoni, ja que va morir a penes sis setmanes després. Caminant pel seu Memphis natal, Rosco es mostra com una persona entranyable que disfruta tocant el blues mentres recorda els seus temps a Beale Street; mentres recorda aquells temps.

28
Feb
10

Earl Bostic: sensualidad y fiereza

“Soy, tal vez, uno de los pocos músicos a los que le gustan las melodías sencillas que se repiten y en todo lo que toco trato de mantener una línea de melodía básica en mi mente e intentar desarrollar inversiones significativas y variaciones… Me gusta el blues básico… El blues lo tiene todo; calidad rítmica, letras genuinas, una estructura básica y esencial y, sobre todo, personalidad. El blues y el jazz son inseparables.”

Declaraciones de Earl Bostic en una entrevista de Kurt Mohr (Jazz As I Feel It, Neely H. Liner Notes 12 “LP King 846”)

Earl Bostic con su saxo

Earl Bostic fue uno de los grandes saxofonistas de R&B y Jazz que alcanzó notoriedad en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Tuvo una serie de éxitos con canciones como Flamingo (1951), Harlem Nocturne, Temptation o Sleep que hicieron que se le haya catalogado más en el R&B pero canciones como Don’t you do it, Steam Whistle Jump o Up in the orbit demuestran su destreza y su capacidad para tocar jazz. La influencia de Bostic se ha extendido por diversos estilos y su habilidad como instrumentista ha sido reivindicada por multitud de músicos. Quizás el más destacado ha sido John Coltrane, uno de los reconocidos grandes genios del jazz, que empezó a tocar junto a Earl Bostic. En una entrevista de 1960 a la revista Down Beat, Coltrane declaraba: “Bostic me enseñó muchas cosas. Tiene unas facilidades técnicas fabulosas y conoce muchos trucos.” Fue durante el periodo con Bostic cuando Coltrane se pasó del saxo alto al tenor (ya que Bostic tocaba el alto). Por otra parte, el baterista Art Blakey señaló que “nadie conoce técnicamente más el saxofón que Earl Bostic, incluyendo a Bird. Trabajar junto a Bostic fue como asistir a la universidad del saxofón. Cuando Coltrane tocó junto Bostic sé que aprendió mucho.” Otros músicos de jazz destacados que también se formaron junto a Bostic son Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jimmy Cobb, Benny Golson y Betty Carter. Además, Night train, uno de los principales temas asociados a James Brown fue interpretado por Bostic (orginal de Jimmy Forrest). Aparte de su carrera en solitario, hizo arreglos de orquesta para numerosos líderes como Lionel Hampton, Paul Whiteman, Gene Krupa, Artie Shaw y el propio Lionel Hampton entre otros.

Small's Paradise, el club neoyorquino donde Bostic estuvo contratado

Earl Bostic nació el 25 de abril de 1913 en Tulsa, Oklahoma, realizó su primera grabación junto al vibrafonista Lionel Hampton y a partir de ahí se introdujo en territory bands -bandas de baile- dónde coincidió con músicos como Charlie Christian, Don Byas, Thelonious Monk o Cab Calloway. En 1938 Earl Bostic dirigió a su banda en el club Small’s Paradise de Nueva York  dónde estaría actuando durante cuatro años. Durante los primeros años 40, Bostic tomó parte en las célebres jam sessions de Minton’s Playhouse donde se desarrolló el be-bop. La formación y desarrollo musical de Earl Bostic se caracterizó por la libre combinación de blues y jazz.  Trabajó con grandes músicos de jazz y fue de gira con Dinah Washingotn. Interpretó blues, jump blues en la línea de Louis Jordan y desarrollos instrumentales que recordaban a Arnett Cobb o a King Curtis con total naturalidad. En 1963, después de haber triunfado con éxitos de R&B, publicó uno de sus discos más importantes: Jazz As I feel it en el que expresaba su forma de entender y tocar jazz. Bostic grabó junto a a Joe Pass (guitarra), Al McKobbon (bajo), Richard “Groove” Holmes (órgano) y Shelly Manne (batería). En esas canciones Bostic mostraba su dominio y habilidad para el blues y algunos avances armónicos que tanto Coltrane como Eric Dolphy terminarían por desarrollar.

