Archive for the 'Jazz' Category

28
Mar
11

Wynton Kelly: el pianista de ensueño

“Me encantaba la forma en que tocaba Wynton Kelly porque era la combinación de Red Garland y Bill Evans; podía tocarlo casi todo. Además, podía tocar acompañando al solista como un cabronazo. Cannonball y Trane lo querían, y yo también.”

(Miles Davis)

Wynton Kelly, clásico y moderno

Puede que el nombre de Wynton Kelly no sea tan conocido como el de otros grandes pianistas de Jazz como Thelonious Monk o Bill Evans pero sin duda se ganó un hueco en la historia del Jazz moderno y el Rhythm & Blues. Kelly tocó con todos, desde Billie Holiday a King Curtis, pasando por Lester Young, Dizzy Gillespie, Miles Davis, John Coltrane, Lee Morgan, Wes Montgomery, Wayne Shorter y Dinah Washington entre tantísimos más.  Kelly es ese pianista increíble que toca y deleita siempre, el que escuchas en tus discos preferidos. Es un salvavidas, el hombre que cualquiera quiere tener en su grupo, la perfecta combinación rítmica y solista. Se puede descubrir el jazz moderno siguiendo la discografía de Wynton Kelly porque los años 50 y 60 no se pueden entender sin su omnipresencia en grabaciones de Blue Note, Columbia, Vee-Jay, Riverside, Verve…

Wynton nació en Jamaica en 1931 y cuando tenía 4 años su familia se mudó a Brooklyn, donde empezó su interés por el piano.  Debutó profesionalmente en 1943 con 11 o 12 años y dio sus primeros pasos en las increíbles bandas de Rhythm and Blues del momento: las del trompetista Hot Lips Page, el saxofonista y cantante Eddie “Cleanhead” Vinson y el saxofonista Eddie “Lockjaw” Davis además de con los Three Blazers de Johnny Moore, hermano de Oscar Moore, guitarrista de Nat King Cole. A partir de ahí, el Blues siempre fue uno de los principales ingredientes del estilo de Wynton Kelly que destacó por su increíble sentido del swing.

Después de trabajar con músicos como J.J. Johnson, Roy Haynes y Sonny Rollins, el primer punto de inflexión de su carrera llegó en 1951 cuando empezó a acompañar a Dinah Washington, con quien mantuvo una relación. Ese mismo año, a sus 19 años, grabó “Piano Interpretations”, su debut como líder en Blue Note. A lo largo del 52 Wynton giró con los combos de Lester Young y Dizzy Gillespie, acudió al servicio militar del 52 al 54 y volvió para tocar con Dinah Washington, Charles Mingus y Gillespie. Siguió creciendo a lo largo de los 50 convirtiéndose en el pianista todo terreno de la década. Para entonces ya se había convertido en uno de los pianistas más demandados. Su sonido ligero, versátil y con esa magnífica combinación de Blues, Bop y Swing es una muestra del estilo Hard Bop del momento.

De todas las sesiones que hizo, Wynton es especialmente recordado por su participación en Kind of Blue (Columbia, 1959), disco mítico en el que sustituyó a Bill Evans en el segundo tema “Freddie Freeloader”, dejando su genuina impronta. Después de trabajar con Miles en varios discos, formó su propio trío junto al bajista Paul Chambers y el batería Jimmy Cobb, ambos compañeros en formaciones de Miles. Esta vez fue Wes Montgomery quien se unió al trío, dando como resultado tres discos, dos directos en el Half Note de Nueva York y uno de estudio con Verve. El Wynton Kelly Trio, con Cecil McBee y Ron McClure, siguió en activo hasta el 71 cuando Kelly murió,  tras un ataque epiléptico, a los 39 años.

03
Feb
11

Ornette Coleman

(Article original publicat a Bocabadat)

Ornette Coleman, principal creador del free jazz

Renovador total i polèmic mult-instrumentista, Ornette Coleman és considerat el principal responsable de la creació del Free Jazz. Fou una nova forma de jazz, idealment lliberada de tota restricció, on la interacció entre els músics exigia el màxim. Alhora, el Free Jazz es va associar als moviments de Nacionalisme Negre. Mentres el Free Jazz era rebutjat per una gran part de la comunitat del jazz, critics com Amiri Baraka el veien com una verdadera expressió del seu temps.

