Archive for the 'Rock' Category

04
Sep
11

Playing for Change: Música y buenas intenciones

Grandpa Elliot al frente de la gira de Playing for Change

Entrevista publicada en Efe Eme

Seis años después del espectacular éxito mundial de su versión de ‘Stand by me’, Playing for Change sigue su camino con más fuerza que nunca. Con la idea de cambiar el mundo a través de la música, esta reunión de músicos callejeros y anónimos sigue su cruzada combinando la publicación de conmovedores vídeos y nueva discografía con la labor de la Playing for Change Foundation, organización sin ánimo de lucro impulsora de nuevas escuelas de música y arte en África.

La iniciativa multimedia del productor estadounidense Mark Johnson ha vuelto a nuestro país con cuatro actuaciones para ilusionar y estar cerca de la gente. Encabezada por el célebre músico de Nueva Orleans Grandpa Elliot, la banda emocionó con himnos como ‘One love’, ‘A change is gonna come’, ‘Let it shine’, ‘Stand by me’ o ‘Amazing grace’. En consonancia con su espíritu grupal, me atienden el ideólogo Mark Johnson y seis miembros del grupo (Grandpa Elliot, Mohammed Alidu, Jason Tamba, Peter Bunetta, Titi Tsira, Robert Luti) que van tomando la palabra.

¿Cómo está yendo la gira?
Grandpa Elliot:
Está siendo fantástica. Soy un hombre mayor pero todavía me encanta y no me canso porque los jóvenes me empujan [risas].
Mark Johnson: Si el jefe dice que la gira va bien, la gira va bien. Los demás solo nos sentimos afortunados por estar aquí.

¿Qué poder tiene la cultura para cambiar el mundo?
Mohammed Alidu:
Soy del norte de Ghana, de un pueblo con mucha pobreza [Bizung, Tamale]. Nunca han podido tener lo necesario para ir al colegio, ni aprender música con papel, instrumentos y cosas así. Pero ahora la fundación Playing for Change ha abierto una escuela de música en Ghana que ya ha cambiado mucho las cosas para nosotros. Veo a los niños muy contentos y poniendo muchísima energía en el colegio. Hay alrededor de 160 estudiantes y es increíble. Esto está provocando muchos cambios no solo para la música sino para la vida y el futuro de las generaciones más jóvenes.

¿Qué relación guardan las grandes ventajas del cambio tecnológico con las experiencias de vuestra vida musical?
GE:
Cuando tenía seis años mi madre ya me llevaba a los desfiles en el Barrio Francés. Luego empecé a juntar grupos para tocar allí. Aquello era estupendo y sabía que estaba haciendo algo bueno. Ahora para mí esto de aquí es más grande que la vida porque siempre he querido viajar. Fui a Nueva York y estuvo bien pero no fue bastante. Quería viajar más alrededor del mundo, pero no tenía ni el tiempo ni el dinero. Estos tíos realmente han cambiado mi vida al llevarme a tantos lugares. Es la primera vez que estoy aquí pero ya he empezado a amar a la gente.

Durante mucho tiempo se ha identificado la cultura con la producción industrial pero en los últimos años han ido apareciendo diversas fracturas. ¿Cómo ha cambiado la manera tradicional de funcionar para los músicos?
MJ:
Peter [Bunetta] y yo producimos discos en Estados Unidos. Es un productor alucinante además de ser nuestro batería. Pero cuando hablas de música tradicional, estos tipos [Mohammed Alidu, Jason Tamba, Titi Tsira…] vienen de un lugar donde ésta forma parte de la vida. Es como el agua. Tocan música para el alma, la vida, y como una forma de celebración; no por el dinero. Tradicionalmente, el dinero no ha sido la razón por la que la gente ha tocado música solo que ha ido transformándose en eso a lo largo del tiempo. Nosotros tratamos de devolverla al lugar que le corresponde haciendo música por el pueblo para el pueblo.
GE: No hay cosa que me guste más que escuchar a otros músicos decir que les gustaría formar parte pero hay muchos más de los que un escenario puede aguantar. Lo bueno es que estamos haciendo muchas cosas positivas. Estamos construyendo escuelas, ayudando a la gente a lo grande. Eso es lo que me gusta hacer y estoy con gente a la que le encanta ayudar a la gente por todo el mundo.

¿Qué relación tiene África con la historia de la música popular mundial?
Jason Tamba:
Si traigo un ritmo africano, otros músicos como Roberto [Luti], que es italiano, y Peter [Bunetta], que es estadounidense, le van a dar su propio sentido. Están poniendo su sentimiento en la canción de manera que todo el mundo lo puede entender. Puedo tocar una canción realmente africana y Peter y Roberto la tocarán de la manera en la que ellos la oyen. Luego Titi también añadirá su propio toque. Este tipo de libertad hace que todo el mundo disfrute.
Peter Bunetta: Es lo mismo que ocurre al hablar con las palabras. Cada uno está hablando inglés con su propio acento y al hacerlo aporta su propio sabor a la lengua. Así que cuando Jason toca una canción de Congo, Titi una de Sudáfrica, o Mohammed una de Ghana, cada uno aporta su propio acento. Hablamos la misma lengua pero la mezcla de sabores le da un equilibrio internacional.
Titi Tsira: Se convierte en una canción mundial. Por eso le llaman world music, porque incluye todo. En el repertorio de Playing for Change tenemos un montón de estilos distintos: afro pop, blues, funk… Es el mensaje de las propias canciones lo que marca la diferencia.

