Posts Tagged ‘Blues

23
Mar
11

El adiós de Pinetop

Pinetop Perkins, una historia de blues, en marzo de 2009

La muerte de Willie “Pinetop” Perkins deja al blues sin uno de sus más emblemáticos representates y al mundo de la música en general sin un músico de los de verdad, muestra de autenticidad, superación y talento. Nacido en Belzoni, Mississippi en 1913, Pinetop ha muerto a los 97 años, después de ser durante mucho tiempo el bluesman más veterano. En Tránsito, donde ya escribimos sobre él en diciembre de 2009 (Supervivientes del Blues), queremos decirle adiós a este pianista entrañable cuya trayectoria sirve para entender la propia historia del blues.

Conocí a Pinetop hace tan sólo unos meses durante mi estancia en Austin. Seguía tocando a los 97 años en su club preferido, Antone’s, lugar por el que pasaron tantísimas figuras del blues, especialmente del de Chicago. Pinetop caminaba despacio, ayudado por su bastón y se sentaba en una esquina del club a escuchar la música mientras vendía sus últimos discos y apuraba un par de cigarrillos. Después subía al escenario y deleitaba al público con su presencia y unos cuantos clásicos como “They call me Pinetop Perkins”, “Down In Mississippi” o “Got My Mojo Working”.

Os dejamos con un vídeo sobre el último disco que grabó junto al multi instrumentista de Chicago y compañero en la Muddy Waters Band Willie “Big Eyes” Smith. Ambos recibieron un grammy por “Joined at the Hip”, mejor álbum de blues tradicional, convirtiendo a Pinetop en el artista más mayor en recibir tal premio.

22
Ene
11

W.C. Clark: Talent i Història

Article original publicat a Bocabadat

Amb una intensa trajectòria professional que es remonta fins a principis del anys 60, W.C. Clark és una de les grans figures vives de l’escena musical de Austin, Texas. La seua experiència inclou col·laboracions en llegendes locals com T.D. Bell i Blues Boy Hubbard, el soul man Joe Tex i Stevie Ray Vaughan, music al que va tindre baix la seua tutela i al que acompanyà tocant el baix en la seua primera formació, Triple Threat Revue.

La música de W.C. Clark combina el blues, R&B, Soul, balades i rock ‘n’ roll. “En la meua experiència vaig tindre que aprendre eixes categories abans de poder estar satisfet en mi mateix,” aclareix W.C. Clark. Conegut com el padrí del blues de Austin, W.C. Clark parteix del blues per anar a altres llocs. “Pràcticament tot el que toque té blues però no soc només blues. Puc ser blues però puc fer altres coses i altres estils. Vull expressar-ho tot perquè quan toque vull que la gent balle.” Amb aquest caràcter obert i una facilitat natural per definir el soul com “gràcies” i el blues com “açò és el que ha passat,” W.C. Clark continua oferint concerts amb ànima i qualitat als quasi 71 anys. Una de les sues gires europees el va portar a València al 2005.

W.C. Clark és un testig del canvis pels que ha passat el blues des de que es tocava en clubs segretats fins que els universitaris blancs anaven al barri negre per aprendre i obrir comercialment l’estil. Paga la pena descobrir-lo per tornar a comprovar la inabastable quantitat de artistes únics que ha donat la música negra.

09
May
10

Bluesy Jazz & Jazzy Blues

Bluesy Jazz & Jazzy Blues es la nueva recopilación de Tránsito.  Un disco de 17 canciones que combina el blues y el jazz y pone especial énfasis en canciones que incluyen el sonido de dos estilos tan próximos.  Hemos tratado de no repetir artistas aunque esta vez hay dos saxofonistas que repiten. El primero, Stanley Turrentine al que no sólo escuchamos en The Magilla sino también en Is You Is Or Is You Ain’t My Baby, acompañando a Diana Krall. El segundo es David ‘Fathead’ Newman, conocido miembro de la banda de Ray Charles que no sólo participa en Rockhouse sino también en Heads Up, formando parte de un singular trío junto a Art Blakey y Dr. John.

Como siempre, son bienvenidos los comentarios y las sugerencias. Esperamos que os guste.

