Archive for the 'Años 2000-2010' Category

21
Mar
11

Young, Zandt y Hood: una aproximación al sur norteamericano

En 1970 el canadiense Neil Young publicó la canción “Southern Man” en su disco “Afer the Gold Rush” (Reprise, 1970). A través de la figura de un hombre sureño, aquella canción relataba las condiciones de racismo del sur americano desde los tiempos de la esclavitud pasando por los linchamientos y quemas para, finalmente, preguntar -en el contexto de la lucha por los derechos civiles- cuánto más. Mezcla de ira e incertidumbre, en “Southern Man” Neil recrea parte de la imaginería más dura para terminar aunando una serie de metáforas visuales en la cabeza del que escucha. “Ví algodón / y ví negro / Altas mansiones blancas / y pequeñas chabolas / Hombre del sur / cuando les pagarás? / Escuché gritos / y el sonido de los látigos / ¿Cuánto más? ¿Cuánto más?”

Dos años más tarde, Neil volvía a retratar el sur, esta vez en la canción “Alabama”, incluida en su album “Harvest” (Reprise, 1972). Alabama fue el estado en el que Rosa Parks se negó a ceder su asiento en el autobús, el que vio como el posterior boicot contra el transporte se convertía en un pequeño triunfo para los afroamericanos, el estado en que cuatro niñas murieron en el bombardeo de una iglesia a manos del Ku Klux Klan (acontecimiento que también contaron Coltrane (“Alabama”) y Nina Simone (Mississippi Goddam)) y uno de los sitios más reacios a acatar el proceso de integración racial. Neil Young habla del peso que Alabama lleva sobre sus hombros y recurre a la metáfora (“Tu Cadillac tiene una rueda en la cuneta y otra en la pista”) para describir un momento de cambio. “¿Qué estás haciendo Alabama? / Tienes al resto de los EE.UU. para ayudarte / ¿Qué está pasando?”, concluía Neil.

Estos dos temas de Young  fueron el punto de partida para uno de los grandes clásicos del rock ‘n’ roll, “Sweet Home Alabama”, incluida en “Second Helping”, segundo álbum de Lynyrd Skynrd. En ella, el grupo originario de Jacksonville, Florida convertía a Alabama en su “dulce hogar”, sacando a relucir el orgullo sureño. Lynyrd Skynyrd dejó un par de recados para Neil Young (“Well I heard Mr. Young sing about her / Well I heard ole Neil put her down / Well I heard I hope Neil Young will remember / A southern man don’t need him around anyhow”), de quien, por otra parte, eran grandes seguidores. Aunque a menudo fue  malinterpretada e incluso apropiada por parte de sectores reaccionarios, el relato que Lynyrd Skynyrd  hizo del sur venía a decir que Alabama, esa tierra soleada de cielo azul, no debía simplemente quedar estigmatizada como racista. “Sweet Home Alabama” es sobre todo una canción sobre la identidad y la dualidad entre norte y sur.

Después de la estrofa dedicada a Neil Young, la canción hace referencia a otros elementos políticos, sociales  y musicales del momento. Primero introduce Birminghan, localidad donde, el quince de septiembre de 1963, tuvo lugar el comentado bombardeo de una iglesia baptista en el que murieron cuatro niñas. De acuerdo con la canción, “en Birmingham quieren al gobernador” (George Wallace) y ellos hicieron lo que pudieron -por cambiar la situación, se entiende. La estrofa continúa con una referencia al caso Watergate, la parte más espinosa y recriminada al grupo. “Ahora el Watergate no me molesta / ¿te molesta a ti tu conciencia? / Di la verdad”. En la última estrofa aparece el célebre estudio Muscle Shoals Sound Studio (situado en Muscle Shoals, Alabama) y los Swampers (Jimmy Johnson, guitarra; Barry Becket, teclado; David Hood, bajo; Roger Hawkins, batería), grupo que acompañó a artistas como Wilson Pickett, Aretha Franklin o las Staple Singers entre otros.