¿Qué importancia creéis que se le da al hecho de que la mayoría de músicos involucrados no sean artistas inicialmente reconocidos a nivel mundial?
MJ:
La buena música y el arte están por todas partes, no solo en la radio, en conciertos famosos o en la televisión. Este mundo está lleno de músicos increíbles. Nunca ha habido solo estrellas tocando. La gente siempre ha tocado música por todas partes así que quizás esto le dé un poco más de énfasis para que el mundo recuerde esta idea.
Por otra parte, creo que contribuye a cambiar el significado de lo que la gente percibe como el éxito. Si tu intención es tocar música y lo haces, como Grandpa Elliot, todos los días durante sesenta años pase lo que pase para cantarle a la gente, eso es para mí el éxito. Eso es exactamente lo que estás destinado a hacer, no cambiarlo todo por la imagen, o intentar ser famoso cantando sobre cosas que no importan para ganar dinero. No hay filtro con esta música y estos músicos. Lo hacen desde el corazón hacia el corazón del oyente a través de una línea de comunicación directa. Creo que es importante que la gente recuerde eso.

¿Creéis que esa es la clave de la gran identificación generada?
PB:
Creo que les da la esperanza de saber que pueden suceder cosas sin que una gran corporación te contrate. Ahora todo el mundo puede ser visto por los demás y descubrirse unos a otros a través de internet sea Playing for Change o un joven tocando la guitarra en Rusia. Todos podemos encontrarle, y él nos puede encontrar a nosotros. Hemos abierto la forma de comunicación más extensa de la historia. Playing for Change, la idea de Mark, ha sido una de las primeras piezas musicales con un propósito, y el propósito le ha dado ilusión a la gente. En esa ilusión han surgido músicos que han sido descubiertos por el resto del mundo como Grandpa Elliot, Clarence Bekker, Titi, Mermans, Jason, Roberto…

¿Relacionáis Playing for Change con algún otro movimiento social del pasado o del presente?
MJ:
Creo que cualquier movimiento social positivo está conectado con otros movimientos sociales positivos. La intención de lograr colectivamente hacer del mundo un lugar mejor no es nueva. Ha estado presente durante mucho tiempo y nosotros sencillamente somos una parte de esa corriente.

¿Cómo ha cambiado Playing for Change el entendimiento de vuestra ciudad?
GE:
La gente lo ha acogido muy bien y ahora me quieren más, y yo les quiero más. Por supuesto, con el Katrina la ciudad quedó sumida en la pena pero es lo que dicen: “te caes y vuelves a levantarte”. Nueva Orleans se está levantando aunque siguen sucediendo tragedias por todo el mundo. Nos caemos para volver a levantarnos. Eso es el blues. Cuando algo malo ocurre, las personas tenemos el blues y nos hace querer escribir y cantar sobre ello. La mayoría del blues vino de ahí.

¿Qué opináis sobre la serie de HBO “Treme”, centrada en Nueva Orleans?
GE:
Creo que es muy, muy bueno. Oí hablar de ello cuando estaba sentado en la esquina donde acostumbro a tocar cuando no estoy con Playing for Change. Cuando toca irse a casa a relajarse voy al lugar donde fui descubierto, la esquina de la calle Royal con Toulouse. Mucha gente habla sobre “Treme”. Siendo ciego, me lo cuentan y aunque no creo que llegué nunca a verlo sí lo escucho y lo imagino a mi manera. Nunca hemos tenido algo así en Nueva Orleans. Deseaba que algo así pasara pero lo primero que me pasó fue que Mark Johnson vino a mí con su ordenador.
PB: “Treme” ha sido fantástica para muchos músicos de Nueva Orleans de los que mucha gente nunca había oído hablar. Ha dado trabajo a grandes músicos que el mundo no conocía.
MJ: Cada país tiene lugares mágicos, y con magia musical. En EE.UU. ese lugar es Nueva Orleans así que es fantástico que gente de distintas partes del mundo conozca un poco más la magia de la ciudad. Creo que es hermoso, sobre todo con la recuperación después del huracán y todo lo que trajo consigo. Cuanto más Nueva Orleans haya en el mundo mejor.

¿Cómo se mantiene Playing for Change cerca de la gente?
MJ:
Bueno, no creo que pueda existir sino es en contacto con la gente. Este proyecto se basa en la idea de hacer cosas colectivamente. Es música basada en el alma y el corazón… esas cosas siempre van a estar cerca de la gente. Es lo que necesitamos para vivir.
PB: Una vez está ahí fuera, está en nuestro tejido cultural. Aunque hayan pasado los años la gente sigue descubriéndolo a través de internet. Mantenerlo fresco es apasionarse con cada nueva canción y nuevo lugar. Acaban de empezar una canción nueva en Marruecos que quizás esté terminada el año que viene. La rueda nunca deja de girar, nunca aparca a un lado de la calzada. Se mantiene en movimiento en esta autopista de redes sociales para que la gente acuda y siga con ello.
MJ: Siempre decimos “un corazón y una canción al mismo tiempo”. Puede que sea una persona que ve a Grandpa en la calle, alguien que venga al concierto esta noche, o un millón de visitas en Youtube. Sigue siendo un corazón y una canción, aunque puede haber muchos en un día y menos al día siguiente.