Ornette Coleman va nàixer en Fort Worth, Texas i va créixer tocant en bandes de rhythm & blues. Per a la sorpresa de líders com Lowell Fulson, Ornette començà a experimentar com a solista sobre la tradicional progressió de blues.  Limitat pel conservadurisme Texà, Ornette es traslladà primer a Los Angeles i després a Nova York. Ornette va entrar en contacte amb músics com Don Cherry, Charlie Haden i Billy Higgins amb els que publicà “A Shape of Jazz To Come” en 1959. “Lonely Woman” es va convertir en un dels èxits d’un disc anunciava una nova era per al jazz. Un any després, Ornette gravà l’àlbum “Free Jazz”, un sol tall de 37 minuts darrere d’un quadre de Pollock.

Pero la trajectòria d’Ornette no es llimita als anys 60, quan molts tractaren de soterrar-lo sino que continúa avui. Ornette segueix tocant als 80 anys, aplaudit arreu del món, amb reconeixements i premis de sobra, però sabent que potser el seu gran moment ja va passar.

27
Ene
11

Eddie Vinson: They call me Mr.Cleanhead

(Article original publicat a Bocabadat)

Mr. Cleanhead

L’ inabarcable nombre de bluesmen que la población negra donà des del sur dels Estats Units fa que sovint es quedem en la linia superficial d’aquells que han conseguit un major èxit comercial. Un dels gegants que no gaudeix de la merescuda repercusió és Eddie “Cleanhead” Vinson. Nascut a Houston, Texas el 18 de desembre de 1917, el polifacètic Vinson combina blues, boogie R&B, swing i bebop amb total solvència. Una vegada més, els músics que tracten lliurement les distintes vesants de la música negra no són tant fàcils de categoritzar com les etiquetes de la industria voldrien.

Com a cantant, Eddie és un clar representant de la tradició surenya del blues i es diu que l’estil vocal del guitarrista Big Bill Broonzy va ser el que més el va influenciar. Com a saxofonista, Eddie va creixer amb les habituals formacions de blues texanes que incluien instruments de vent. Va marxar a Nova York a l’any 42 per tocar en l’orquesta de Cootie Williams on va guanyar notorietat cantant cançons com “Cherry Red”. Pronte, va poder formar la seua pròpia banda quan, inevitablement, el seu saxo alt va caure baix la influencia del Bebop de Charlie Parker. Va ser durant aquest periode quan Vinson va gravar alguns dels seus clàssics, “Old Maid Boogie”, “Cleanhead Blues” i “Kidney Stew Blues” entre d’altres.  Per aquella banda va pasar un jove John Coltrane.

Eddie va tornar a Houston durant un temps, va treballar amb Count Basie i amb Johnny Otis i, en 1961, un dels grans saxofonistes de jazz del moment el va cridar per produir-li un disc. El també saxofonista alt Julian “Cannonball” Adderley, famós per la participació en Kind Of Blue (Columbia, 1959) i per la seua predilecció pel R&B, va recrutar a Eddie per gravar Cleanhead & Cannonball (Milestone, 1961). Va ser Cannonball qui li va oferir a un dels seus idols la oportunitat de gravar un nou disc, cosa que Cleanhead feia anys que no podia fer, on el seu quintet –l’avantguarda del soul jazz del moment- l’acompanyaria amb respecte i qualitat.

21
Ago
10

Ximo Tébar: Integrando sonidos en el lenguaje del jazz

(Entrevista publicada en All About Jazz/Interview in English published in All About Jazz)

Ximo Tébar

La labor de Ximo Tébar como músico, productor y director de su propia escuela de música le sitúa como una de las grandes figuras del jazz en Valencia. Además, su música y talento le han otorgado un gran reconocimiento internacional como guitarrista y compositor. Sus habituales colaboraciones con algunos de los mejores músicos del mundo del jazz, la variedad estilística de su discografía y su admirable capacidad de trabajo hacen de Tébar un artista al que vale la pena seguirle la pista.