La historia de Neil Young y Lynyrd quedó perfectamente relatada en la canción “Ronnie and Neil” de Drive-By Truckers, incluida en su gran “Southern Rock Opera” (Lost Highway, 2002). Los Truckers ordenan acontecimientos y hablan del racismo en Alabama -incluyendo el caso de la iglesia de Birmingham-, de Wilson Pickett y Aretha Franklin grabando en Muscle Shoals y de la verdad de las canciones de Neil Young para completar una canción en la que Ronnie Van Zandt -vocalista de Lynyrd Sknyrd- y Neil Young (que mantuvieron una relación de respeto y admiración) quedan unidos por su autenticidad. Las referencias a Alabama continuan con los temas “Birmingham” (“ningún hombre debería sentir que no pertenece a Birmingham”), “The Three Great Alabama Icons” y “Wallace”. En ellas Patterson Hood -hijo de David Hood, bajista de los Swampers- habla y canta con su habitual compromiso sobre otra parte de la historia de Birmingham, sobre su idolatrado Ronnie Van Zandt y sobre el desafortunadamente destacado gobernador de Alabama George Wallace. El análisis que merece la obra entera “Southern Rock Opera” lo dejamos para más hacia adelante.

27
Feb
11

Eric Tessmer Band: Incendiando el Blues

(Read the interview in English) Setting the Blues on Fire. Eric Tessmer Band

Entrevista publicada en Todas Las Novedades

Eric Tessmer

Combinando blues, rock y psicodelia, la Eric Tessmer Band se ha afianzado como uno de los grupos que más fuerte suenan en la histórica calle 6 de Austin. En el día de su 29 cumpleaños, Eric Tessmer y el batería Richard Lamm me invitan a pasar al backstage de Antone’s, mítico club de blues por el que han pasado gente como Muddy Waters, Buddy Guy y Stevie Ray Vaughan.

Los conciertos de Eric Tessmer son como un huracán. Mientras la gente baila, la intensidad sigue creciendo. Eric baja del escenario, tocando entre el público, y el bajista sale a la calle para atraer a más gente. Dos tipos sacan a una chica en brazos a tomar el aire. Suena “Taildragger”, “Skin the Rabbit” y “Draw” -temas de su último disco, Green Diamond-, pero también “Voodoo Chile”, “Red House” y “Goin’ Down”. El show termina como un estallido: riffs incendiarios, amplificadores a tope, Eric rompiendo las cuerdas y el wah wah, que sigue resonando en tu cabeza.

Josep Pedro: ¿Qué podemos encontrar en vuestro último trabajo, Green Diamond?

Eric Tessmer: ¡Música fantástica! Bueno, Texas Blues mezclado con psicodelia… ¿Tú qué dirías Richard?

Richard Lamm: La música es indicativa de las influencias de Eric que fueron fundamentalmente Pink Floyd, Stevie Ray Vaughan –aunque todo el mundo odia admitir que Stevie Ray es una influencia. ¿Cómo podría no serlo? Eso es como decir que Hendrix no es una influencia. Es estúpido. Así que Stevie debe ser reconocido. Estos tíos en la calle 6 dicen: “Oh no, no intento sonar como Stevie.” ¿Por qué no ibas a quererlo? – Lo que me encanta sobre tu forma de tocar y tu sonido es que has cogido a Stevie Ray Vaughan, Hendrix y el profundo blues sureño y te has cagado en todo haciéndolo tuyo. Es tan potente que la energía es infecciosa. –

JP: ¿Cómo te sientes al ser comparado con artistas como Hendrix y Stevie Ray Vaughan?

ET: Es muy halagador pero es una gran responsabilidad. Quiero decir, hay un Hendrix y hay un Stevie Ray Vaughan.

RL: Hay un Eric Tessmer

ET: Y un Richard Lamm.

JP: En ambos casos, tuvieron carreras muy cortas pero aquí mismo, en Antone’s, tenemos a Pinetop Perkins, todavía tocando a sus 97 años. ¿Tenéis algún objetivo en ese sentido, o no lo habéis pensado?