¿Hasta dónde puede llegar Playing for Change?
GE:
No creo que esto vaya a parar nunca. Va a ser hoy y para siempre. Estamos contentos de estar aquí y de enseñarle a la gente como somos en persona. Queremos hablar con ellos cuando acabemos. Si nos vieron a través del ordenador esto les maravillará.
MJ:Si quieres conseguir que algo continúe en generaciones venideras, tienes que ser humilde, enseñarles e inspirarles. Al acercarnos a las nuevas generaciones con iniciativas y escuelas tan solo estamos empezando el proceso, pero es una buena manera de asegurar que la vida siga cuando ya no estemos. La siguiente generación tomará el relevo.//

21
Mar
11

Young, Zandt y Hood: una aproximación al sur norteamericano

En 1970 el canadiense Neil Young publicó la canción “Southern Man” en su disco “Afer the Gold Rush” (Reprise, 1970). A través de la figura de un hombre sureño, aquella canción relataba las condiciones de racismo del sur americano desde los tiempos de la esclavitud pasando por los linchamientos y quemas para, finalmente, preguntar -en el contexto de la lucha por los derechos civiles- cuánto más. Mezcla de ira e incertidumbre, en “Southern Man” Neil recrea parte de la imaginería más dura para terminar aunando una serie de metáforas visuales en la cabeza del que escucha. “Ví algodón / y ví negro / Altas mansiones blancas / y pequeñas chabolas / Hombre del sur / cuando les pagarás? / Escuché gritos / y el sonido de los látigos / ¿Cuánto más? ¿Cuánto más?”

Dos años más tarde, Neil volvía a retratar el sur, esta vez en la canción “Alabama”, incluida en su album “Harvest” (Reprise, 1972). Alabama fue el estado en el que Rosa Parks se negó a ceder su asiento en el autobús, el que vio como el posterior boicot contra el transporte se convertía en un pequeño triunfo para los afroamericanos, el estado en que cuatro niñas murieron en el bombardeo de una iglesia a manos del Ku Klux Klan (acontecimiento que también contaron Coltrane (“Alabama”) y Nina Simone (Mississippi Goddam)) y uno de los sitios más reacios a acatar el proceso de integración racial. Neil Young habla del peso que Alabama lleva sobre sus hombros y recurre a la metáfora (“Tu Cadillac tiene una rueda en la cuneta y otra en la pista”) para describir un momento de cambio. “¿Qué estás haciendo Alabama? / Tienes al resto de los EE.UU. para ayudarte / ¿Qué está pasando?”, concluía Neil.

Estos dos temas de Young  fueron el punto de partida para uno de los grandes clásicos del rock ‘n’ roll, “Sweet Home Alabama”, incluida en “Second Helping”, segundo álbum de Lynyrd Skynrd. En ella, el grupo originario de Jacksonville, Florida convertía a Alabama en su “dulce hogar”, sacando a relucir el orgullo sureño. Lynyrd Skynyrd dejó un par de recados para Neil Young (“Well I heard Mr. Young sing about her / Well I heard ole Neil put her down / Well I heard I hope Neil Young will remember / A southern man don’t need him around anyhow”), de quien, por otra parte, eran grandes seguidores. Aunque a menudo fue  malinterpretada e incluso apropiada por parte de sectores reaccionarios, el relato que Lynyrd Skynyrd  hizo del sur venía a decir que Alabama, esa tierra soleada de cielo azul, no debía simplemente quedar estigmatizada como racista. “Sweet Home Alabama” es sobre todo una canción sobre la identidad y la dualidad entre norte y sur.

Después de la estrofa dedicada a Neil Young, la canción hace referencia a otros elementos políticos, sociales  y musicales del momento. Primero introduce Birminghan, localidad donde, el quince de septiembre de 1963, tuvo lugar el comentado bombardeo de una iglesia baptista en el que murieron cuatro niñas. De acuerdo con la canción, “en Birmingham quieren al gobernador” (George Wallace) y ellos hicieron lo que pudieron -por cambiar la situación, se entiende. La estrofa continúa con una referencia al caso Watergate, la parte más espinosa y recriminada al grupo. “Ahora el Watergate no me molesta / ¿te molesta a ti tu conciencia? / Di la verdad”. En la última estrofa aparece el célebre estudio Muscle Shoals Sound Studio (situado en Muscle Shoals, Alabama) y los Swampers (Jimmy Johnson, guitarra; Barry Becket, teclado; David Hood, bajo; Roger Hawkins, batería), grupo que acompañó a artistas como Wilson Pickett, Aretha Franklin o las Staple Singers entre otros.

La historia de Neil Young y Lynyrd quedó perfectamente relatada en la canción “Ronnie and Neil” de Drive-By Truckers, incluida en su gran “Southern Rock Opera” (Lost Highway, 2002). Los Truckers ordenan acontecimientos y hablan del racismo en Alabama -incluyendo el caso de la iglesia de Birmingham-, de Wilson Pickett y Aretha Franklin grabando en Muscle Shoals y de la verdad de las canciones de Neil Young para completar una canción en la que Ronnie Van Zandt -vocalista de Lynyrd Sknyrd- y Neil Young (que mantuvieron una relación de respeto y admiración) quedan unidos por su autenticidad. Las referencias a Alabama continuan con los temas “Birmingham” (“ningún hombre debería sentir que no pertenece a Birmingham”), “The Three Great Alabama Icons” y “Wallace”. En ellas Patterson Hood -hijo de David Hood, bajista de los Swampers- habla y canta con su habitual compromiso sobre otra parte de la historia de Birmingham, sobre su idolatrado Ronnie Van Zandt y sobre el desafortunadamente destacado gobernador de Alabama George Wallace. El análisis que merece la obra entera “Southern Rock Opera” lo dejamos para más hacia adelante.