Pese a ser alabado por muchos de sus colegas músicos, Earl Bostic debería ser mucho más reconocido por su capacidad de transmisión con el saxo y su falta de prejuicios musicales. Earl logra transmitir alegría, nocturnidad, melancolía o sensualidad dependiendo de la canción y logra combinar la explosividad con la sencillez. Hay que destacar también su atrevimiento para ir construyendo melodías sin fin a partir de la melodía básica de la canción. Su forma de tocar y sus múltiples recursos siguen resultando de una modernidad asombrosa.

Earl Bostic (Myspace)

Descarga Earl Bostic Blows a Fuse (Contraseña: greaseyspoon / Fuente: http://bebopwinorip.blogspot.com)

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01
Feb
10

Supervivientes del Blues: Fats Domino

Fats Domino, siempre sonriente junto a su inseparable piano

Fats Domino es uno de los grandes exponentes del R&B pre-rock ‘n’ roll y uno de los principales protagonistas de la explosión del rock ‘n’ roll. Con su carácter afable y cercano y su gran talento para componer éxitos -a menudo junto a su compañero Dave Bartholomew-, Fats logró convertirse en el artista que más discos vendió durante los años 50, con la excepción de Elvis. Una extensa lista de éxitos como Blueberry Hill, I’m Walking, Blue Monday, Ain’t That a Shame, The Fat Man, I’m Ready o Kansas City entre otros así como las numerosas versiones hechas han contribuido a que Fats haya vendido más de 100 millones de discos. Apodado Fats por su aspecto rechoncho, Antoine Dominique Domino representa la tradición del sonido R&B de Nueva Orleans y fue un referente para grupos como The Beatles, teclistas como Ray Manzarek (The Doors) e incluso para una parte de la música jamaicana. Canciones como Be My Guest, basadas en la acentuación del tiempo débil, influyeron en el ska jamaicano.

Nacido en Nueva Orleans el 26 de febrero de 1928, Fats sobrevivió al reciente huracán Katrina aunque se le llegó a dar por muerto. Pese a las órdenes de evacuación, Fats decidió quedarse en Nueva Orleans, en parte por los problemas de salud de su mujer, Rosemary. Su casa estaba en un barrio que,  de acuerdo con las previsiones, iba a quedar trágicamente inundado y Fats no mantuvo contacto con nadie pasados tres días después del huracán.

Un graffiti en la casa de Fats ponía de manifiesto el rumor de su muerte

Su agente hizo unas declaraciones afirmando que no había hablado con él desde antes del Katrina pero, finalmente, su hija Karen Domino White le reconoció en una foto del periódico Times Picayune. Fats y su mujer fueron rescatados en helicóptero y llevados a un refugio en Baton Rouge dónde fueron recogidos por la JaMarcus Russell, novio de su nieta y jugador del equipo fútbol americano Louisiana State University. Fats lo perdió todo y recibió de nuevo la National Medal of Arts ya que la original se perdió en las inundaciones.

Un año más tarde, Fats no pudo participar por problemas de salud en en Jazz & Heritage Festival pero reapereció con un disco titulado Alive and Kickin’ que incluía algunas letras reveladoras escritas con anterioridad al Katrina. All over the country, people wanna know / What ever happened to Fats Domino? / And I’m alive and kickin’ / I’m alive and kickin’ / I’m alive and kickin’ / And I’m where I wanna be. /  Gente de todo el país quiere saber que le ha pasado a Fats Domino, estoy vivo y golpeando, estoy donde quiero estar. Desde entonces, Fats ha recibido numerosos premios y reconocimientos y ha limitado sus actuaciones en público a acontecimientos puntuales como un concierto para recaudar fondos para la reconstrucción de colegios destruidos por el Katrina.

Su relación con la música empezó muy pronto cuando su hermanastro le enseñó a tocar el piano a los 6 años. Actuó por primera vez a los 10 años y a los 14 dejó el colegio y empezó a trabajar. Continuó tocando a lo largo de los años 40 cuando conoció a Dave Bartholomew, su pareja de composición y productor. El estilo de piano de Fats provenía de la larga tradición del blues y el boogie de Nueva Orleans pero había desarollado una pulsación sencilla y característica que definiría la mayoría de sus temas. En el año 49 firmó un contrato con Imperial y tardó muy poco en grabar un single de éxito, una fantástica carta de presentación que se cita como una de las primeras canciones de rock ‘n’ roll, The Fat Man.