ET: Me gustaría tener una carrera larga. No quisiera parecer esnob pero tienes que tener la mentalidad.

JP: Una de las cosas que llaman la atención de Green Diamond es que habéis dividido la canción que da título al disco en tres partes. ¿Cómo surgió la idea? ¿Vino de Pink Floyd?

ET: El hecho de tener distintas partes sí que por influencia de Pink Floyd pero la primera parte está obviamente muy marcada por la influencia del Delta y Country Blues. Como de la vieja escuela. La segunda parte es un alegato en defensa de Pink Floyd. Es como tres canciones de Pink Floyd distintas fundidas en una, así que es como un tributo. Y la tercera reúne todas las influencias. Es muy Hendrix, tiene dos movimientos distintos y es una canción de doce minutos. Así que es donde todo se junta.

RL: Evolución.

JP: Tenéis algunos discos de vuestros principios descatalogados, Last Night at Joe’s and The Eric Tessmer Band LP. ¿Qué pasó?

ET: Hemos dejado de editarlos. Estos discos fueron grabados al principio de mi carrera. Los grabamos a todo volumen, rápido, y borrachos. No quiero que sigan circulando. Hemos tenido fans que preguntan por ellos pero no me vale la pena reorganizarlo todo.

JP: En Green Diamond también hay mucho trabajo de riffs de guitarra. En la canción “Taildragger”, por ejemplo, combinas el riff con la melodía cantada. ¿Cómo llegas a componer nuevas canciones?

ET: Normalmente es algo que escucho en mi cabeza. Luego solo tengo que sacarlo con la guitarra.

RL: La principal influencia que escucho en esa canción es del Delta Blues. Es una influencia sureña, de Luisiana, Mississippi y músicos como Lightnin’ Hopkins. Realmente, el disco es un gran homenaje a mucha gente.

JP: Cuéntame de dónde vinieron todas estas influencias.

ET: Estuve metido en el blues durante mucho tiempo desde que era pequeño. Pero crecí en Wisconsin, en el norte, y crecí con los discos de mi padre y en lo que podía encontrar. Mi padre me crió con Clapton, Hendrix, Pink Floyd, Zeppelin y cosas así. Yo solo lo rastreé hacia atrás, de donde todo vino.

JP: Es complicado crear cosas nuevas hoy en día y, a menudo, ese tampoco es el objetivo, pero al final cada uno intenta transmitir un estilo propio. ¿En qué dirección va el grupo?

RL: Con Green Diamond, el grupo ha solidificado el origen de dónde venimos tanto musical como artísticamente. Supongo que lo siguiente será no una salida pero sí un indicativo único de ETB [Eric Tessmer Band]. Creo que el siguiente disco va ser el que más o menos establezca una separación.

ET: Construir sobre las influencias.

RL: Green Diamond es “aquí está Eric” y ahora, esto es lo que puede pasar. Lo veo todo como una evolución.

JP: En Green Diamond habéis añadido nuevos instrumentos sobre el trío en que tocabais anteriormente.

ET: Sí, para rellenar el sonido. Trae otra dimensión. Todo el disco era con un grupo distinto y este disco lo ha cambiado todo.

Eric Tessmer Band

JP: ¿Qué le decís a todos aquellos que dicen el rock ‘n’ roll ha muerto?

ET: Pienso mucho en la gente cuando dice que el rock ‘n’ roll ha muerto o no es como era antes… ¡Claro que no! ¿Por qué querrías que fuese igual todo el tiempo? Si Muddy Waters fuera el único que pudiera tocar blues, sería bastante aburrido. Tiene que estar evolucionando constantemente. No todos podemos crecer en los campos de algodón. Realmente, no hay nada que puedas decirle a esa gente.

RL: Creo que las grandes corporaciones de la industria de la música no permiten que material verdaderamente artístico salga a la superficie. Porque todo tiene que estar empaquetado y puesto en una estantería donde quepa bien entre una cosa y otra. De esta manera, se pierde mucho arte. Espero que estés ayudando a correr la voz.