27
Feb
11

Eric Tessmer Band: Incendiando el Blues

(Read the interview in English) Setting the Blues on Fire. Eric Tessmer Band

Entrevista publicada en Todas Las Novedades

Eric Tessmer

Combinando blues, rock y psicodelia, la Eric Tessmer Band se ha afianzado como uno de los grupos que más fuerte suenan en la histórica calle 6 de Austin. En el día de su 29 cumpleaños, Eric Tessmer y el batería Richard Lamm me invitan a pasar al backstage de Antone’s, mítico club de blues por el que han pasado gente como Muddy Waters, Buddy Guy y Stevie Ray Vaughan.

Los conciertos de Eric Tessmer son como un huracán. Mientras la gente baila, la intensidad sigue creciendo. Eric baja del escenario, tocando entre el público, y el bajista sale a la calle para atraer a más gente. Dos tipos sacan a una chica en brazos a tomar el aire. Suena “Taildragger”, “Skin the Rabbit” y “Draw” -temas de su último disco, Green Diamond-, pero también “Voodoo Chile”, “Red House” y “Goin’ Down”. El show termina como un estallido: riffs incendiarios, amplificadores a tope, Eric rompiendo las cuerdas y el wah wah, que sigue resonando en tu cabeza.

Josep Pedro: ¿Qué podemos encontrar en vuestro último trabajo, Green Diamond?

Eric Tessmer: ¡Música fantástica! Bueno, Texas Blues mezclado con psicodelia… ¿Tú qué dirías Richard?

Richard Lamm: La música es indicativa de las influencias de Eric que fueron fundamentalmente Pink Floyd, Stevie Ray Vaughan –aunque todo el mundo odia admitir que Stevie Ray es una influencia. ¿Cómo podría no serlo? Eso es como decir que Hendrix no es una influencia. Es estúpido. Así que Stevie debe ser reconocido. Estos tíos en la calle 6 dicen: “Oh no, no intento sonar como Stevie.” ¿Por qué no ibas a quererlo? – Lo que me encanta sobre tu forma de tocar y tu sonido es que has cogido a Stevie Ray Vaughan, Hendrix y el profundo blues sureño y te has cagado en todo haciéndolo tuyo. Es tan potente que la energía es infecciosa. –

JP: ¿Cómo te sientes al ser comparado con artistas como Hendrix y Stevie Ray Vaughan?

ET: Es muy halagador pero es una gran responsabilidad. Quiero decir, hay un Hendrix y hay un Stevie Ray Vaughan.

RL: Hay un Eric Tessmer

ET: Y un Richard Lamm.

JP: En ambos casos, tuvieron carreras muy cortas pero aquí mismo, en Antone’s, tenemos a Pinetop Perkins, todavía tocando a sus 97 años. ¿Tenéis algún objetivo en ese sentido, o no lo habéis pensado?

ET: Me gustaría tener una carrera larga. No quisiera parecer esnob pero tienes que tener la mentalidad.

JP: Una de las cosas que llaman la atención de Green Diamond es que habéis dividido la canción que da título al disco en tres partes. ¿Cómo surgió la idea? ¿Vino de Pink Floyd?

ET: El hecho de tener distintas partes sí que por influencia de Pink Floyd pero la primera parte está obviamente muy marcada por la influencia del Delta y Country Blues. Como de la vieja escuela. La segunda parte es un alegato en defensa de Pink Floyd. Es como tres canciones de Pink Floyd distintas fundidas en una, así que es como un tributo. Y la tercera reúne todas las influencias. Es muy Hendrix, tiene dos movimientos distintos y es una canción de doce minutos. Así que es donde todo se junta.

RL: Evolución.

JP: Tenéis algunos discos de vuestros principios descatalogados, Last Night at Joe’s and The Eric Tessmer Band LP. ¿Qué pasó?

ET: Hemos dejado de editarlos. Estos discos fueron grabados al principio de mi carrera. Los grabamos a todo volumen, rápido, y borrachos. No quiero que sigan circulando. Hemos tenido fans que preguntan por ellos pero no me vale la pena reorganizarlo todo.

JP: En Green Diamond también hay mucho trabajo de riffs de guitarra. En la canción “Taildragger”, por ejemplo, combinas el riff con la melodía cantada. ¿Cómo llegas a componer nuevas canciones?

ET: Normalmente es algo que escucho en mi cabeza. Luego solo tengo que sacarlo con la guitarra.

RL: La principal influencia que escucho en esa canción es del Delta Blues. Es una influencia sureña, de Luisiana, Mississippi y músicos como Lightnin’ Hopkins. Realmente, el disco es un gran homenaje a mucha gente.

JP: Cuéntame de dónde vinieron todas estas influencias.

ET: Estuve metido en el blues durante mucho tiempo desde que era pequeño. Pero crecí en Wisconsin, en el norte, y crecí con los discos de mi padre y en lo que podía encontrar. Mi padre me crió con Clapton, Hendrix, Pink Floyd, Zeppelin y cosas así. Yo solo lo rastreé hacia atrás, de donde todo vino.

JP: Es complicado crear cosas nuevas hoy en día y, a menudo, ese tampoco es el objetivo, pero al final cada uno intenta transmitir un estilo propio. ¿En qué dirección va el grupo?