Fats continuo su éxito con canciones que seguían la misma línea y triunfaban en las listas de R&B. Goin’ Home en el 52, Please Don’t Leave Me en el 53 All By Myself en el 55, año en el que por fin logró  entrar en las las listas de pop con Ain’t That A Shame. En una época de segregación racial Fats -como muchos otros negros- vio como su canción llegaba al número uno en voz de Pat Boone, un cantante blanco que destacó por realizar versiones más dulces de canciones de R&B.  Así funcionó la industria durante buena parte de los años 50. Se suavizaba  la música negra y se promocionaba a artistas blancos que tenían el aspecto deseado para la época. Aún así, estas apropiaciones terminaron por permitir la integración gradual de los artistas negros. En el caso de Fats, su interpretación de su propia composición, Ain’t That A Shame, llegó a situarse en el Top Ten lo que suponía de por sí un gran éxito.

Fats había conseguido entrar en las listas de éxito con la música que había hecho toda su vida y todavía le quedaban muchas canciones por cantar que atraerían a gran parte de la audiencia joven y blanca del rock ‘n’ roll. Apenas un año después, Fats Domino publicó su propia versión de Blueberry hill, una composición de Vincent Rose, Al Lewis y Larry Stock del año 40, que habían grabado músicos de country como Gene Autry y que fue popularizada por Glen Miller. Se convirtió en una canción de repertorio para Big Bands e incluso Louis Armstrong llegó a grabarla pero fue Fats, una década después, quien llevaría la canción al número dos de las listas de pop. Fue el mayor éxito de Fats y de la canción que ha pasado a la historia como parte de la era del rock ‘n’ roll (pese a no ser ni mucho menos la canción de Fats que mejor se ajusta a este estilo). Su carrera siguió con paso firme hasta principios de los años 60 con canciones como Whole Lotta Loving, Blue Monday (1956), I’m Walking (1959) o My girl Josephine (1960). Asimismo, Fats participó también en dos películas en el año 56: Shake, Rattle & Rock (Edward L. Cahn, 1956) y The Girl Can’t Help It (Frank Tashlin, 1956) en cuya banda sonora aperecían también otros como Little Richard, The Platters, Gene Vincent o Eddie Cochran.

Los años 60 fueron duros para Fats, igual que para muchos artistas negros de recorrido similar. Cambió de compañía en 1963 pero los problemas con ABC-Paramount Records no tardaron en llegar; Fats tuvo que grabar en Nasvhille y no en Nueva Orleans como había hecho siempre y el cambio de productores supuso el fin del tándem Domino-Bartholomew. El nuevo enfoque de la producción tendía más hacia el country y sólo Red Sails In The Sunset, uno de los once singles publicados, logró meterse en el Top 40. Además, la emergencia del las grandes bandas británicas, fenómeno conocido como la Invasión Británica, le puso las cosas difíciles. Los nuevos grupos como The Beatles, The Rolling Stones o The Animals acapararon el mercado y se convirtieron en los grupos de referencia para millones de adolescentes con propuestas musicales heredadas del rock ‘n’ roll de los primeros años. A su vez, generaron una serie de grupos americanos que trataron de imitarles estética y musicalmente.

Fats continuó vendiendo discos y grabó para distintas compañías como Mercury y Reprise. A partir de la década de los ochenta decidió quedarse en Nueva Orleans y hacer conciertos puntuales. A sus 52 años Fats decidía aprovechar sus ingresos por royalties y evitar las largas giras. En declaraciones hechas a USA Today explicaba sus razones: “Para mí, no hay otro sitio como Nueva Orleans. Me gusta que los clubs estén abiertos todo el día y toda la noche. La gente es agradable. No puedes encontrar comida mejor.”

