Posts Tagged ‘Jazz

09
May
10

Bluesy Jazz & Jazzy Blues

Bluesy Jazz & Jazzy Blues es la nueva recopilación de Tránsito.  Un disco de 17 canciones que combina el blues y el jazz y pone especial énfasis en canciones que incluyen el sonido de dos estilos tan próximos.  Hemos tratado de no repetir artistas aunque esta vez hay dos saxofonistas que repiten. El primero, Stanley Turrentine al que no sólo escuchamos en The Magilla sino también en Is You Is Or Is You Ain’t My Baby, acompañando a Diana Krall. El segundo es David ‘Fathead’ Newman, conocido miembro de la banda de Ray Charles que no sólo participa en Rockhouse sino también en Heads Up, formando parte de un singular trío junto a Art Blakey y Dr. John.

Como siempre, son bienvenidos los comentarios y las sugerencias. Esperamos que os guste.

Descarga Bluesy Jazz & Jazzy Blues

01.  Pedro Andrea – Big San

02.  Stanley Turrentine – The Magilla

03.  Diana Krall – Is You Is Or Is You Ain’t My Baby

04.  Oscar Peterson – Naptown Blues

05.  Robben Ford & the Blue Line – The Miller’s Son

06.  Vanguard Aces – Rocco’s Joint

07.  Eddie ‘Cleanhead’ Vinson – Lonesome Train

08.  Clarence ‘Gatemouth’ Brown – Boogie Uproar

09.  Earl Bostic – Don’t You Do It

10.  James P. Johnson – Liza (All the Clouds’ll Roll Away)

11.  Dinah Washington & Brook Benton – A Rockin’ Good Way

12.  Ray Charles – Rockhouse (Parts I & II)

13.  Bluesiana Triangle – Heads Up (Art Blakey, David ‘Fathead’ Newman, Dr.John)

14.  T-Bone Walker – Alimony Blues

15.  Jimmy Liggins – Dark Hour Blues

16.  Chet Baker – Almost Blue

17.  Jeff Beck with B.B. King – Key to the Highway

Descarga Bluesy Jazz & Jazzy Blues

Comprueba los otros recopilatorios desde la cabecera, Recopilaciones Tránsito.

Stanley Turrentine (1934 - 2000)

David 'Fathead' Newman (1933 - 2009)

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10
Abr
10

The Del Moroccos – Blue Black Hair

Disco "Blue Black Hair" de la banda The Del Moroccos

Ocho miembros conforman esta genial banda de Chicago: guitarra, bajo, batería, piano, saxo barítono y tenor y tres voces femeninas que irradian fuerza surfera y sobretodo, “rockanrolera”. Hablamos de músicos con experiencia ya que han participado en bandas de diferentes estilos como  rockabilly, surf, ska, jazz y R&B, y de todos ellos bebe The Del Moroccos. Como consecuencia de su debut nos han dejado un disco que recuerda al denominado rock’n’roll negro de los 50 y también desprende una ráfaga de garage y surf. Blue Black Hair se compone tanto de versiones ded los 50 y 60 como de temas propios.

El tema Baby Doll abre el disco recordando que el rock’n’roll se ha servido de los argumentos estereotipados más clónicos  para tratar desde sus inicios temas básicos del ser humano, es decir, relaciones amorosas como la que Chuck Berry ya nos contaba en su canción Oh Baby Doll en la década de los 50. La melodía inicial de I don’t Know rompe el veloz tempo del disco  con un comienxo sexy acompañado del saxo en su vertiente más seductora. Se trata de una balada a la que le sigue Don’t Break My Heart, es decir, un remolino de rock’n’roll con intro del veterano guitarrista Jimmy Sutton (líder de Jimmy Sutton’s The Four Charms) , solos del saxo (Josh Bell) y voces (Gabrielle Sutton, Sarah Goldstien, Adrienne Stoner) con una emoción arrasadora que recuerda al estilo más punk. Además, destaca la versión de El tren de la costa de los Sirex acompañada de guitarras  surferas.