Descarga Bluesy Jazz & Jazzy Blues

01.  Pedro Andrea – Big San

02.  Stanley Turrentine – The Magilla

03.  Diana Krall – Is You Is Or Is You Ain’t My Baby

04.  Oscar Peterson – Naptown Blues

05.  Robben Ford & the Blue Line – The Miller’s Son

06.  Vanguard Aces – Rocco’s Joint

07.  Eddie ‘Cleanhead’ Vinson – Lonesome Train

08.  Clarence ‘Gatemouth’ Brown – Boogie Uproar

09.  Earl Bostic – Don’t You Do It

10.  James P. Johnson – Liza (All the Clouds’ll Roll Away)

11.  Dinah Washington & Brook Benton – A Rockin’ Good Way

12.  Ray Charles – Rockhouse (Parts I & II)

13.  Bluesiana Triangle – Heads Up (Art Blakey, David ‘Fathead’ Newman, Dr.John)

14.  T-Bone Walker – Alimony Blues

15.  Jimmy Liggins – Dark Hour Blues

16.  Chet Baker – Almost Blue

17.  Jeff Beck with B.B. King – Key to the Highway

Descarga Bluesy Jazz & Jazzy Blues

Comprueba los otros recopilatorios desde la cabecera, Recopilaciones Tránsito.

Stanley Turrentine (1934 - 2000)

David 'Fathead' Newman (1933 - 2009)

05
Abr
10

José Lledó: entrevista en Discos Mardigras!

José Lledó en Discos Mardigras!

Terminamos la serie de entrevistas en torno a la música negra y el estado de la radio. Podéis leearlas en la sección de entrevistas.

Situada en València, Discos Mardigras! es una tienda especializada en discos de vinilo relacionados con la música negra. Fundada en 1999, Mardigras es un referente en estilos como el blues, el jazz o el soul entre otros. Hablamos con José Lledó, propietario de Discos Mardigras! sobre el panorama actual de la música negra, el estado de la radio y la posibilidad de llevar a cabo proyectos especializados en este tipo de géneros. Además de trabajar en la tienda, José Lledó ha trabajado en la radio durante años y es dj en numerosos clubs. Os recordamos que ya hicimos referencia a Discos Mardigras! en el foto montaje Entre la Música realizado en la propia tienda. Puedes escuchar la entrevista pinchando sobre la foto.

[blip.tv ?posts_id=3462865&dest=-1]

¿Cuál es el estado actual de la música negra en cuanto a aceptación popular y ventas?

Desde el punto de vista de consumo, de disfrute, da igual que sea bajando música, comprando o compartiéndola lo veo mal, pero mejor que hace quince años. Creo que la gente va poco a poco evolucionando en la música, por lo que desde hace quince años se aceptan mejor géneros como el blues, el soul o el reagge, la gente aprende y entiende, aunque le cuesta un poco, que son géneros muy importantes.

Quizás se va llegando a un estado de saturación musical, por lo que se vuelve atrás, a los orígenes.

Es posible. O también que el aficionado que colecciona discos de toda la vida o que va a conciertos desde siempre, va asimilando que la música negra son los orígenes y la gente nueva, como ya lo tiene hecho, que tiene toda la información, entiende que es lo auténtico, sin despreciar, por supuesto otros géneros, ¿no? Entonces, el momento de aceptación puede ser mejor que hace unos años, hay más cultura, más conocimiento y tal, pero a nivel de consumo sigue estando mal. No olvides que estamos en España.

¿Qué transformaciones crees que han sido las más importantes desde que surgieran estos géneros en un contexto social muy particular?

Los grupos que siguen apostando en directo, igual que los que consumen la música -que son los aficionados- son minorías totalmente. De alguna manera son coleccionistas, o aficionados o gente alrededor de este mundillo. No va a llegar a la mayoría, ni aquí, ni en EEUU, ni en Japón. Van a ser minorías especializadas, que a alguno les llega por herencia de familia, por que sus padres tenían discos. A otros les llega por la radio, porque escuchan programas especializados. A otros porque descubren una tribu urbana que se dedica a esto.

Portada de uno de los dvd que recoge imágenes de las giras británicas de los bluesmen americanos

Pero entonces, ¿qué haría falta para ampliar este espectro de público? ¿Es mejor que sea una minoría?

Pues, no sé. Aquí es que está muy consolidado el mainstream pop, entonces en España no hay mucho que hacer. No forma parte de nuestra cultura, ni de la de nuestros padres, ni de la de los padres de nuestros padres, por lo que está todo por hacer. Si te vas a otros países de Europa, como Francia, Inglaterra, Alemania, incluso Finlandia o Suecia lo tienen clarísimo: la música negra es lo más importante. Y en Japón porque lo asimilan todo.