John Cougar Mellencamp una vez le preguntó a Chuck Berry: “¿Qué canciones vamos a tocar?” Este le contestó: “¡canciones de Chuck Berry!” Eso sería una Buena respuesta. Eric es un artista tan creativo como cualquier otro.

ET: Tienes ese cruce entre comercio y arte. Si quieres ganarte la vida tocando música, tienes que seguir ese juego para poder vender y poder sacar dinero hasta estar sobre una línea fina.

JP: Austin es llamada la “Capital Mundial de la Música en Vivo”. Tú creciste en Wisconsin y viniste hasta aquí. ¿En qué sentido es Austin distinto a otros sitios?

ET: Donde yo crecí había granjas y vacas. No hay una escena musical allí arriba. La música que yo quería hacer viene de Texas y los músicos a los que escuchaba también. Tenía sentido así que recogí las cosas y me mudé aquí. En cuanto a lo de la “Capital Mundial de la Música en Vivo”, cuando llegué aquí hace diez años la gente me decía: “Tendrías que haber estado aquí hace cinco años” y ahora, cuando la gente se muda aquí, casi me sorprendo diciéndoles: “¡Deberías haber estado aquí hace cinco años!” Está cambiando siempre y creo que si te paras a quejarte no estás aprovechando las oportunidades ni sacando lo mejor de la situación. Quiero decir, podría estar aquí quejándome de que la ciudad use el término “Capital Mundial de la Música en Vivo” para atraer turistas y no apoye a los músicos de la ciudad que se lo están cargando todo a sus espaldas. ¡Pero eso llevaría horas!

JP: ¿Qué puedes contarme de Clifford Antone, fundador de Antone’s y personaje clave en la escena musical de Austin?

ET: Básicamente, Clifford Antone, junto a unos pocos más como Kenneth Threadgill, convirtió a Austin en la capital mundial de la música en vivo por la manera en la que apoyaron la música. Llegué a conocer a Clifford muy bien antes de que muriese y, básicamente, dio su vida para apoyar la forma musical en la que creía, el blues. Eso es realmente alucinante. Incluso fue a la cárcel por el blues. No entraré en eso demasiado pero el tío hizo muchos sacrificios. Sacrificó su vida entera por aquello en lo que creía. Se preocupaba mucho por artistas nuevos, con nuevos chavales que iban creciendo… Intentaba sacar lo mejor de ellos.

JP: ¿En qué estáis trabajando ahora? ¿Cuáles son vuestros próximos objetivos?

ET: Estamos pagando el alquiler (risas). Ahora mismo estamos intentando conseguir una agencia de contratación y hacer unas giras por los Estados Unidos, además de componer para el siguiente disco.

12
Feb
11

El Ritme de Rosco

(Article orginal publicat a Bocabadat)

Rosco Gordon

Boogie, blues, rockabilly, rock ‘n’ roll, bluebeat, reggae… Amb un grapat de gravacions i superant constants problemes amb les discogràfiques, el ritme de Rosco va tindre una influència fonamental en tots aquests estils.

Junt a músics com B.B. King, Howlin’ Wolf, Ike Turner, Johnny Ace o Little Milton, Rosco Gordon fou una de les figures claus d’allò que s’anomenà “Memphis Blues”. Aquest subgènere va sorgir de Beale Street, principal carrer de Memphis hui convertit en atracció turística però un dia centre de la comunitat negra. Ja des de finals del segle XIX i al llarg de les primeres dècades del XX, Beale Street es consolidà com un centre de diversió, música, i compromís social.

El camí discogràfic de Rosco, mostra de les sovint difícils relacions entre drets i segells, va ser complicat. Gravà per a RPM, Sun, Chess, y Duke, principals companyies associades al blues i el rock ‘n’ roll. En el cas de Duke, companyia formada a Memphis a l’any 52, el primer single publicat va ser el seu “Hey Fat Girl”. Després d’haver tocat per Beale Street al llarg dels quaranta com una de les atraccions locals, Rosco Gordon es comprà el seu primer cadillac als 15 anys.  Però la llista d’èxits de Rosco (“Booted”, “No more Dogging”…) no va durar tant com s’haguera esperat.