The Del Moroccos

The Del Moroccos

Se ha dicho de ellos que podrían ser perfectos para la banda sonora de una película de Tarantino; se les ha definido como una poderosa banda de rock’n’roll; pero lo único cierto y seguro es que ofrecerán diversión asegurada a todo aquel que quiera escuchar su disco o acercarse a alguno de sus conciertos. Pasen y vean… ¡entretenimiento y fiesta asegurados!

Canciones:

1 Baby Doll
2 He Knocks Me Out
3 That’s A Pretty Good Love
4 I Don’t Know
5 Don’t Break My Heart
6 Daddy You Lied To Me
7 I Want Some More
8 Blue Black Hair
9 I’d Rather Go Blind
10 El Tren De La Costa
11 Skinny Jimmy
12 Action Packed
13 That’s All You Gotta To Do

Descarga Del The Moroccos- Blue Black Hair

The del Moroccos (myspace)

05
Abr
10

José Lledó: entrevista en Discos Mardigras!

José Lledó en Discos Mardigras!

Terminamos la serie de entrevistas en torno a la música negra y el estado de la radio. Podéis leearlas en la sección de entrevistas.

Situada en València, Discos Mardigras! es una tienda especializada en discos de vinilo relacionados con la música negra. Fundada en 1999, Mardigras es un referente en estilos como el blues, el jazz o el soul entre otros. Hablamos con José Lledó, propietario de Discos Mardigras! sobre el panorama actual de la música negra, el estado de la radio y la posibilidad de llevar a cabo proyectos especializados en este tipo de géneros. Además de trabajar en la tienda, José Lledó ha trabajado en la radio durante años y es dj en numerosos clubs. Os recordamos que ya hicimos referencia a Discos Mardigras! en el foto montaje Entre la Música realizado en la propia tienda. Puedes escuchar la entrevista pinchando sobre la foto.

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¿Cuál es el estado actual de la música negra en cuanto a aceptación popular y ventas?

Desde el punto de vista de consumo, de disfrute, da igual que sea bajando música, comprando o compartiéndola lo veo mal, pero mejor que hace quince años. Creo que la gente va poco a poco evolucionando en la música, por lo que desde hace quince años se aceptan mejor géneros como el blues, el soul o el reagge, la gente aprende y entiende, aunque le cuesta un poco, que son géneros muy importantes.

Quizás se va llegando a un estado de saturación musical, por lo que se vuelve atrás, a los orígenes.

Es posible. O también que el aficionado que colecciona discos de toda la vida o que va a conciertos desde siempre, va asimilando que la música negra son los orígenes y la gente nueva, como ya lo tiene hecho, que tiene toda la información, entiende que es lo auténtico, sin despreciar, por supuesto otros géneros, ¿no? Entonces, el momento de aceptación puede ser mejor que hace unos años, hay más cultura, más conocimiento y tal, pero a nivel de consumo sigue estando mal. No olvides que estamos en España.

¿Qué transformaciones crees que han sido las más importantes desde que surgieran estos géneros en un contexto social muy particular?

Los grupos que siguen apostando en directo, igual que los que consumen la música -que son los aficionados- son minorías totalmente. De alguna manera son coleccionistas, o aficionados o gente alrededor de este mundillo. No va a llegar a la mayoría, ni aquí, ni en EEUU, ni en Japón. Van a ser minorías especializadas, que a alguno les llega por herencia de familia, por que sus padres tenían discos. A otros les llega por la radio, porque escuchan programas especializados. A otros porque descubren una tribu urbana que se dedica a esto.

Portada de uno de los dvd que recoge imágenes de las giras británicas de los bluesmen americanos

Pero entonces, ¿qué haría falta para ampliar este espectro de público? ¿Es mejor que sea una minoría?

Pues, no sé. Aquí es que está muy consolidado el mainstream pop, entonces en España no hay mucho que hacer. No forma parte de nuestra cultura, ni de la de nuestros padres, ni de la de los padres de nuestros padres, por lo que está todo por hacer. Si te vas a otros países de Europa, como Francia, Inglaterra, Alemania, incluso Finlandia o Suecia lo tienen clarísimo: la música negra es lo más importante. Y en Japón porque lo asimilan todo.