Sus grabaciones pueden dividirse en dos categorías. Por una parte, Tebar trabaja con formaciones relativamente grandes en discos de jazz fusión donde destaca la importancia de los arreglos y las texturas. Por otra parte, Tébar también se ha centrado en un jazz más ortodoxo, normalmente en trío, donde brilla la interacción entre los músicos así como su impresionante habilidad como solistas.

Su último disco, Celebrating Erik Satie (Omix Records, 2010), está dedicado al compositor de música clásica Erik Satie. De acuerdo con las palabras de Victor L.Shermer para AllAboutJazz.com, “la palabra clave de este disco es ‘jugar’, con las consecuentes implicaciones de humor e ironía -matizadas con tristeza chaplinesca- que caracterizan lo que Tébar y su formación nos ofrecen a partir de Satie.”

Josep Pedro: Comenzaste a tocar a los 7 años, ¿Qué hizo que te decantaras por la guitarra?

Ximo Tébar: Fue una casualidad. Mis padres me regalaron una guitarra buscando un remedio para que dejara de comerme las uñas.

JP: Es indudable que la guitarra ha sido el instrumento central en el desarrollo de estilos como el rock ‘n’ roll pero en el jazz, incluso después de ganarse un hueco como instrumento solista, parece que mantiene una posición secundaria con respecto a los vientos, ¿cómo lo sientes?

XT: Originalmente la guitarra en el jazz ocupaba el lugar de acompañamiento con parte de la base rítmica, pero actualmente ya es un instrumento solista que tiene la particularidad de poder ser utilizado también como parte de la base rítmica, como el piano.

JP: En tu último trabajo, adaptas composiciones de un autor de música clásica. ¿Cómo surgió la idea de adaptar esos temas a un lenguaje jazzístico? ¿Cómo se afronta un reto así?

XT: Me encanta escuchar música clásica, y también estudiarla y analizarla. No soy un especialista del género pero no olvido que la música clásica es la madre del cordero en el ámbito de composición, armonía, orquestación, etc. La música de Erik Satie siempre me ha cautivado, y a raíz de una propuesta que me hizo el Instituto Valenciano de la Música de hacer un disco y un concierto en el Festival Xàbia Jazz, decidí materializar la idea de grabar la música de Satie en clave de jazz. Una de las cosas que más me gustan es fantasear con la música de otros compositores, versionear, re-armonizar, darles otro aire, hacer arreglos, producir, etc.

Portada de Celebrating Erik Satie

JP: Sobre Erik Satie se leen varias cosas que tienden a repetirse: la dificultad de clasificar su música y su carácter singular. ¿Qué le distingue de otros autores?

XT: Bueno, parece ser que era un tipo muy peculiar. Su personalidad transcendió mas allá de su propia música convirtiéndose en un referente intelectual de su época. Tanto en el ámbito personal como musical era muy excéntrico, transgresor y atrevido. El reto y el objetivo que he buscado con la realización del proyecto “Celebrating Erik Satie” ha sido el de transmitir a través de la música una visión de la obra de Satie basada en las características de su personalidad: riesgo, atrevimiento, osadía, vanguardia, fusión, libertad…, es decir su visión del mundo.

JP: La historia sitúa el nacimiento del jazz en el sur de EE.UU., en ciudades como Nueva Orleans. En el disco estás adaptando composiciones de música clásica de un autor de finales del siglo XIX y principio del XX. ¿Cómo se entiende esta dualidad en la música (popular) negra y la música clásica europea (tradicionalmente más elitista)?

XT: En mi opinión, hoy en día la música ya no se clasifica en géneros, estilos, lugares, etc. Cualquier idea creativa nace de la influencia y el conocimiento global e histórico de todas las músicas existentes en el planeta, desde Bach hasta Herbie Hankock pasando por Bob Marley, Los Beatles, Louis Armstrong, Schonberg, Coltrane, Mozart, Camaron, Paco de Lucía … El reto está en intentar canalizar todas esas influencias desde tu propia óptica y tu propia creatividad. Es apasionante.

JP: ¿De dónde toma su inspiración el jazz en la actualidad?

XT: De todas las musicas y culturas.