Fats supo conectar con el público no sólo con su música sino con su imagen bonachona, simpática e incluso graciosa.  Es uno de los grandes artistas de la música contemporánea, un renovador con naturalidad. Un hombre sencillo, contento por que la gente apreciara su música y a él mismo. Con la excepción de Louis Armstrong, Fats Domino es el músico más famoso de Nueva Orleans. Si la influencia de Armstrong fue decisiva en el evolución del jazz, también lo fue la aportación de Fats para el desarrollo del rock ‘n’ roll. En USA Today, Fats declaraba su fidelidad a su música: “No recuerdo cambiar nada salvo la ropa, y tampoco lo hago siempre. No sé nada sobre las poses, sólo soy yo mismo.” Asimismo, en un artículo sobre Fats en la Rolling Stone, Dr.John escribía: “En los tiempos en que la gente acusaba al rock & roll de estar pervirtiendo a los jóvenes, Fats dio una entrevista en una revista. Dijo: ‘No sé a qué viene todo eso de que somos una mala influencia para los adolescentes. Lo único que hago es tocar la música que llevo interpretando toda mi vida.’ Esa era la filosofía de Fats, No veía su música como algo especial o diferente. No era más que lo que siempre había hecho.”

Descarga Fats Domino – This Is Fats

Descarga Fats Domino – All By Myself

DescargaFats Domino – Be My Guest (The Blues Collection)

Fuente: Taringa

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04
Nov
09

Recopilaciones Tránsito – Jazz 50’s

Estrenamos un nuevo tipo de recopilación en Tránsito. Esta vez se trata de un disco de jazz con canciones grabadas a lo largo de la década de los 50. Hemos sido flexibles ya que partimos de la última grabación de Charlie Parker junto a Dizzy Gillespie -los dos grandes nombres del be-bop- y llegamos a una grabación del año 60 liderada por Hank Mobley. Además, no podía faltar Art Blakey, otro de los grandes referentes del be-bop y de su evolución, el hard-bop. Completan el disco un clásico de John Coltrane y una grabación en los 50’s de un músico ligado sobre todo a la era del swing, Ben Webster.

Como siempre, son bienvenidos los comentarios y las sugerencias. Esperamos que os guste.

Descarga Jazz 50’s

01. Charlie Parker & Dizzy Gillespie – Bloomdido (1950)

02. Art Blakey Quintet – If I had you (1954)

03. Ben Webster – Late date (1957)

04. Hank Mobley – Dig dis (1960)

05. John Coltrane – Blue train (1957)

Descarga Jazz 50’s

 

 

Os dejamos también las formaciones:

01. Charlie Parker – Saxo alto / Dizzy Gillespie – Trompeta / Thelonious Monk – Piano / Curly Russell – Bajo / Buddy Rich – Batería

02. Clifford Brown – Trompeta / Lou Donaldson – Saxo alto / Horace Silver – Piano / Curley Russell – Bajo / Art Blakey – Batería

03. Ben Webster – Saxo tenor / Oscar Peterson – Piano / Ray Brown – Bajo / Herb Ellis – Guitar / Stan Levey – Batería

04. Hank Mobley – Saxo tenor / Wynton Kelly – Piano / Paul Chambers – Bajo / Art Blakey – Batería

05. John Coltrane – Saxo tenor / Lee Morgan – Trompeta / Curtis Fuller – Trombón / Kenny Drew – Piano / Paul Chambers – Bajo / Philly Joe Jones – Batería

29
Oct
09

La sombra de Nat King Cole

A pesar de ser uno de los artistas más importantes de la música americana, Nat King Cole sigue siendo para muchos un gran desconocido. Cantante de voz dulce y excelente pianista, Nat King Cole fue un artista tremendamente influyente y rompedor. Influyente porque marcó decisivamente a músicos de la talla de Ray Charles o Oscar Peterson y rompedor porque su ascenso al éxito como cantante de música popular le llevó a ser el primer negro en tener un programa en televisión. Nat Cole entró en la historia de la televisión con The Nat King Cole Show que empezó a emitirse el 5 de noviembre del 56 en la NBC y terminó el 17 de diciembre de 1957. Seguramente, Nat King Cole fue un buen candidato por su imagen sofisticada y a la vez afable. A pesar de no contar con un patrocinador nacional, el programa se convirtió en un espectáculo por el que pasó gente como Ella Fitzgerald, Johnny Mercer o un joven Billy Preston. Así, Nat Cole abrió camino en televisión a futuros artistas con un programa basado en el concepto tan americano de entertainment.