Després d’uns bons anys Rosco abandonà la música professionalment i es traslladà a New York amb la seua dona. Durant anys, aquell adolescent que deleitava al públic amb la seua veu i ritme al piano va treballar en una lavanderia, actuant només com a convidat en concerts i festivals. En 2002 Rosco aparegué en el documental Road To Memphis, dirigit per Clarence Pearce. Eixe fantàstic documental es el seu últim testimoni, ja que va morir a penes sis setmanes després. Caminant pel seu Memphis natal, Rosco es mostra com una persona entranyable que disfruta tocant el blues mentres recorda els seus temps a Beale Street; mentres recorda aquells temps.

27
Ene
11

Eddie Vinson: They call me Mr.Cleanhead

(Article original publicat a Bocabadat)

Mr. Cleanhead

L’ inabarcable nombre de bluesmen que la población negra donà des del sur dels Estats Units fa que sovint es quedem en la linia superficial d’aquells que han conseguit un major èxit comercial. Un dels gegants que no gaudeix de la merescuda repercusió és Eddie “Cleanhead” Vinson. Nascut a Houston, Texas el 18 de desembre de 1917, el polifacètic Vinson combina blues, boogie R&B, swing i bebop amb total solvència. Una vegada més, els músics que tracten lliurement les distintes vesants de la música negra no són tant fàcils de categoritzar com les etiquetes de la industria voldrien.

Com a cantant, Eddie és un clar representant de la tradició surenya del blues i es diu que l’estil vocal del guitarrista Big Bill Broonzy va ser el que més el va influenciar. Com a saxofonista, Eddie va creixer amb les habituals formacions de blues texanes que incluien instruments de vent. Va marxar a Nova York a l’any 42 per tocar en l’orquesta de Cootie Williams on va guanyar notorietat cantant cançons com “Cherry Red”. Pronte, va poder formar la seua pròpia banda quan, inevitablement, el seu saxo alt va caure baix la influencia del Bebop de Charlie Parker. Va ser durant aquest periode quan Vinson va gravar alguns dels seus clàssics, “Old Maid Boogie”, “Cleanhead Blues” i “Kidney Stew Blues” entre d’altres.  Per aquella banda va pasar un jove John Coltrane.

Eddie va tornar a Houston durant un temps, va treballar amb Count Basie i amb Johnny Otis i, en 1961, un dels grans saxofonistes de jazz del moment el va cridar per produir-li un disc. El també saxofonista alt Julian “Cannonball” Adderley, famós per la participació en Kind Of Blue (Columbia, 1959) i per la seua predilecció pel R&B, va recrutar a Eddie per gravar Cleanhead & Cannonball (Milestone, 1961). Va ser Cannonball qui li va oferir a un dels seus idols la oportunitat de gravar un nou disc, cosa que Cleanhead feia anys que no podia fer, on el seu quintet –l’avantguarda del soul jazz del moment- l’acompanyaria amb respecte i qualitat.

22
Ene
11

W.C. Clark: Talent i Història

Article original publicat a Bocabadat

Amb una intensa trajectòria professional que es remonta fins a principis del anys 60, W.C. Clark és una de les grans figures vives de l’escena musical de Austin, Texas. La seua experiència inclou col·laboracions en llegendes locals com T.D. Bell i Blues Boy Hubbard, el soul man Joe Tex i Stevie Ray Vaughan, music al que va tindre baix la seua tutela i al que acompanyà tocant el baix en la seua primera formació, Triple Threat Revue.