RL: Con Green Diamond, el grupo ha solidificado el origen de dónde venimos tanto musical como artísticamente. Supongo que lo siguiente será no una salida pero sí un indicativo único de ETB [Eric Tessmer Band]. Creo que el siguiente disco va ser el que más o menos establezca una separación.

ET: Construir sobre las influencias.

RL: Green Diamond es “aquí está Eric” y ahora, esto es lo que puede pasar. Lo veo todo como una evolución.

JP: En Green Diamond habéis añadido nuevos instrumentos sobre el trío en que tocabais anteriormente.

ET: Sí, para rellenar el sonido. Trae otra dimensión. Todo el disco era con un grupo distinto y este disco lo ha cambiado todo.

Eric Tessmer Band

JP: ¿Qué le decís a todos aquellos que dicen el rock ‘n’ roll ha muerto?

ET: Pienso mucho en la gente cuando dice que el rock ‘n’ roll ha muerto o no es como era antes… ¡Claro que no! ¿Por qué querrías que fuese igual todo el tiempo? Si Muddy Waters fuera el único que pudiera tocar blues, sería bastante aburrido. Tiene que estar evolucionando constantemente. No todos podemos crecer en los campos de algodón. Realmente, no hay nada que puedas decirle a esa gente.

RL: Creo que las grandes corporaciones de la industria de la música no permiten que material verdaderamente artístico salga a la superficie. Porque todo tiene que estar empaquetado y puesto en una estantería donde quepa bien entre una cosa y otra. De esta manera, se pierde mucho arte. Espero que estés ayudando a correr la voz.

John Cougar Mellencamp una vez le preguntó a Chuck Berry: “¿Qué canciones vamos a tocar?” Este le contestó: “¡canciones de Chuck Berry!” Eso sería una Buena respuesta. Eric es un artista tan creativo como cualquier otro.

ET: Tienes ese cruce entre comercio y arte. Si quieres ganarte la vida tocando música, tienes que seguir ese juego para poder vender y poder sacar dinero hasta estar sobre una línea fina.

JP: Austin es llamada la “Capital Mundial de la Música en Vivo”. Tú creciste en Wisconsin y viniste hasta aquí. ¿En qué sentido es Austin distinto a otros sitios?

ET: Donde yo crecí había granjas y vacas. No hay una escena musical allí arriba. La música que yo quería hacer viene de Texas y los músicos a los que escuchaba también. Tenía sentido así que recogí las cosas y me mudé aquí. En cuanto a lo de la “Capital Mundial de la Música en Vivo”, cuando llegué aquí hace diez años la gente me decía: “Tendrías que haber estado aquí hace cinco años” y ahora, cuando la gente se muda aquí, casi me sorprendo diciéndoles: “¡Deberías haber estado aquí hace cinco años!” Está cambiando siempre y creo que si te paras a quejarte no estás aprovechando las oportunidades ni sacando lo mejor de la situación. Quiero decir, podría estar aquí quejándome de que la ciudad use el término “Capital Mundial de la Música en Vivo” para atraer turistas y no apoye a los músicos de la ciudad que se lo están cargando todo a sus espaldas. ¡Pero eso llevaría horas!

JP: ¿Qué puedes contarme de Clifford Antone, fundador de Antone’s y personaje clave en la escena musical de Austin?

ET: Básicamente, Clifford Antone, junto a unos pocos más como Kenneth Threadgill, convirtió a Austin en la capital mundial de la música en vivo por la manera en la que apoyaron la música. Llegué a conocer a Clifford muy bien antes de que muriese y, básicamente, dio su vida para apoyar la forma musical en la que creía, el blues. Eso es realmente alucinante. Incluso fue a la cárcel por el blues. No entraré en eso demasiado pero el tío hizo muchos sacrificios. Sacrificó su vida entera por aquello en lo que creía. Se preocupaba mucho por artistas nuevos, con nuevos chavales que iban creciendo… Intentaba sacar lo mejor de ellos.

JP: ¿En qué estáis trabajando ahora? ¿Cuáles son vuestros próximos objetivos?

ET: Estamos pagando el alquiler (risas). Ahora mismo estamos intentando conseguir una agencia de contratación y hacer unas giras por los Estados Unidos, además de componer para el siguiente disco.

18
Jul
10

Juan Zarppa

Lugar La edad de oro (VLC) Fecha 04/06/10 Estilo Rock  Público medio vacío Valoración ***

Pese a la poca asistencia de público –y quizás también gracias a ello- pudimos presenciar un concierto casi familiar que empezó con las sonoridades pop de “Ascensores” para dar paso al fantástico slide de “Desagradecido”, una de las canciones más destacadas de la noche. Bien arropado por su versátil base rítmica, Juan Zarppa presentaba su primer trabajo discográfico, “Desatascos y Limpiezas (La Produktiva Records, 2009)” en el que, por encima de todo, sobresale su faceta más roquera. Un terreno en el que el de Tarragona demostró desenvolverse con soltura, cantar con credibilidad y brillar en los solos de guitarra. En este sentido, sacó a relucir gran variedad de recursos, incluyendo fraseos blueseros, que aportaban siempre un punto de calidad extra a las canciones. Repasó temas como “Siempre llega tarde”, “Nudos en la red”, la todavía por publicar “Pendientes” y se despidió con “Heridas”. El resultado fue una propuesta bastante personal, probablemente fruto de su particular sentido del humor. Un concierto sobrio en el que abundaron los medios tiempos y que nos dejó con una sensación final de optimismo. El grupo local Guillemka actuó como telonero brindándonos un concierto breve e interesante con temas como “Levántate y Anda”  y una buena versión de la canción de La Resistencia “Es tu destino, amigo”.