También en los 60 hacían giras por esos países y no venían aquí.

Claro. Por supuesto. Y si hubieran venido, no se hubieran encontrado un panorama nada amable. Aquí está todo por hacer. Hablas con  gente y dicen: “Música de qué, esto no existe”. No sé, es que es música para todo el mundo, no solamente para unos pocos.

Entonces, ¿cuál crees que sería el camino a seguir?

Como veo que vuestro proyecto es radiofónico, lo veo muy difícil, muy difícil. Yo no entiendo cómo está la radio ahora porque no la escucho. He hecho radio en Valencia durante muchos años y la respuesta era cero. Hice durante diez años un programa y luego me lo dejé, así en radios, pequeñas, alternativas y tal y la respuesta era mínima. Entonces, fuera de eso creo que todo es radio comercial, radiofórmula o publicidad.

Es difícil entrar en el circuito comercial haciendo eso, ¿no?

Ya te digo que con blues, jazz, soul, ska, etc. es jodido. Luego, igual con otros géneros de la música negra sí que puedes meter cabeza.

Pero, también viene mucho revival de EEUU.

Minorías. Son hits de la música de mainstream que pueden aparecer en algunas revistas de música o en algunos programas especializados y se olvidan de ellos en tres semanas. No tienen un peso muy gordo, calan entre los que nos gusta. Aunque ayudan, a mí me parece genial. Amy Winehouse que siga por ahí metiéndose todo lo que se mete, cantando y grabando canciones. Todo lo que ayuda, un respeto total.

Volviendo a la radio, ahora que nos has contado tu historia particular. La radio históricamente ha sido un instrumento de difusión musical importante…

Totalmente.

¿Cómo la ves ahora?

Lógicamente es lo mejor, lo más directo, pero hoy día con Internet… a lo mejor una radio en Internet…

Fotograma de "Radio Encubierta", película dedicada al fenómeno de radios piratas en Inglaterra

Sí, quizás en Internet funcionan mucho los podcast. La gente ya no escucha la radio en las horas programadas, sino que acceden a los contenidos cuando lo desean.

Yo pienso que la radio tuvo su época de máximo esplendor allá por los 50, en EEUU, no ha pasado tanto tiempo, ahora, nos encanta pensar que ha pasado una vida, pero en realidad no es tanto. Unas cuantas décadas. Y lo de las radios piratas en Inglaterra, cuando comenzaron hace unos cuarenta o cuarenta y cinco años. Yo creo que debería seguir así, pero hoy día la financiación es necesaria para mantener un equipo, locales. Entonces, ¿quién financia la radio?

Claro, la financiación. Pero, la radio podría ser un instrumento para recuperar esa cultura que dices que falta aquí, para conseguir que este tipo de música llegue a la gente y se conozca más.

Sí, claro. Y si se pudieran conseguir licencias para radios culturales, no lucrativas, sería genial, pero  eso sería un poco trabajo del Gobierno, que diera licencias a gente que tenga un proyecto cultural, ya sea en la radio o en otros medios. Yo creo que eso que surgió en los 60 debería estar vigente. Pero, no se ha avanzado. La radio comunitaria en Latinoamérica y todo aquello debería tener ahora validez. Pero si a nadie le interesa. Yo monto mi emisora porque me interesa promocionar mis productos, sino de qué. Y las radios estas locales o municipales…

No tienen salida.

Hombre, deberían. Hay programas de todo tipo, pero…

Y de los programas actuales, como en Radio 3, ¿crees que tienen trascendencia?

Yo, es que sigo muy poco la radio, entonces… Pero, bueno, ahora Radio 3 creo que está trasformándose, hay gente intentando meterle mucha mano. La verdad es que no os puedo decir gran cosa. Llevo muchos años sin escuchar radio.

Para nuestro proyecto hemos pensado dedicar una parte del programa a traer grupos, teniendo en cuenta el cambio de modelo por el cual los grupos cada ver lo van a tener peor para llegar a la gente. Colgarlo en Internet seguro, pero quizás falten otras vías. ¿Qué capacidad crees que tendríamos con estos conciertos para dar a conocer grupos?