JP: Como músico y productor implicado, ¿Cuáles crees que son las posibilidades de crear una escena de jazz local fuerte en Valencia? ¿Qué caminos hay que seguir?

XT: La formación desde pequeños, en la escuela. No solo para el jazz, sino para la música en general. La música debería ser una asignatura obligada en la escuela primaria porque en ella van implícitas muchas cosas que ayudan a la formación y los valores del individuo: disciplina, estudio, trabajo en grupo, superación, concentración, improvisación, creatividad, etc.

Portada de Ximo Tebar Goes Blue

JP: Musicalmente has repasado estilos muy distintos en discos como Ximo Tebar Goes BlueSon Mediterráneo y ahora Celebrating Erik Satie, por citar unos pocos. Existen artistas que escogen su estilo y se centran exclusivamente en él. En tu caso, ¿por qué esta variedad estilística?

XT: Porque me gustan muchos tipos de música, y en cada época me apetece hacer algo diferente.

JP: Un rasgo común a lo largo de tu discografía es la presencia del órgano donde has contado con la participación de grandes músicos como Lou Bennet, Dr. Lonnie Smith o Joey DeFrancesco. ¿Qué aporta ese sonido a diferencia del piano?

XT: Una de las formaciones standards en el ámbito del jazz es el trio de órgano, guitarra y batería. Yo tengo la suerte de poder trabajar asiduamente con los mejores organistas de jazz del mundo. Esta suerte se la debo a Lou Bennet con el que trabaje como director musical de su trío durante diez años haciendo giras y grabaciones por todo el mundo. Gracias a esta colaboración también tuve la oportunidad de compartir escenario y hacer solidas relaciones con músicos de jazz históricos como Benny Golson, Johnny Griffin, George Benson, etc.

JP: Has tocado con una gran cantidad de músicos reputados como Johnny Griffin, Lou Donaldson, Benny Golson, Anthony Jackson, Tete Montoliu… ¿Guardas al algún recuerdo favorito que quieras compartir?

Ximo Tébar con Ray Charles y Dr. Lonnie Smith

XT: Gracias todas las giras, conciertos, grabaciones y convivencia con ellos en los ensayos y en los viajes (horas y horas de avión o de coche) he podido vivir y beber de la fuente original el preciado elixir del verdadero jazz y el blues. Jamas me han dado una clase de música.

JP: Hace apenas un mes estuviste tocando con Raimundo Amador a las puertas del IVAM. ¿Qué tal fue la experiencia? ¿Cómo ensayasteis los temas para el concierto?

XT: Raimundo es un músico integral. Aprendo mucho conviviendo y tocando con él. Es una gran persona y muy implicada con la música y los valores que representa. Con Raimundo, así como con otros grandes músicos no hace falta ensayar para subir a un escenario. Subimos al escenario a tocar y en ese momento se construye algo precioso e interesante. Eso es lo que es, en mi opinión, la grandeza y la definición del jazz; la capacidad de crear en función de lo que pasa en el momento.

JP: Después de leer numerosos titulares y artículos, tanto en prensa nacional como internacional, parece que disfrutas de una posición de respeto y prestigio entre compañeros, colegas y críticos. ¿Cuáles son tus próximas metas? ¿Qué objetivos te planteas?

XT: Llevo muchos años en esto, estudiando, haciendo conciertos, colaborando en proyectos, grabando mis discos o produciendo discos de otros artistas, me apasiona crear proyectos nuevos y fijarme metas y objetivos. Actualmente estoy dedicado a un proyecto muy interesante y novedoso que estamos desarrollando en el IVAM. Se trata de una interesante iniciativa del Instituto Valenciano de Arte Moderno, que promueve un proyecto de creación y experimentación en torno a la música de jazz de forma continuada como parte integrada de las actividades paralelas del museo, ampliando de esta forma su oferta cultural y abriéndose a otras disciplinas como la música de jazz de vanguardia. Mi objetivo es poder seguir trabajando y me encantaría colaborar a que la ciudad de Valencia se consolide como un referente cultural por su innovación y modernidad, y también a facilitar, a través de la música, la integración de los nuevos colectivos sociales provenientes de otras culturas apostando por la interculturalidad.