Os dejamos un fragmento del programa con la actuación de Nat King Cole junto a Billy Preston que tenía tan sólo 11 años. Juntos tocan y cantan el clásico de Fats Domino, Blueberry Hill.

Como muchos grandes artistas, Nat King Cole tuvo varias facetas. Aprendió a tocar el piano a los 12 años tocando tanto jazz y gospel como música clásica lo que le proporcionó una sólida base. Más tarde se convirtió en uno de los grandes del jazz consolidando la formación de trío con piano, guitarra y bajo. Este tipo de formación era todavía rara y en las compañías siempre le decían a Nat King Cole que le faltaba gente. Sin embargo, el éxito de The Nat King Cole Trio estableció el trío como un modelo de formación que seguiría en primera instancia su también amigo Oscar Peterson y tras él, muchos más. De hecho, el Oscar Peterson Trio llegó a acompañar a Nat King Cole en varias ocasiones -por ejemplo en el show de la NBC-. Además, Cole grabó junto a saxofonistas como Lester Young o Dexter Gordon, se movió por distintos estilos como el boogie y triunfó con canciones como Sweet Lorraine. Ray Charles, que imitó a Nat Cole en sus inicios, adoraba su forma de tocar y de cantar. Como el mismo dice en el documental Piano Blues, “de chaval, cuando empecé, aspiraba a ser como él. Quería cantar y acompañarme al piano con el buen gusto con el que lo hacía él. Por eso trataba de imitarle. Comía con Nat King Cole, dormía con Nat King Cole, bebía con Nat King Cole…”

Al final del vídeo, Ray añade: Real tasty stuff! en referencia al buen gusto de Cole.

El interés de Nat King Cole por la música latina y tradicional le llevó a cantar canciones en castellano -a pesar de no hablarlo- y a actuar en países como Venezuela y Cuba en varias ocasiones. Todos conocemos canciones como Quizás, Quizás, Quizás, Aquellos ojos verdes o Bésame mucho y las hemos escuchado con la voz de Cole aún sin reconocerlo. Este tipo de canciones melódicas le abrió un mercado nuevo aunque era un tipo de interpretaciones que, mas o menos, había hecho siempre con su voz fina y una sonrisa de oreja a oreja. Personalmente, no creo que estén muy alejadas de muchas de las baladas que había cantado en inglés aunque sí de su trabajo en el jazz más puro. El cineasta Wong Kar Wai utilizó varias canciones de Nat King Cole en  Deseando Amar (In The Mood For Love, 2000)

Queríamos dedicarle un espacio a Nat King Cole para mostrar sus dos principales facetas como artista. Se trata de un músico esencial en el desarrollo de la música negra y de su aceptación social. Si Nat King Cole pudo transformar el panorama musical de su época y triunfar como lo hizo fue , en gran medida, por su faceta como cantante, su buena presencia y porque muchas de sus canciones podían gustar a toda la familia. Pero por encima de todo, fue un gran músico que se dedicó tanto al jazz como a la  música tradicional y al pop según periodos. No conviene situar un estilo de música por encima de otro sino disfrutar, cada uno a su manera, del gran talento de Nat King Cole como pianista y cantante.

Descarga Nat Cole Meets the Master Saxes (Lester Young, Dexter Gordon, Illinois Jacquet) (Contraseña: greaseyspoon)

Descarga Nat King Cole en Español (Contraseña: FLAQUITA)

24
Oct
09

Cannonball Adderley – Somethin’ Else (1958)

Somethin’ Else se ha tratado a menudo como un disco más de Miles Davis aunque el que aparece como líder de la sesión es Cannonball Adderley. La canción que da título al disco es de Miles, tres de las cinco canciones del disco comienzan con Miles como primer solista y Cannonball grabó Milestones (1958) y Kind of Blue (1959) con Miles como líder. He de reconocer que cuando compré el disco, lo hice atraído y sorprendido por la idea de que Miles apareciese como sideman y no como líder. Por eso creo que sería injusto reducir Somethin’ Else a un disco más de Miles Davis sin tener en cuenta las particularidades del disco, la labor de Cannonball y el título: “otra cosa”.