31
May
10

Babylon Rockets – Conspiracity

Babylon Rockets

“Conspiracity”

(Producciones Malditas)

Cargado de rock ‘n’ roll, el debut discográfico de Babylon Rockets es una enérgica combinación de hard rock setentero y rock clásico de influencias sureñas. Ecos de Kiss, Black Crowes o Hellacopters aderezados con potencia de guitarras y espacio para la elegancia del piano y los vientos. En cuanto a las letras, se aferran al perpetuo imaginario del rock: pecados, cuero y chicas…aquello del I know it’s only rock ‘n’ roll

Reseña publicada en Mondo Sonoro (Comunidad Valenciana, Mayo 2010)

Babylon Rockets (Myspace)

22
Abr
10

Eddie Bertrand

Lugar Sala Wah-Wah (VLC) Fecha 06/03/10 Estilo Surf Aforo Completo Valoración ****

Una de las grandes atracciones del Festival Surforama era ver a Eddie Bertrand, nombre propio en la historia de la música surf. El fundador de los pioneros The Bel-Airs y frontman de Eddie & The Showmen empezó con ritmos relajados para ir subiendo la intensidad poco a poco. Salió a escena entre los enérgicos Born Losers y los animales Kongsmen y nos deleitó con una buena muestra del surf sesentero. Repasó sus clásicos “Mr. Moto” y “Mr. Rebel”, mencionó a su ídolo Duanne Eddy y apostó por un sonido limpio, abierto a melodías pop. Bertrand demostró ser un guitarra solista solvente recordándonos el rumor de las icónicas olas californianas, sin las que no puede entenderse esta música. Su carácter alegre, a menudo inocente y juvenil tuvo que desarrollarse en el soleado y acomodado oeste norteamericano. Fue un privilegio ver al hombre que le pidió a Leo Fender dos altavoces para su amplificador pero Eddie nos dejó con un concierto demasiado corto. Se mostró agradecido con el público pero no accedió a ningún bis pese a las demandas. Tras una exhibición de surf instrumental, Eddie Bertrand se marchó como una leyenda discreta sin afán de protagonismo mientras el público coreaba su nombre. “A veces”, debió pensar, “no está mal hacerse desear…” Josep Pedro

Eddie Bertrand con una de sus guitarras Fender

Crónica publicada en Mondo Sonoro (Comunidad Valenciana, Abril 2010)

Crónica Eddie Bertrand (Mondo Sonoro)

Eddie Bertrand

Born losers (Myspace)

The Kongsmen (Myspace)

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El acústico de Barricada (Crónica Mondo Sonoro)

18
Abr
10

“Para nosotros el Rock & Roll siempre ha sido una manera de transgresión”

Esta entrevista nos la ha pasado su autor, Jose Martín (Operation Kino), y está  publicada en Todas las novedades.

Con La Tierra está sorda (2010), convertido en uno de los discos del año de la escena Rock estatal, Barricada se haya en plena gira de presentación del álbum. Una gira que combina los conciertos eléctricos de siempre con charlas-concierto acústicas en las que el  veterano grupo explica de primera mano las historias que dan pie a las 18 canciones de su nuevo trabajo.

Jose Martín junto al Drogas en el Fórum de la FNAC (VLC)

Tras una carrera de más de 25 años poniendo letras a problemas actuales y reflejando la vida cotidiana en vuestra música, con “La tierra está sorda” (2010), la banda se centra en la narración  de hechos del pasado. ¿En que medida ha afectado esto al proceso creativo de este disco y en que se ha diferenciado éste respecto al trabajo realizado en álbumes anteriores?

DROGAS: Ha sido diferente todo el sistema de trabajo. No ya sólo por la temática tratada porque…, te puedes sentar y aunque quieras hacer un disco conceptual y el tema sea la represión del bando franquista tanto durante la Guerra Civil como durante la posguerra…, aunque hubiese sido el mismo objetivo, podrías digamos “sacar las letras de tu cosecha propia”. En este caso no ha sido así, sino que había previamente una lectura de un montón de libros dónde aparecen una serie de hechos concretos. La decisión del sistema de trabajo fue la de basarse sobre todo en la bibliografía, aunque también hemos visto mucho documental, hecho excursiones a “lugares de memoria” (denominados así por centrar la cosa), escuchado testimonios tanto de historiadores y documentalistas que están trabajando ahora el tema como de gente que vivió aquella época y te cuenta sus experiencias. Entonces, el sistema de trabajo ha sido diferente a todo lo demás y de todo lo que te digo, realmente el núcleo del asunto es la lectura de libros, tratar con una serie de datos y a partir de ahí empezar a trabajar.

¿Se trata pues del proceso de elaboración de un álbum más complejo al que os habéis enfrentado en todos estos años?

DROGAS- Si, ha sido el más laborioso, no solamente en letras, sino también con la música. El ir ambientando esas letras tenía un proceso bastante interesante porque era diferente. Ni mejor ni peor que otras veces, pero sí diferente.