También en los 60 hacían giras por esos países y no venían aquí.

Claro. Por supuesto. Y si hubieran venido, no se hubieran encontrado un panorama nada amable. Aquí está todo por hacer. Hablas con  gente y dicen: “Música de qué, esto no existe”. No sé, es que es música para todo el mundo, no solamente para unos pocos.

Entonces, ¿cuál crees que sería el camino a seguir?

Como veo que vuestro proyecto es radiofónico, lo veo muy difícil, muy difícil. Yo no entiendo cómo está la radio ahora porque no la escucho. He hecho radio en Valencia durante muchos años y la respuesta era cero. Hice durante diez años un programa y luego me lo dejé, así en radios, pequeñas, alternativas y tal y la respuesta era mínima. Entonces, fuera de eso creo que todo es radio comercial, radiofórmula o publicidad.

Es difícil entrar en el circuito comercial haciendo eso, ¿no?

Ya te digo que con blues, jazz, soul, ska, etc. es jodido. Luego, igual con otros géneros de la música negra sí que puedes meter cabeza.

Pero, también viene mucho revival de EEUU.

Minorías. Son hits de la música de mainstream que pueden aparecer en algunas revistas de música o en algunos programas especializados y se olvidan de ellos en tres semanas. No tienen un peso muy gordo, calan entre los que nos gusta. Aunque ayudan, a mí me parece genial. Amy Winehouse que siga por ahí metiéndose todo lo que se mete, cantando y grabando canciones. Todo lo que ayuda, un respeto total.

Volviendo a la radio, ahora que nos has contado tu historia particular. La radio históricamente ha sido un instrumento de difusión musical importante…

Totalmente.

¿Cómo la ves ahora?

Lógicamente es lo mejor, lo más directo, pero hoy día con Internet… a lo mejor una radio en Internet…

Fotograma de "Radio Encubierta", película dedicada al fenómeno de radios piratas en Inglaterra

Sí, quizás en Internet funcionan mucho los podcast. La gente ya no escucha la radio en las horas programadas, sino que acceden a los contenidos cuando lo desean.

Yo pienso que la radio tuvo su época de máximo esplendor allá por los 50, en EEUU, no ha pasado tanto tiempo, ahora, nos encanta pensar que ha pasado una vida, pero en realidad no es tanto. Unas cuantas décadas. Y lo de las radios piratas en Inglaterra, cuando comenzaron hace unos cuarenta o cuarenta y cinco años. Yo creo que debería seguir así, pero hoy día la financiación es necesaria para mantener un equipo, locales. Entonces, ¿quién financia la radio?

Claro, la financiación. Pero, la radio podría ser un instrumento para recuperar esa cultura que dices que falta aquí, para conseguir que este tipo de música llegue a la gente y se conozca más.

Sí, claro. Y si se pudieran conseguir licencias para radios culturales, no lucrativas, sería genial, pero  eso sería un poco trabajo del Gobierno, que diera licencias a gente que tenga un proyecto cultural, ya sea en la radio o en otros medios. Yo creo que eso que surgió en los 60 debería estar vigente. Pero, no se ha avanzado. La radio comunitaria en Latinoamérica y todo aquello debería tener ahora validez. Pero si a nadie le interesa. Yo monto mi emisora porque me interesa promocionar mis productos, sino de qué. Y las radios estas locales o municipales…

No tienen salida.

Hombre, deberían. Hay programas de todo tipo, pero…

Y de los programas actuales, como en Radio 3, ¿crees que tienen trascendencia?

Yo, es que sigo muy poco la radio, entonces… Pero, bueno, ahora Radio 3 creo que está trasformándose, hay gente intentando meterle mucha mano. La verdad es que no os puedo decir gran cosa. Llevo muchos años sin escuchar radio.

Para nuestro proyecto hemos pensado dedicar una parte del programa a traer grupos, teniendo en cuenta el cambio de modelo por el cual los grupos cada ver lo van a tener peor para llegar a la gente. Colgarlo en Internet seguro, pero quizás falten otras vías. ¿Qué capacidad crees que tendríamos con estos conciertos para dar a conocer grupos?

Yo creo que sí que hay posibilidad, ¿no? Todo pasa por tener las instalaciones adecuadas y la calidad suficiente para que cuando cuelgues los programas, la gente acceda a ellos rápidamente. Necesitas infraestructura. Si la idea ya la tienes, lo demás va un poco relacionado, ¿no?