Yo creo que sí que hay posibilidad, ¿no? Todo pasa por tener las instalaciones adecuadas y la calidad suficiente para que cuando cuelgues los programas, la gente acceda a ellos rápidamente. Necesitas infraestructura. Si la idea ya la tienes, lo demás va un poco relacionado, ¿no?

Un poco el camino también será las salas, conciertos. Que la gente pueda tener un concierto con el que disfrutar y pasárselo bien, aunque no haya escuchado este tipo de música antes.

Hombre, por lo que me contáis, vuestro proyecto de radio va asociado un poco a Internet, ¿no? Entonces, a nivel difusión lo veo muy bien. Ahora mismo hay un montón de emisoras que funcionan por Internet, ya sea en directo o con música enlatada. Lo veo muy bien, pero hay que hacerlo sin interés, es decir, desinteresadamente.

Otis Redding en la intensidad del directo

Para acabar, nos gustaría que nos nombrases tres músicos, o discos que te hayan marcado o que se te ocurran ahora.

Marvin Gaye es básico y a partir de ahí los clásicos son Curtis Mayfield, Otis Redding, los que nos gustan a todos. Y luego hay cientos poco conocidos. En jazz, Miles Davis, como a todo el mundo, los clásicos. También hay otros, porque, a lo mejor, la gente que conoce a Miles Davis no conoce a Eddie Jefferson, este es otro aspecto de la música jazz, ¿no? Quizás Eddie Jefferson es tan importante como Miles Davis, desde el punto de vista del freak.

Claro, quizás no en ventas, pero sí en cuanto a calidad. Hay tanta cantidad que se están reeditando muchas cosas, también de nuevos intérpretes.

Yo creo que una cosa lleva a otra. Quizás el rock es más inmediato, da igual que sea de los 60, 70 o ahora, el rock es más inmediato. En el soul, jazz, reggae, un músico te lleva a otro, eso es lo bueno, nunca acabas, nunca cierras la persiana. Hoy te gusta Marvin Gaye y mañana te gusta Donnie, que es de ahora.

Descarga la entrevista (audio)

Discos Mardigras! (Myspace)

Entrevista realizada en diciembre de 2009

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Entrevista Discos Mardigras! (Acid Jazz Hispano)

28
Feb
10

Earl Bostic: sensualidad y fiereza

“Soy, tal vez, uno de los pocos músicos a los que le gustan las melodías sencillas que se repiten y en todo lo que toco trato de mantener una línea de melodía básica en mi mente e intentar desarrollar inversiones significativas y variaciones… Me gusta el blues básico… El blues lo tiene todo; calidad rítmica, letras genuinas, una estructura básica y esencial y, sobre todo, personalidad. El blues y el jazz son inseparables.”

Declaraciones de Earl Bostic en una entrevista de Kurt Mohr (Jazz As I Feel It, Neely H. Liner Notes 12 “LP King 846”)

Earl Bostic con su saxo

Earl Bostic fue uno de los grandes saxofonistas de R&B y Jazz que alcanzó notoriedad en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Tuvo una serie de éxitos con canciones como Flamingo (1951), Harlem Nocturne, Temptation o Sleep que hicieron que se le haya catalogado más en el R&B pero canciones como Don’t you do it, Steam Whistle Jump o Up in the orbit demuestran su destreza y su capacidad para tocar jazz. La influencia de Bostic se ha extendido por diversos estilos y su habilidad como instrumentista ha sido reivindicada por multitud de músicos. Quizás el más destacado ha sido John Coltrane, uno de los reconocidos grandes genios del jazz, que empezó a tocar junto a Earl Bostic. En una entrevista de 1960 a la revista Down Beat, Coltrane declaraba: “Bostic me enseñó muchas cosas. Tiene unas facilidades técnicas fabulosas y conoce muchos trucos.” Fue durante el periodo con Bostic cuando Coltrane se pasó del saxo alto al tenor (ya que Bostic tocaba el alto). Por otra parte, el baterista Art Blakey señaló que “nadie conoce técnicamente más el saxofón que Earl Bostic, incluyendo a Bird. Trabajar junto a Bostic fue como asistir a la universidad del saxofón. Cuando Coltrane tocó junto Bostic sé que aprendió mucho.” Otros músicos de jazz destacados que también se formaron junto a Bostic son Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jimmy Cobb, Benny Golson y Betty Carter. Además, Night train, uno de los principales temas asociados a James Brown fue interpretado por Bostic (orginal de Jimmy Forrest). Aparte de su carrera en solitario, hizo arreglos de orquesta para numerosos líderes como Lionel Hampton, Paul Whiteman, Gene Krupa, Artie Shaw y el propio Lionel Hampton entre otros.