La música de W.C. Clark combina el blues, R&B, Soul, balades i rock ‘n’ roll. “En la meua experiència vaig tindre que aprendre eixes categories abans de poder estar satisfet en mi mateix,” aclareix W.C. Clark. Conegut com el padrí del blues de Austin, W.C. Clark parteix del blues per anar a altres llocs. “Pràcticament tot el que toque té blues però no soc només blues. Puc ser blues però puc fer altres coses i altres estils. Vull expressar-ho tot perquè quan toque vull que la gent balle.” Amb aquest caràcter obert i una facilitat natural per definir el soul com “gràcies” i el blues com “açò és el que ha passat,” W.C. Clark continua oferint concerts amb ànima i qualitat als quasi 71 anys. Una de les sues gires europees el va portar a València al 2005.

W.C. Clark és un testig del canvis pels que ha passat el blues des de que es tocava en clubs segretats fins que els universitaris blancs anaven al barri negre per aprendre i obrir comercialment l’estil. Paga la pena descobrir-lo per tornar a comprovar la inabastable quantitat de artistes únics que ha donat la música negra.

08
Ene
11

B.B. King de Gira

(Article original publicat en la revista Bocabadat, Juliol 2010)

La visita de B.B. King a Espanya ha sigut, sense dubte, un dels esdeveniments musicals de l’any. El llegendari cantant i guitarrista del Mississippi ens ha oferit quatre concerts acompanyat d’una sobresalient banda de vuit músics en el que hem pogut comprovar el seu bon estat de forma als 85 anys. Aprofitem la seua visita per rendir-li un senzill homenatge.

Riley B. King va nàixer el 16 de setembre de 1925 i ha recorregut un llarg camí des de les plantacions d’Ita Bena i les seues primeres gravacions a la radio WDIA de Memphis fins al seu actual estat d’ambaixador mundial del blues. Més de cinquanta àlbums i més de 10.000 concerts amb els que B.B ha intentat fer del blues un estil de vida respectable sense perdre de vista els arrels de pobresa i segregació en les que aquest gènere es forma al sud dels Estats Units.

Però B.B. King mai s’ha aferrat massa a eixe sentit trist de tindre el blues sinó que, al contrari, ha tractat de posar-li un somriure al blues i a la vida. Tampoc el seu so segueix la tradició més crua dels bluesmen del Delta del Mississipi com Son House o Howlin’ Wolf sinó que respon a la fascinació per l’elegància i subtilesa de l’estil elèctric de T-Bone Walker. Així, B.B. va desenvolupar un estil amb swing i presència de vents i piano que encara es pot apreciar als seus concerts actuals.

Agraït pel suport rebut i convençut d’expandir el blues, B.B. King ha compartit escenari i estudi amb infinitat d’estrelles del rock i el pop que han pogut presumir de tocar amb ell. Reconeix que “abans que ells aplegaren era molt difícil fer-se conèixer i que se’ns acceptara” però afirma que “la música és un denominador comú que pot reunir a gent de tots els colors i orígens.”  Convençut de que “encara pot fer coses pel seu compte”, en l’actualitat B.B. compta amb el seu propi canal de radio, amb un museu dedicat al blues i un darrer disc, One Kind Favor (Geffen, 2008), de versions de temes clàssics.

No és gens sorprenent que pense seguir així fins els final perquè per a ell el blues no és un treball, ni un estil sinó una forma de viure.

21
Ago
10

Ximo Tébar: Integrando sonidos en el lenguaje del jazz

(Entrevista publicada en All About Jazz/Interview in English published in All About Jazz)

Ximo Tébar

La labor de Ximo Tébar como músico, productor y director de su propia escuela de música le sitúa como una de las grandes figuras del jazz en Valencia. Además, su música y talento le han otorgado un gran reconocimiento internacional como guitarrista y compositor. Sus habituales colaboraciones con algunos de los mejores músicos del mundo del jazz, la variedad estilística de su discografía y su admirable capacidad de trabajo hacen de Tébar un artista al que vale la pena seguirle la pista.

Sus grabaciones pueden dividirse en dos categorías. Por una parte, Tebar trabaja con formaciones relativamente grandes en discos de jazz fusión donde destaca la importancia de los arreglos y las texturas. Por otra parte, Tébar también se ha centrado en un jazz más ortodoxo, normalmente en trío, donde brilla la interacción entre los músicos así como su impresionante habilidad como solistas.