Un poco el camino también será las salas, conciertos. Que la gente pueda tener un concierto con el que disfrutar y pasárselo bien, aunque no haya escuchado este tipo de música antes.

Hombre, por lo que me contáis, vuestro proyecto de radio va asociado un poco a Internet, ¿no? Entonces, a nivel difusión lo veo muy bien. Ahora mismo hay un montón de emisoras que funcionan por Internet, ya sea en directo o con música enlatada. Lo veo muy bien, pero hay que hacerlo sin interés, es decir, desinteresadamente.

Otis Redding en la intensidad del directo

Para acabar, nos gustaría que nos nombrases tres músicos, o discos que te hayan marcado o que se te ocurran ahora.

Marvin Gaye es básico y a partir de ahí los clásicos son Curtis Mayfield, Otis Redding, los que nos gustan a todos. Y luego hay cientos poco conocidos. En jazz, Miles Davis, como a todo el mundo, los clásicos. También hay otros, porque, a lo mejor, la gente que conoce a Miles Davis no conoce a Eddie Jefferson, este es otro aspecto de la música jazz, ¿no? Quizás Eddie Jefferson es tan importante como Miles Davis, desde el punto de vista del freak.

Claro, quizás no en ventas, pero sí en cuanto a calidad. Hay tanta cantidad que se están reeditando muchas cosas, también de nuevos intérpretes.

Yo creo que una cosa lleva a otra. Quizás el rock es más inmediato, da igual que sea de los 60, 70 o ahora, el rock es más inmediato. En el soul, jazz, reggae, un músico te lleva a otro, eso es lo bueno, nunca acabas, nunca cierras la persiana. Hoy te gusta Marvin Gaye y mañana te gusta Donnie, que es de ahora.

Descarga la entrevista (audio)

Discos Mardigras! (Myspace)

Entrevista realizada en diciembre de 2009

Posts relacionados:

Foto montaje Entre la Música realizado en Discos Mardigras!

Vicente Fabuel: historias y discos de vinilo

Ricardo Gener: “Existe un circuito a nivel nacional en el que la música negra siempre es bien recibida”

Soul Atac: funk i malatia a l’ànima

Entrevista Discos Mardigras! (Acid Jazz Hispano)

28
Feb
10

Earl Bostic: sensualidad y fiereza

“Soy, tal vez, uno de los pocos músicos a los que le gustan las melodías sencillas que se repiten y en todo lo que toco trato de mantener una línea de melodía básica en mi mente e intentar desarrollar inversiones significativas y variaciones… Me gusta el blues básico… El blues lo tiene todo; calidad rítmica, letras genuinas, una estructura básica y esencial y, sobre todo, personalidad. El blues y el jazz son inseparables.”

Declaraciones de Earl Bostic en una entrevista de Kurt Mohr (Jazz As I Feel It, Neely H. Liner Notes 12 “LP King 846”)

Earl Bostic con su saxo

Earl Bostic fue uno de los grandes saxofonistas de R&B y Jazz que alcanzó notoriedad en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Tuvo una serie de éxitos con canciones como Flamingo (1951), Harlem Nocturne, Temptation o Sleep que hicieron que se le haya catalogado más en el R&B pero canciones como Don’t you do it, Steam Whistle Jump o Up in the orbit demuestran su destreza y su capacidad para tocar jazz. La influencia de Bostic se ha extendido por diversos estilos y su habilidad como instrumentista ha sido reivindicada por multitud de músicos. Quizás el más destacado ha sido John Coltrane, uno de los reconocidos grandes genios del jazz, que empezó a tocar junto a Earl Bostic. En una entrevista de 1960 a la revista Down Beat, Coltrane declaraba: “Bostic me enseñó muchas cosas. Tiene unas facilidades técnicas fabulosas y conoce muchos trucos.” Fue durante el periodo con Bostic cuando Coltrane se pasó del saxo alto al tenor (ya que Bostic tocaba el alto). Por otra parte, el baterista Art Blakey señaló que “nadie conoce técnicamente más el saxofón que Earl Bostic, incluyendo a Bird. Trabajar junto a Bostic fue como asistir a la universidad del saxofón. Cuando Coltrane tocó junto Bostic sé que aprendió mucho.” Otros músicos de jazz destacados que también se formaron junto a Bostic son Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jimmy Cobb, Benny Golson y Betty Carter. Además, Night train, uno de los principales temas asociados a James Brown fue interpretado por Bostic (orginal de Jimmy Forrest). Aparte de su carrera en solitario, hizo arreglos de orquesta para numerosos líderes como Lionel Hampton, Paul Whiteman, Gene Krupa, Artie Shaw y el propio Lionel Hampton entre otros.