Small's Paradise, el club neoyorquino donde Bostic estuvo contratado

Earl Bostic nació el 25 de abril de 1913 en Tulsa, Oklahoma, realizó su primera grabación junto al vibrafonista Lionel Hampton y a partir de ahí se introdujo en territory bands -bandas de baile- dónde coincidió con músicos como Charlie Christian, Don Byas, Thelonious Monk o Cab Calloway. En 1938 Earl Bostic dirigió a su banda en el club Small’s Paradise de Nueva York  dónde estaría actuando durante cuatro años. Durante los primeros años 40, Bostic tomó parte en las célebres jam sessions de Minton’s Playhouse donde se desarrolló el be-bop. La formación y desarrollo musical de Earl Bostic se caracterizó por la libre combinación de blues y jazz.  Trabajó con grandes músicos de jazz y fue de gira con Dinah Washingotn. Interpretó blues, jump blues en la línea de Louis Jordan y desarrollos instrumentales que recordaban a Arnett Cobb o a King Curtis con total naturalidad. En 1963, después de haber triunfado con éxitos de R&B, publicó uno de sus discos más importantes: Jazz As I feel it en el que expresaba su forma de entender y tocar jazz. Bostic grabó junto a a Joe Pass (guitarra), Al McKobbon (bajo), Richard “Groove” Holmes (órgano) y Shelly Manne (batería). En esas canciones Bostic mostraba su dominio y habilidad para el blues y algunos avances armónicos que tanto Coltrane como Eric Dolphy terminarían por desarrollar.

Pese a ser alabado por muchos de sus colegas músicos, Earl Bostic debería ser mucho más reconocido por su capacidad de transmisión con el saxo y su falta de prejuicios musicales. Earl logra transmitir alegría, nocturnidad, melancolía o sensualidad dependiendo de la canción y logra combinar la explosividad con la sencillez. Hay que destacar también su atrevimiento para ir construyendo melodías sin fin a partir de la melodía básica de la canción. Su forma de tocar y sus múltiples recursos siguen resultando de una modernidad asombrosa.

Earl Bostic (Myspace)

Descarga Earl Bostic Blows a Fuse (Contraseña: greaseyspoon / Fuente: http://bebopwinorip.blogspot.com)

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09
Ene
10

Recopilaciones Tránsito – Hard-Bop Friends

Clifford Brown

Hard-Bop Friends es el título elegido para dar nombre a este recopilatorio articulado en torno al estilo hard-bop. El baterista Art Blakey lo describió como “el movimiento de vuelta a los orígenes” ya que  el hard-bop recogió la inlfuencia del blues y el gospel -géneros puramente negros- para desarrollar un nuevo estilo como continuación lógica del be-bop. El hard-bop fue, en parte, una reacción al cool jazz y a la incorporación de elementos propios de la música clásica. Aunque en la práctica las distinciones geográficas no son precisas, el hard-bop se llamó también East Coast Jazz por estar centralizado alrededor de Nueva York, en oposición geográfica y estilística al cool jazz vinculado genéricamente a la coasta Oeste (West Coast Jazz). Según Frank Tirro en La Historia del Jazz Moderno: “Estos músicos de la East Coast norteamericana desdeñaban la falta de compromiso emocional inherente a las escuelas cool y West coast y hacían bandera de los rasgos propios del hot jazz: sonido instrumental robusto, alta dinámica, energía incendiaria en los temas acelerados, mayor acentuació y compromiso emocional en la interpretación de baladas.”