Ha sido un proceso más laborioso, más costoso en el tiempo, pero la verdad es que nos hemos quedado muy satisfechos. Ni más ni menos que en otros curros, por que la verdad es que siempre te metes a currar a saco, pero posiblemente por lo que ha sido todo el proceso te quedas satisfecho por el resultado.

El Drogas cantando “Una lágrima en el suelo”

En el caso del cine, hemos visto como en innumerables ocasiones se ha tratado el tema de la Guerra Civil española y la fractura que ocasionó en la sociedad. Sin embargo, y salvo excepciones puntuales, se trata con “La tierra está sorda” (2010) del primer trabajo de una banda de Rock dedicado íntegramente a este tema. ¿Cuál creéis que debe ser el papel de la cultura en general y de la música popular en concreto en cuanto a la difusión de estos hechos y al  cierre de las heridas? ¿Qué opináis de la llamada ley de memoria histórica?

DROGAS- La definición cultural de cada artista tiene que ser la que uno propiamente decida. Puede dedicarse a buscar subvenciones del Gobierno sea del color que sea, generalmente va haber dos colores con lo que no hay mucho donde elegir…

Para nosotros el Rock and Roll siempre ha sido una manera de transgresión, aunque lo de transgredir…, digamos que hay muchas formas. Barricada en los 80 éramos una monjas al lado gente como RIP, Eskorbuto, La Polla, Vómito, Basura… no se…, Escupitajo… (Risas). Pero a la vez, estamos en un grupo que se llama Barricada, somos un grupo de Rock and Roll que se llama Barricada y a partir de ahí…

Entonces, La Tierra está sorda (2010), ¿tiene más de reivindicación de la historia pérdida en la versión de los ganadores de la Guerra Civil o de homenaje a la población civil que sufrió aquel conflicto en general?

DROGAS- No…(Risas). Ninguna de las dos cosas, lo que pasa es que a la vez puede acabar siendo lo que quiera entender quién lo escucha. El disco realmente es un reconocimiento de la propia ignorancia. Del sentimiento de vergüenza que tienes al enterarte de lo que a pasado a cincuenta metros de tu casa y que luego te vas dando cuenta de que eso mismo pasó en un pueblo a quinientos kilómetros, en otro a mil doscientos… Esa vergüenza que se siente al reconocer la propia ignorancia es la que te lleva a hacer este trabajo.

Si este trabajo da pie, a que haya uno sólo de los que lo  han escuchado que se preocupe en preguntar por la biografía de su abuelo y su abuela, habremos acertado. Quiero decir, si este trabajo es un pellizco para que haya gente que se interese por el tema nos podemos dar con un canto en los dientes. Realmente nuestro curro ya está hecho. Toda la documentación, ambientar esas letras, hacer el libreto y presentarlo como nos gusta presentar nuestro trabajo: de una manera muy trabajada metámonos donde nos metamos. Si a partir de ahí resulta un pellizco para que a la gente le de por indagar en su propio pasado pues muy bien.

Barricada, en acústico

A nivel puramente musical, en este disco destacan por un lado temas con el sonido más característico de Barricada como “Es una Carta” o “Llegan los cuervos”  y por otro el de composiciones de mayor carga acústica como “Infierno de piedra” o “Suela de alpargata” ¿Es este el resultado de conjugar el sonido en acústico del disco Mordiscos (2009) con el Rock más reconocible de la banda?

ALFREDO- En realidad son dieciocho temas. Siendo un disco tan amplio, con tal cantidad de canciones había que hacer la historia variada sobre todo. La única pega que nos hemos puesto a nosotros mismos es que teníamos que envolver esas emociones que se veían en las letras con la música. Teníamos que emocionarnos a la hora de estar componiendo esa canción en casa uno solo, o a la hora de estar grabando la maqueta e incluso a la hora de cantarla, ese nudo en la garganta teníamos que sentirlo nosotros mismos. Cuando eso no se sentía es que algo fallaba, entonces esa canción iba a tomar por saco y hacíamos otra versión de esa letra que es lo que nos ha llegado a pasar en uno de los temas. Nos hemos ido dejando llevar por lo que la emoción nos pedía, o más acústico o más cañero. Yo creo que es un disco donde se notan los Barricada de la primera época, los de la época del Por Instinto (1991), del Mordiscos (2009) y de la de Hombre mate hombre (2004). Hay en este disco Barricada de los 28 años de carrera.

Cuatro meses después del lanzamiento de La tierra está sorda (2010), el disco está funcionando estupendamente y la banda se encuentra inmersa en una gira plagada de conciertos acústicos que  ofrecen un tipo de contacto con el público diferente al que normalmente estamos acostumbrados a veros. Por vuestra parte ¿como estáis percibiendo la reacción del público?

IBI- La verdad es que es una gozada, hacer este tipo de actos, estas charlas acústicas…La gente está siendo super agradecida en este sentido. La gente, como te digo, agradece mogollón que vayamos explicando las trece canciones en acústico, mientras el Drogas explica un poco de lo que habla la letra y de lo que fue la época de la Guerra Civil. En este sentido la gente está muy agradecida y para nosotros está siendo una gozada. También en los conciertos eléctricos, dónde estamos haciendo todo el nuevo disco integro. El concierto está dividido en dos partes. La primera es integro “La tierra está sorda” (las 18 canciones en diferente orden por cuestión de comodidad a la hora de cambio de guitarras eléctricas y acústicas, etc.), y luego la segunda parte consiste en un resumen de lo que serían los 28 años de Barricada, dónde tocamos temas de prácticamente todos los discos.