Small's Paradise, el club neoyorquino donde Bostic estuvo contratado

Earl Bostic nació el 25 de abril de 1913 en Tulsa, Oklahoma, realizó su primera grabación junto al vibrafonista Lionel Hampton y a partir de ahí se introdujo en territory bands -bandas de baile- dónde coincidió con músicos como Charlie Christian, Don Byas, Thelonious Monk o Cab Calloway. En 1938 Earl Bostic dirigió a su banda en el club Small’s Paradise de Nueva York  dónde estaría actuando durante cuatro años. Durante los primeros años 40, Bostic tomó parte en las célebres jam sessions de Minton’s Playhouse donde se desarrolló el be-bop. La formación y desarrollo musical de Earl Bostic se caracterizó por la libre combinación de blues y jazz.  Trabajó con grandes músicos de jazz y fue de gira con Dinah Washingotn. Interpretó blues, jump blues en la línea de Louis Jordan y desarrollos instrumentales que recordaban a Arnett Cobb o a King Curtis con total naturalidad. En 1963, después de haber triunfado con éxitos de R&B, publicó uno de sus discos más importantes: Jazz As I feel it en el que expresaba su forma de entender y tocar jazz. Bostic grabó junto a a Joe Pass (guitarra), Al McKobbon (bajo), Richard “Groove” Holmes (órgano) y Shelly Manne (batería). En esas canciones Bostic mostraba su dominio y habilidad para el blues y algunos avances armónicos que tanto Coltrane como Eric Dolphy terminarían por desarrollar.

Pese a ser alabado por muchos de sus colegas músicos, Earl Bostic debería ser mucho más reconocido por su capacidad de transmisión con el saxo y su falta de prejuicios musicales. Earl logra transmitir alegría, nocturnidad, melancolía o sensualidad dependiendo de la canción y logra combinar la explosividad con la sencillez. Hay que destacar también su atrevimiento para ir construyendo melodías sin fin a partir de la melodía básica de la canción. Su forma de tocar y sus múltiples recursos siguen resultando de una modernidad asombrosa.

Earl Bostic (Myspace)

Descarga Earl Bostic Blows a Fuse (Contraseña: greaseyspoon / Fuente: http://bebopwinorip.blogspot.com)

Posts relacionados:

Louis Jordan y la fragilidad de las barreras estilísticas

Duke Ellington & John Coltrane

Big Joe Turner; del Blues al Rock ‘n’ Roll

13
Nov
09

De costa a costa: Route 66

La canción ruta 66, convertida en clásico por multitud de artistas sobre todo del jazz y del rock tiene su origen en una de las míticas carreteras de Estados Unidos.  De hecho, Route 66 fue una de las rutas federales originales de Estados Unidos. Se empezó a utilizar el 11 de noviembre de 1926 y atravesaba el país de costa este a oeste. Empezaba desde Chicago (Illinios) y llegaba hasta Los Ángeles con un recorrido total de 3939 km. Bobby Troup, pianista y compositor de jazz, escribió la canción (Get Your Kicks On) Route 66 a raíz de un viaje desde Pennsylvania a Los Angeles en 1946. Troup viajaba con su mujer y de hecho fue ella, Cynthia, la que sugirió el nombre-. La letra está construida a partir de los nombres de las ciudades por las que pasa (St.Louis, Missouri, Oklahoma, Amarillo, Arizona…) y musicalmente se ajusta a una estructura de blues. De manera similar a Me & Bobby McGee (canción que hemos tratado en el apartado de versiones), Route 66 es una celebración romántica de la libertad de viajar en coche atravesando el país. Troup le presentó la canción a Nat King Cole y este la convirtió en uno de los grandes éxitos de su carrera. Bobby Troup llegó a interpretarla más tarde y pudo hacerlo con el orgullo de haber sido el autor de una canción tan aceptada.