En Hard-Bop Friends todos son nombres importantes dentro de este estilo aunque no necesariamente están limitados a ello. Las excepciones son Ben Webster -el único que repite como líder tras figurar en Jazz 50’s– y Don Byas. Ambos tienen un perfil similar: enmarcados en la época del swing, los dos saxofonistas supieron evolucionar y crear su propio lenguaje en distintas formaciones. Don Byas se juntó con los be-boppers, grabó con Dizzy Gillespie y se marchó a Europa en el año 46. Ben Webster siguió trabajando en EE.UU. pero en el 64 viajó a Dinamarca para pasar en Europa su última década.  En el 68, Ben y Don se encontraron. Hemos seleccionado una canción de aquel disco porque, al igual que hacían los músicos del hard-bop, Webster y Byas acuden directamente al blues para desarrollarse.

Como siempre, son bienvenidos los comentarios y las sugerencias. Esperamos que os guste.

Descarga Hard-Bop Friends

01. Clifford Brown & Max Roach – Take the ‘A’ Train

02. Lou Donaldson – Blues Walk

03. Ben Webster & Don Byas – Blues for Dottie Mae

04. Wynton Kelly – Wrinkles

05. Thelonious Monk – Blue Monk

06. Johnny Griffin – All the things you are

07. Baby Face Willete – High ‘n’ Low

08. Cannonball Adderley – Mercy, Mercy, Mercy

Descarga Hard-Bop Friends

Formaciones:

01. Clifford Brown – Trompeta / Max Roach – Batería / Harold Land – Saxo tenor / Richie Powell – Piano / George Morrow – Bajo

02. Lou Donaldson – Saxo alto / Herman Foster – Piano / ‘Peck’ Morrison – Bajo / Dave Bailey – Batería / Ray Barretto – Conga

03. Ben Webster – Saxo tenor / Don Byas – Saxo tenor / Tete Montoliu – Piano / Peter Trunk – Bajo / ‘Tootie’ Heath – Batería

04. Wynton Kelly – Piano / Lee Morgan – Trompeta / Wayne Shorter . Saxo tenor

05. Thelonious Monk – Piano / Charlie Rouse – Saxo tenor / Larry Gales – Bajo / Ben Riley – Batería

06. Johnny Griffin – Saxo tenor / John Coltrane – Saxo tenor / Hank Mobley – Saxo Tenor / Lee Morgan – Trompeta / Wynton Kelly – Piano / Paul Chambers – Bajo / Art Blakey – Batería

07. ‘Baby Face’ Willette – Órgano / Fred Jackson – Saxo tenor / Grant Green – Guitarra / Ben Dixon – Batería

08. ‘Cannoball’ Adderley – Saxo alto / Nat Adderley – Corneta / Joe Zawinful – Teclados / Victor Gaskin – Bajo / Roy McCurdy – Batería


Descarga Hard-Bop Friends

East Coast vs. West Coast Jazz: A False Dicotomy?

19
Nov
09

Esbozos de una artista: Nina Simone At Newport (1960)

Nina Simone es una de las artistas más complejas del jazz tanto por su obra como por su vida. El primer punto que puede ponerse en cuestión es la aceptación general que se tiene de Nina como músico de jazz si tenemos en cuenta que estuvo profundamente marcada por las connotaciones sociales y políticas vinculadas al jazz. Ella misma rechazó esa etiqueta: “Me niego a que digan que hago jazz. Para los blancos, jazz significa negro y sucio, y mi música no es sucia. Lo que yo hago es música clásica negra.” El carácter fuerte de Nina se evidenció también con sus respuestas a las comparaciones con Billie Holiday: “Es un insulto no porque no fuera un gran artista, sino porque fue una drogadicta. Sólo me comparaban con ella porque ambas éramos negras, pero nunca me comparaban con Maria Callas, y yo soy más del tipo de diva que era ella. Era temperamental, era absolutamente única y estudió su música como nadie más en su generación. Podía establecer las normas y quebrarlas cuando le diera la gana, y el mundo la escucharía porque era la Callas.” Evidentemente, hoy la reputación del jazz -especialmente la que tenemos en Europa- es muy distinta y se le ha otorgado un componente elitista que nada tiene que ver con sus orígenes. Por tanto, hay que situarse en el contexto de la artista para comprender los conflictos raciales y sociales que marcaron también a músicos de la talla de Miles Davis o Duke Ellington entre otros.