La verdad es que la acogida de lo que es la primera parte está una gozada. Además, como nuestra intención es que los temas de “La tierra está sorda” suenen de manera fiel a lo que ha sido la grabación estamos llevando con nosotros a un músico de apoyo, Iker Piedrafita.

Después de una carrera tan extensa os habéis convertido en uno de los más grandes referentes del rock en castellano. Habéis ido desde vuestro nacimiento en los 80, en un momento prolífico del Rock del norte, pasado por el acercamiento a todo tipo de público en los 90 hasta llegar al momento  de consolidación actual.

¿En que creéis que ha cambiado de manera más significativa el panorama de rock nacional en todos estos años? Es decir, respecto a la escena en la que surgisteis vosotros ¿con qué diferencias se encuentra hoy un grupo de Rock nacional que esté empezando?

Boni y el Drogas

DROGAS- Hoy está muy complicado salir de tu local de ensayo a tocar. Antes en las fiestas de los pueblos que duraban tres días siempre había uno que montaba un festival de Rock. Entonces, siempre estabas de meneo. Te encontrabas con la gente en la carretera. Ahora es muy complicado y todo esto ha ido cambiando. Las facilidades técnicas han crecido. Posiblemente ahora sea más fácil “sonar bien” desde casa que antes. Pero la verdad es que en este aspecto la situación no va más allá. Las ventas de discos han caído. Ya no tiene tampoco relación la venta de discos con la asistencia a los festivales…

ALFREDO- Ahora hay muchísimos más grupos y muchísima más demanda. Antes, cuando nosotros empezábamos, veníamos de una época que había habido mucho rollo de cantautor. Era como que la gente estaba deseando… ¡Venga Rock & Roll! Tocaba cualquier grupo y te daba igual como se llamaran o que tipo de música hicieran, ibas igual. Ahora hay mucha demanda, con lo cual nos cuesta más sacarnos da casa a todos. Y no es que no haya propuestas interesantes. Hay grupos que están haciendo cosas muy buenas, grupos que están haciendo cosas cojonudas, pero no hay manera de llegar a los demás. Hay tanto ya que la verdad es que es difícil.

No se ayuda. Tampoco se ponen muchas facilidades. Cuando se trata la palabra Rock, como decía El Drogas, si en las fiestas de un pueblo el ayuntamiento  tiene que recortar no lo va hacer ni de las vacas ni de los toros, lo quitará de la cultura empezando por el Rock & Roll.

DROGAS- Antes todo este mundillo estaba rodeado de gente que, igual no montaban un grupo de Rock, para se juntaba para hacer una radio pirata, un fanzine…, con lo cual había más meneo

¿Existía entonces una mayor implicación social por parte de los grupos de Rock?

DROGAS- Sí. Es así en general. Yo de todas formas también… Un poco como cuando dicen que si los hijos ahora se van tarde de casa…, joder ahora hacen falta más jornales que… Es la hostia, es muy complicado. Parece que la gente joven sois una cuadrilla de vagos… bueno…, yo tengo un chaval de 23 años y veo que no es así, que no es lo que están contando en todos los lados. Veo que hay una complicación para buscarte tu propia independencia, hacer tu propia vida que antes no había. No creo que antes fuésemos más decididos. Es verdad que nosotros nos fuimos de casa algunos a los 18 y otros al volver de la mili con 21. Ahora cuesta más, pero no cuesta más porque no haya ganas de ser independiente es por como está todo montado y el miedo que hoy se tiene. Estamos echando mierda en la gente que es, ya no el futuro pero si el porvenir, y el futuro se hace de la unión de muchos porvenires.

Todo esto se refleja en el asunto de los grupos. Estaría bien que se asociase la gente aunque tampoco se si es la solución. Yo lo veo muy complicado. No se deja asomar la cabeza a nadie. No hay programas en las televisiones públicas y si los hay la gente se acaba cansando porque los que salen siempre son o somos los mismos.

El Drogas deja el bajo para la despedida

ALFREDO- Vienen grupos con propuestas nuevas y buenas y la gente dice: aquí si no hacéis Extremoduro, Barricada, Marea, etc., como que no. Parece como que está establecido que en este país un grupo de Rock tiene que hacer eso. Como haya una propuesta de un rollo más americano por ejemplo se suele encontrar un poco con  pegas por parte de todos

DROGAS- De todas formas luego, por ejemplo, el caso más como para nombrar, por aquello de que la esperanza es lo último que se pierde sería Vetusta Morla que hace una historia que posiblemente hace diez años era impensable, que un grupo así llegara. Pero bueno, es “un” grupo…

También les ha costado lo suyo…

ALFREDO- Si pero van abriendo el camino. A todos nos costó lo nuestro. Lo difícil ahora es que se enteren los demás de que tienes un grupo y de que has grabado en condiciones cojonudas. En Internet hay millones de gente intentando lo mismo, entonces claro…

Por último, ¿tenéis algún proyecto futuro del que nos podáis hablar?

ALFREDO- ¿Proyecto?… bueno vamos a hacer un acústico aquí… (Risas)… Pues hacer la gira de este año, disfrutarla bien. La íbamos a hacer hasta octubre, al final la vamos a alargar hasta diciembre. Luego cogeremos unas vacaciones que falta nos hacen. No nos ponemos tampoco planes mucho más allá. Este año lo tenemos bastante completo de conciertos y eso es lo fundamental.

Fotos: José Carlos Díaz

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