Siguiendo los pasos de Nat King Cole, Chuck Berry hizo su propia versión más de diez años más tarde, en el 61. El ejemplo de Route 66 nos sirve para comprender lo cercanos que estaban los distintos estilos de música negra. Chuck Berry, ídolo del rock ‘n’ roll, tomó uno de sus grandes éxitos de un músico de jazz. En el fondo, la música de Nat King Cole y la de Chuck Berry están en contacto y, en este caso, los dos están tocando un blues. Además, Berry la toca junto Johnnie Johnson al piano y siguiendo algunos recursos vocales de Nat Cole. Pero Chuck lo hace de pie y con su guitarra eléctrica y es su figura -y no la de Nat King Cole- la que lleva a grupos de rock a tocar Route 66.

Por tanto, con Nat King Cole y Chuck Berry como ejes básicos de los que partir, Route 66 se ha desarrollado y recuperado por 1) formaciones de jazz y 2) grupos de rock. Natalie Cole, la hija de Nat King Cole, cantó la canción en homenaje a su padre.  También lo hizo junto a Diana Krall que es una de las artistas que ha interpretado Route 66 con más asuidad.  Os dejamos el vídeo de una actuación de Diana Krall en el Festival de Jazz de Montreal junto al guitarrista Russell Malone (del que hablamos en el post sobre Jimmy Smith). La canción empieza con unas improvisaciones de Russel Malone hasta que entra Diana con una melodía de Duke Ellington (C Jam Blues) que se convierte en Route 66. Podemos ver que tanto Malone como Diana son grandes músicos y hacen una muy buena versión de Route 66.

En el terreno del rock la canción se ha interpretado mucho más aunque muchas de las versiones han sido lecturas bastante lineales. Siguiendo la estela de Chuck Berry, la interpretaron grupos ingleses como l0s Rolling Stones y Dr. Feelgood buscando un sonido más contundente pero sin alejarse demasiado. De hecho, Chuck Berry y su estilo de tocar la guitarra fue un manual para la mayoría de grupos y guitarristas ingleses de los años 60. Más recientemente, el cantante y guitarrista John Mayer hizo una versión para la banda sonora de la película de Disney Cars evidenciando la aceptación social de Route 66. La versión de John Mayer tiene un buen beat, mucha energía y un sonido más nuevo. Mayer muestra su habilidad a la guitarra, evidencia la influencia de grandes guitarristas de blues como Stevie Ray Vaughan y muestra un registro vocal alejado de Chuck Berry, más próximo al pop.

Route 66 también se ha interpretado en castellano. Lo hizo Pappo, uno de los grandes del blues, el rock y el metal argentino, en su disco Caso Cerrado publicado en el año 95. La versión de Pappo agudiza la distorsión y mantiene una buena instrumentación con teclado y armónica. A pesar de lo genial que es el video-clip -retratando los estereotipos del rock-, os dejamos con una versión en directo porque tiene más fuerza y más espacio para la improvisación. La traducción, bastante literal pero con un toque más eufórico, está bien ajustada y no chirría en ningún momento.

Por último, queremos señalar algunas versiones que se alejan más de los dos ejes básicos que hemos señalado. Por ese mismo motivo tienen de por sí un valor distinto. La primera, sorprendentemente, es de Depeche Mode que le incorporan su componente electrónico. Mantienen el ritmo de rock y un riff potente pero se dejan llevar con pasajes electrónicos. Por otra parte, The Cramps también hicieron una seductora versión de Route 66. Ésta sí se aleja más que ninguna otra de sus precedentes y juega con momentos oníricos y subidas de intensidad. Os dejamos con la que para nosotros es una de las mejores versiones de Route 66.

Posts relacionados:

La sombra de Nat King Cole

24
Oct
09

Cannonball Adderley – Somethin’ Else (1958)

Somethin’ Else se ha tratado a menudo como un disco más de Miles Davis aunque el que aparece como líder de la sesión es Cannonball Adderley. La canción que da título al disco es de Miles, tres de las cinco canciones del disco comienzan con Miles como primer solista y Cannonball grabó Milestones (1958) y Kind of Blue (1959) con Miles como líder. He de reconocer que cuando compré el disco, lo hice atraído y sorprendido por la idea de que Miles apareciese como sideman y no como líder. Por eso creo que sería injusto reducir Somethin’ Else a un disco más de Miles Davis sin tener en cuenta las particularidades del disco, la labor de Cannonball y el título: “otra cosa”.