Con la esperanza de poder convertirse en la primera concertista negra de Estados Unidos, Nina pidió una beca de estudios el Curtis Institute pero no la aceptaron por razones poco claras -que se han ligado al color de piel-. Este fue un punto clave en la aventura musical de Nina: “Yo comencé muy pura y muy inocente y hasta el último minuto pensé que me convertiría en una pianista de concierto. Todavía me llevó mucho tiempo aceptar el hecho de que nunca iba a ocurrir del modo en que yo lo había soñado. Me costó entender que el mundo de la música clásica me había cerrado sus puertas para siempre.” Con esfuerzo, Nina Simone consiguió crear su propio sonido mediante una amalgama de blues, jazz, música clásica, gospel y espirituales. Tras varias experiencias y trabajos que terminarían consolidando su estilo propio, Nina Simone -nombre que tomó de la actriz francesa Simone Signoret y de un novio que la llamaba Nina- publicó su primer disco en 1958. Little girl blue se convirtió en un éxito y Nina llegó a vender un millón de copias del single I loves you porgy, una adpatación de la ópera de Gershwin. I loves you porgy fue la única canción de Nina Simone que logró meterse en las listas de top-40 americanas. El disco incluía también otra de sus canciones más famosas: My baby just cares for me.

Después de Little girl blue, Nina grabó tres discos (Nina Simone and her friends, The Amazing Nina Simone y Nina Simone at Townhall) con los que fue marcando su dirección antes de presentarse en el Festival de Jazz de Newport en el año 60. Destacamos este disco porque es capaz de concentrar en ocho canciones buena parte de la música que ha caracterizado su estilo.  Pese a no incluir sus canciones más famosas, podemos entender la música de Nina con esta actuación en directo. El disco empieza con la presentación de Nina Simone: We have the singing and the piano playing of Miss Nina Simone. Nina Simone! Inmediatamente escuchamos el piano de Nina entre los aplausos del público. Después de la introducción reconocemos que está tocando Trouble in mind. Nina hace una magnífica interpretación de este standard de blues y podemos escuchar tanto su talento como pianista como su intensidad como cantante. El directo incluye también un blues instrumental, Nina’s blues, 6 minutos en los que Nina se deja llevar al piano. Li’l Liza Jane y Flo Me La son canciones más folk; la primera más pegadiza y la segunda con mucha presencia de los percusionistas.  Uno de los momentos más especiales del disco es You’d be so nice to come home to. Una canción que se construye poco a poco con el piano y un bajo marcado, que va de menos a más y que crea un clima onírico y mágico que nos recuerda las palabras de Nina: música clásica negra. Además, la voz majestuosa de Nina hacia el final hace que la canción termine con solemnidad y fuerza. Completan el disco I loves you porgy y In the evening by the moonlight, las dos interpretaciones más íntimas. Nina llena el escenario con su voz mientras se acompaña al piano. In the evening by the moonlight empieza lenta pero cambia a un ritmo alegre, idóneo para la despedida.

Los sesenta fueron una década intensa para Simone que se involucró en la lucha por los derechos civiles y que marcó la música popular con composiciones y versiones. Nina se acercó al soul y al funky, formó parte del partido de las Panteras Negras y fue seguida por el FBI. Finalmente, abandonó EE.UU. en el 69 para seguir viajando por África y Europa. Abordaremos esta parcela de la música y sobre todo de la vida de Nina Simone en otra entrada. Os dejamos con un vídeo en directo de una Nina más mayor interpretando I loves you porgy, una canción que escuchó de Billie Holliday.