Somethin’ Else, considerado por la crítica como un de los mejores discos de la historia del jazz, demuestra la dificultad de encasillar la música bajo etiquetas. Normalmente, se dice que es un disco alineado en el estilo hard-bop y el cool pero si atendemos a la formación podemos comprender la heterogeneidad que alberga. Cannonball Adderley fue uno de los grandes saxofonistas altos que crecieron bajo la influencia de Charlie Parker; Miles, a pesar de haber hecho tanta música, sigue identificándose con el estilo cool; Hank Jones ha grabado con muchísima gente: Ella Fitzgerald, Charlie Parker, Lester Young, Frank Sinatra, John Coltrane…; Art Blakey, considerado uno de los mejores baterías de jazz, está ligado a la renovación del be-bop y el posterior hard-bop y Sam Jones ha grabado con Gillespie y Thelonious Monk entre otros.

El disco se abre con Autumn Leaves, un standard que arregló Johnny Mercer a partir de la canción francesa Les feuilles mortes, que aquí suena como nunca. Después de un inicio de piano vacilante entran los vientos creando un crescendo que culmina con la poética entrada de Miles. Le sigue Love For Sale, una composición de Cole Porter, que empieza de un modo similar. Primero entra Hank Jones y después Art Blakey con un toque latino hasta que Miles introduce la melodía. Después es el turno de Cannonball que muestra todos sus recursos y evidencia, con mucho swing, la influencia de Charlie Parker. Somethin’ Else y One For Daddy-O conforman probablemente el punto culminante del disco. Somethin’ Else comienza con Miles tocando frases breves y Cannoball respondiendo. Vuelve a empezar Miles como solista y le sigue Cannonball que entra con mucha fuerza. El hecho de que Miles empiece como solista en estos temas puede interpretarse -también- como un respeto a una dinámica de menos a más fuerza. Es decir, comienza Miles tocando lírico, con menos notas y subiendo la intensidad poco a poco. Después llega el momento de Cannonball que añade muchas más notas y velocidad. One For Daddy-O es un homenaje a Dady-O Daylie, uno de los grandes dj’s de Chicago, escrito por Nat Adderley, el hermano de Cannoball. Es mi tema preferido, un blues con mucho swing que abre Cannoball. Al final, se escucha a Miles decir: “Is that what you wanted, Alfred? (Es eso lo que querías, Alfred?)” preguntándole al productor Alfred Lion.

Somethin’ Else es un disco con temas largos, sobre todo los cuatro primeros. Autumn Leaves dura casi once minutos, Love For Sale siete y Somethin’ Else y One For Daddy-O se quedan en ocho. Es así porque cada solista, especialmente Cannonball y Miles aunque también Hank Jones, tienen mucho espacio para improvisar. Además, todas las canciones tienen introducción y cierre. La canción más corta es la encargada de cerrar el disco. Dancing in the Dark (4:03) es una balada marcada por el inicio sexy de Cannonball al saxo. Esta vez, Cannonball tiene toda la canción para improvisar ya que Miles no participa y Hank Jones se mantiene como acompañante. Además, en las reediciones se ha incluido un bonus track que no venía en el álbum original. Bangoon, lanzada inicialmente como Allison’s Uncle, es una composición de Hank Jones que, para mí gusto, podía haberse incluído sin problemas en el disco original y hubiera añadido más matices al disco. Vale la pena escuchar a Hank Jones y a Art Blakey con uno de sus famosos solos.

En definitiva, Somethin’ Else es un disco especial de esos que cuando escuchas te gusta cada vez más. Creo que es un disco muy recomendable tanto para quien ya esté atrapado por el jazz como para quien quiera probar suerte.

Formación: Julian “Cannonball” Adderley – Saxo alto / Miles Davis – Trompreta / Hank Jones – Piano / Sam Jones – Bajo / Art Blakey – Batería

Descarga Cannonball Adderley – Somethin’ Else




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