07
Jun
10

Tiempo de Jazz

Os presentamos la cabecera de un programa ficticio que hemos titulado Tiempo de Jazz.

21
May
10

The Reverend Horton Heat en concierto

Lugar Sala Mirror (VLC) Fecha 7/04/10 Estilo Country-fed punkabilly  Aforo Medio Valoración *****

La primera visita de Reverend Horton Heat a Valencia nos dejó un concierto sobresaliente. El trío de Dallas, Texas atacó con fuerza un espectáculo de ímpetu, crudeza y sentido del humor. Entramos en calor con algunas de sus canciones más punk para después disfrutar con rock ‘n’ roll, detalles de psycho e historias country deudoras del movimiento outlaw. Historias ácidas, bajos cabalgantes, sonidos del oeste y una sobrada capacidad para controlar las dinámicas de intensidad. The Reverend Horton Heat demostraron ser un grupo bien engrasado en el que todos actúan por el bien del conjunto y de las canciones. Presentaron canciones de su último trabajo (Laughin’ and Cryin’) como “Drinkin’ and smokin’ cigarettes”, “Rural point of view” o “Death metal guys”, las combinaron con sus clásicos y con una versión de perfecta “Folsom Prison Blues”. Además, destacó la violencia de “400 bucks” y el swing de “The Devil’s Chasing Me” dónde, por momentos, sonaron como un trío de jazz. Hacia el final, el grupo se fue presentando de uno en uno para que todos tuvieran su momento de reconocimiento y aplauso. El grupo se marchó a lo grande tras una lección sobre la manera de encarar la tradición musical; conócela y moldéala a tu gusto, sin complejos.

Crónica Reverend Horton Heat (Mondo Sonoro Abril 2010)

Crónica publicada en Mondo Sonoro (Comunidad Valenciana, Mayo 2010)

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“Hay algo de verdad en cada canción de Reverend Horton Heat” (Entrevista con The Reverend Horton Heat)

Stevie Ray Vaughan revisitando el blues

Janis Joplin & The Big Brother Holding Company

Janis Joplin y la “Kozmic Blues Band”

12
May
10

Laura B & The Moonlighters – Jump and Shout

Portada del disco

El debut de Laura B & the Moonlighters promete mucha calidad para los amantes del rhythm & blues y el swing. Formación con piano y sección de vientos liderada por la fantástica voz de Laura B.

Producido por El Toro Records, Jump and shout es un homenaje al auténtico rhythm & blues de los años 40 y 50 y a infinidad de artistas como Ruth Brown, LaVern Baker, Big Maybelle, Big Mama Thornton, Louis Jordan o Big Joe Turner. Aquellas formaciones de entre 5 y 10 músicos estaban marcadas por la influencia del swing pero tenían ya la fuerza del rock ‘n’ roll que tardaría todavía unos años en institucionalizarse.

Laura B and The Moonlighters no se quedan en mera imitación sino que muestran un dominio total de estilos, una excelente compenetración de grupo y mucho feeling como solistas. El repertorio está formado íntegramente por versiones que incluyen algunos temas conocidos como whole lotta shakin’ going on, popularizada por Jerry Lee Lewis, down by the river o elevator boogie. Destacan además, canciones como As long as I’m moving, beer bottle boogie con un inspirado piano y jump and shout, que con guiños a C-jam blues de Duke Ellington y basada en la llamada-respuesta pone en escena todas las virtudes de la banda. También hay espacio para temas lentos como Then you can tell me goodbye, donde Laura B canta respaldada por el sonido del órgano, ejercicios de scat en la inicial No Mama No Papa, ritmos latinos y garra en That’s a pretty good love y el equilibrio elegante de Act Right.

El grupo, todavía por conocer aquí en España, está sonando con fuerza en la escena underground inglesa. Se les compara con Imelda May, y aunque estén haciendo música distinta con personalidad propia, ambas son una muestra de que los sonidos añejos vuelven con fuerza. Bienvenidos sean si están hechos con cuidado y acierto y contribuyen al reconocimiento histórico de los artistas de los que parten.

Artículo publicado en Todas las Novedades




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