Su último disco, Celebrating Erik Satie (Omix Records, 2010), está dedicado al compositor de música clásica Erik Satie. De acuerdo con las palabras de Victor L.Shermer para AllAboutJazz.com, “la palabra clave de este disco es ‘jugar’, con las consecuentes implicaciones de humor e ironía -matizadas con tristeza chaplinesca- que caracterizan lo que Tébar y su formación nos ofrecen a partir de Satie.”

Josep Pedro: Comenzaste a tocar a los 7 años, ¿Qué hizo que te decantaras por la guitarra?

Ximo Tébar: Fue una casualidad. Mis padres me regalaron una guitarra buscando un remedio para que dejara de comerme las uñas.

JP: Es indudable que la guitarra ha sido el instrumento central en el desarrollo de estilos como el rock ‘n’ roll pero en el jazz, incluso después de ganarse un hueco como instrumento solista, parece que mantiene una posición secundaria con respecto a los vientos, ¿cómo lo sientes?

XT: Originalmente la guitarra en el jazz ocupaba el lugar de acompañamiento con parte de la base rítmica, pero actualmente ya es un instrumento solista que tiene la particularidad de poder ser utilizado también como parte de la base rítmica, como el piano.

JP: En tu último trabajo, adaptas composiciones de un autor de música clásica. ¿Cómo surgió la idea de adaptar esos temas a un lenguaje jazzístico? ¿Cómo se afronta un reto así?

XT: Me encanta escuchar música clásica, y también estudiarla y analizarla. No soy un especialista del género pero no olvido que la música clásica es la madre del cordero en el ámbito de composición, armonía, orquestación, etc. La música de Erik Satie siempre me ha cautivado, y a raíz de una propuesta que me hizo el Instituto Valenciano de la Música de hacer un disco y un concierto en el Festival Xàbia Jazz, decidí materializar la idea de grabar la música de Satie en clave de jazz. Una de las cosas que más me gustan es fantasear con la música de otros compositores, versionear, re-armonizar, darles otro aire, hacer arreglos, producir, etc.

Portada de Celebrating Erik Satie

JP: Sobre Erik Satie se leen varias cosas que tienden a repetirse: la dificultad de clasificar su música y su carácter singular. ¿Qué le distingue de otros autores?

XT: Bueno, parece ser que era un tipo muy peculiar. Su personalidad transcendió mas allá de su propia música convirtiéndose en un referente intelectual de su época. Tanto en el ámbito personal como musical era muy excéntrico, transgresor y atrevido. El reto y el objetivo que he buscado con la realización del proyecto “Celebrating Erik Satie” ha sido el de transmitir a través de la música una visión de la obra de Satie basada en las características de su personalidad: riesgo, atrevimiento, osadía, vanguardia, fusión, libertad…, es decir su visión del mundo.

JP: La historia sitúa el nacimiento del jazz en el sur de EE.UU., en ciudades como Nueva Orleans. En el disco estás adaptando composiciones de música clásica de un autor de finales del siglo XIX y principio del XX. ¿Cómo se entiende esta dualidad en la música (popular) negra y la música clásica europea (tradicionalmente más elitista)?

XT: En mi opinión, hoy en día la música ya no se clasifica en géneros, estilos, lugares, etc. Cualquier idea creativa nace de la influencia y el conocimiento global e histórico de todas las músicas existentes en el planeta, desde Bach hasta Herbie Hankock pasando por Bob Marley, Los Beatles, Louis Armstrong, Schonberg, Coltrane, Mozart, Camaron, Paco de Lucía … El reto está en intentar canalizar todas esas influencias desde tu propia óptica y tu propia creatividad. Es apasionante.

JP: ¿De dónde toma su inspiración el jazz en la actualidad?

XT: De todas las musicas y culturas.

JP: Como músico y productor implicado, ¿Cuáles crees que son las posibilidades de crear una escena de jazz local fuerte en Valencia? ¿Qué caminos hay que seguir?