Somethin’ Else, considerado por la crítica como un de los mejores discos de la historia del jazz, demuestra la dificultad de encasillar la música bajo etiquetas. Normalmente, se dice que es un disco alineado en el estilo hard-bop y el cool pero si atendemos a la formación podemos comprender la heterogeneidad que alberga. Cannonball Adderley fue uno de los grandes saxofonistas altos que crecieron bajo la influencia de Charlie Parker; Miles, a pesar de haber hecho tanta música, sigue identificándose con el estilo cool; Hank Jones ha grabado con muchísima gente: Ella Fitzgerald, Charlie Parker, Lester Young, Frank Sinatra, John Coltrane…; Art Blakey, considerado uno de los mejores baterías de jazz, está ligado a la renovación del be-bop y el posterior hard-bop y Sam Jones ha grabado con Gillespie y Thelonious Monk entre otros.

El disco se abre con Autumn Leaves, un standard que arregló Johnny Mercer a partir de la canción francesa Les feuilles mortes, que aquí suena como nunca. Después de un inicio de piano vacilante entran los vientos creando un crescendo que culmina con la poética entrada de Miles. Le sigue Love For Sale, una composición de Cole Porter, que empieza de un modo similar. Primero entra Hank Jones y después Art Blakey con un toque latino hasta que Miles introduce la melodía. Después es el turno de Cannonball que muestra todos sus recursos y evidencia, con mucho swing, la influencia de Charlie Parker. Somethin’ Else y One For Daddy-O conforman probablemente el punto culminante del disco. Somethin’ Else comienza con Miles tocando frases breves y Cannoball respondiendo. Vuelve a empezar Miles como solista y le sigue Cannonball que entra con mucha fuerza. El hecho de que Miles empiece como solista en estos temas puede interpretarse -también- como un respeto a una dinámica de menos a más fuerza. Es decir, comienza Miles tocando lírico, con menos notas y subiendo la intensidad poco a poco. Después llega el momento de Cannonball que añade muchas más notas y velocidad. One For Daddy-O es un homenaje a Dady-O Daylie, uno de los grandes dj’s de Chicago, escrito por Nat Adderley, el hermano de Cannoball. Es mi tema preferido, un blues con mucho swing que abre Cannoball. Al final, se escucha a Miles decir: “Is that what you wanted, Alfred? (Es eso lo que querías, Alfred?)” preguntándole al productor Alfred Lion.

Somethin’ Else es un disco con temas largos, sobre todo los cuatro primeros. Autumn Leaves dura casi once minutos, Love For Sale siete y Somethin’ Else y One For Daddy-O se quedan en ocho. Es así porque cada solista, especialmente Cannonball y Miles aunque también Hank Jones, tienen mucho espacio para improvisar. Además, todas las canciones tienen introducción y cierre. La canción más corta es la encargada de cerrar el disco. Dancing in the Dark (4:03) es una balada marcada por el inicio sexy de Cannonball al saxo. Esta vez, Cannonball tiene toda la canción para improvisar ya que Miles no participa y Hank Jones se mantiene como acompañante. Además, en las reediciones se ha incluido un bonus track que no venía en el álbum original. Bangoon, lanzada inicialmente como Allison’s Uncle, es una composición de Hank Jones que, para mí gusto, podía haberse incluído sin problemas en el disco original y hubiera añadido más matices al disco. Vale la pena escuchar a Hank Jones y a Art Blakey con uno de sus famosos solos.

En definitiva, Somethin’ Else es un disco especial de esos que cuando escuchas te gusta cada vez más. Creo que es un disco muy recomendable tanto para quien ya esté atrapado por el jazz como para quien quiera probar suerte.

Formación: Julian “Cannonball” Adderley – Saxo alto / Miles Davis – Trompreta / Hank Jones – Piano / Sam Jones – Bajo / Art Blakey – Batería

Descarga Cannonball Adderley – Somethin’ Else




Décadas y estilos

Música en Tránsito

abril 2017
L M X J V S D
« Sep    
 12
3456789
10111213141516
17181920212223
24252627282930

Comentarios recientes

frutasingular en La imagen de un final: Lynyrd…
frutasingular en Videoarte
org.uk en Coloquio con Jesús Franco sobr…
Desde Tránsito no nos hacemos responsables de los enlaces externos y os animamos a adquirir copias originales (siempre que podáis). Este es un espacio altruista para compartir y divulgar la cultura en el que esperamos podáis conocer cosas nuevas o sorpredentes.