XT: La formación desde pequeños, en la escuela. No solo para el jazz, sino para la música en general. La música debería ser una asignatura obligada en la escuela primaria porque en ella van implícitas muchas cosas que ayudan a la formación y los valores del individuo: disciplina, estudio, trabajo en grupo, superación, concentración, improvisación, creatividad, etc.

Portada de Ximo Tebar Goes Blue

JP: Musicalmente has repasado estilos muy distintos en discos como Ximo Tebar Goes BlueSon Mediterráneo y ahora Celebrating Erik Satie, por citar unos pocos. Existen artistas que escogen su estilo y se centran exclusivamente en él. En tu caso, ¿por qué esta variedad estilística?

XT: Porque me gustan muchos tipos de música, y en cada época me apetece hacer algo diferente.

JP: Un rasgo común a lo largo de tu discografía es la presencia del órgano donde has contado con la participación de grandes músicos como Lou Bennet, Dr. Lonnie Smith o Joey DeFrancesco. ¿Qué aporta ese sonido a diferencia del piano?

XT: Una de las formaciones standards en el ámbito del jazz es el trio de órgano, guitarra y batería. Yo tengo la suerte de poder trabajar asiduamente con los mejores organistas de jazz del mundo. Esta suerte se la debo a Lou Bennet con el que trabaje como director musical de su trío durante diez años haciendo giras y grabaciones por todo el mundo. Gracias a esta colaboración también tuve la oportunidad de compartir escenario y hacer solidas relaciones con músicos de jazz históricos como Benny Golson, Johnny Griffin, George Benson, etc.

JP: Has tocado con una gran cantidad de músicos reputados como Johnny Griffin, Lou Donaldson, Benny Golson, Anthony Jackson, Tete Montoliu… ¿Guardas al algún recuerdo favorito que quieras compartir?

Ximo Tébar con Ray Charles y Dr. Lonnie Smith

XT: Gracias todas las giras, conciertos, grabaciones y convivencia con ellos en los ensayos y en los viajes (horas y horas de avión o de coche) he podido vivir y beber de la fuente original el preciado elixir del verdadero jazz y el blues. Jamas me han dado una clase de música.

JP: Hace apenas un mes estuviste tocando con Raimundo Amador a las puertas del IVAM. ¿Qué tal fue la experiencia? ¿Cómo ensayasteis los temas para el concierto?

XT: Raimundo es un músico integral. Aprendo mucho conviviendo y tocando con él. Es una gran persona y muy implicada con la música y los valores que representa. Con Raimundo, así como con otros grandes músicos no hace falta ensayar para subir a un escenario. Subimos al escenario a tocar y en ese momento se construye algo precioso e interesante. Eso es lo que es, en mi opinión, la grandeza y la definición del jazz; la capacidad de crear en función de lo que pasa en el momento.

JP: Después de leer numerosos titulares y artículos, tanto en prensa nacional como internacional, parece que disfrutas de una posición de respeto y prestigio entre compañeros, colegas y críticos. ¿Cuáles son tus próximas metas? ¿Qué objetivos te planteas?

XT: Llevo muchos años en esto, estudiando, haciendo conciertos, colaborando en proyectos, grabando mis discos o produciendo discos de otros artistas, me apasiona crear proyectos nuevos y fijarme metas y objetivos. Actualmente estoy dedicado a un proyecto muy interesante y novedoso que estamos desarrollando en el IVAM. Se trata de una interesante iniciativa del Instituto Valenciano de Arte Moderno, que promueve un proyecto de creación y experimentación en torno a la música de jazz de forma continuada como parte integrada de las actividades paralelas del museo, ampliando de esta forma su oferta cultural y abriéndose a otras disciplinas como la música de jazz de vanguardia. Mi objetivo es poder seguir trabajando y me encantaría colaborar a que la ciudad de Valencia se consolide como un referente cultural por su innovación y modernidad, y también a facilitar, a través de la música, la integración de los nuevos colectivos sociales provenientes de otras culturas apostando por la interculturalidad.




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