Descarga Nina Simone At Newport

13
Nov
09

De costa a costa: Route 66

La canción ruta 66, convertida en clásico por multitud de artistas sobre todo del jazz y del rock tiene su origen en una de las míticas carreteras de Estados Unidos.  De hecho, Route 66 fue una de las rutas federales originales de Estados Unidos. Se empezó a utilizar el 11 de noviembre de 1926 y atravesaba el país de costa este a oeste. Empezaba desde Chicago (Illinios) y llegaba hasta Los Ángeles con un recorrido total de 3939 km. Bobby Troup, pianista y compositor de jazz, escribió la canción (Get Your Kicks On) Route 66 a raíz de un viaje desde Pennsylvania a Los Angeles en 1946. Troup viajaba con su mujer y de hecho fue ella, Cynthia, la que sugirió el nombre-. La letra está construida a partir de los nombres de las ciudades por las que pasa (St.Louis, Missouri, Oklahoma, Amarillo, Arizona…) y musicalmente se ajusta a una estructura de blues. De manera similar a Me & Bobby McGee (canción que hemos tratado en el apartado de versiones), Route 66 es una celebración romántica de la libertad de viajar en coche atravesando el país. Troup le presentó la canción a Nat King Cole y este la convirtió en uno de los grandes éxitos de su carrera. Bobby Troup llegó a interpretarla más tarde y pudo hacerlo con el orgullo de haber sido el autor de una canción tan aceptada.

Siguiendo los pasos de Nat King Cole, Chuck Berry hizo su propia versión más de diez años más tarde, en el 61. El ejemplo de Route 66 nos sirve para comprender lo cercanos que estaban los distintos estilos de música negra. Chuck Berry, ídolo del rock ‘n’ roll, tomó uno de sus grandes éxitos de un músico de jazz. En el fondo, la música de Nat King Cole y la de Chuck Berry están en contacto y, en este caso, los dos están tocando un blues. Además, Berry la toca junto Johnnie Johnson al piano y siguiendo algunos recursos vocales de Nat Cole. Pero Chuck lo hace de pie y con su guitarra eléctrica y es su figura -y no la de Nat King Cole- la que lleva a grupos de rock a tocar Route 66.

Por tanto, con Nat King Cole y Chuck Berry como ejes básicos de los que partir, Route 66 se ha desarrollado y recuperado por 1) formaciones de jazz y 2) grupos de rock. Natalie Cole, la hija de Nat King Cole, cantó la canción en homenaje a su padre.  También lo hizo junto a Diana Krall que es una de las artistas que ha interpretado Route 66 con más asuidad.  Os dejamos el vídeo de una actuación de Diana Krall en el Festival de Jazz de Montreal junto al guitarrista Russell Malone (del que hablamos en el post sobre Jimmy Smith). La canción empieza con unas improvisaciones de Russel Malone hasta que entra Diana con una melodía de Duke Ellington (C Jam Blues) que se convierte en Route 66. Podemos ver que tanto Malone como Diana son grandes músicos y hacen una muy buena versión de Route 66.

En el terreno del rock la canción se ha interpretado mucho más aunque muchas de las versiones han sido lecturas bastante lineales. Siguiendo la estela de Chuck Berry, la interpretaron grupos ingleses como l0s Rolling Stones y Dr. Feelgood buscando un sonido más contundente pero sin alejarse demasiado. De hecho, Chuck Berry y su estilo de tocar la guitarra fue un manual para la mayoría de grupos y guitarristas ingleses de los años 60. Más recientemente, el cantante y guitarrista John Mayer hizo una versión para la banda sonora de la película de Disney Cars evidenciando la aceptación social de Route 66. La versión de John Mayer tiene un buen beat, mucha energía y un sonido más nuevo. Mayer muestra su habilidad a la guitarra, evidencia la influencia de grandes guitarristas de blues como Stevie Ray Vaughan y muestra un registro vocal alejado de Chuck Berry, más próximo al pop.

Route 66 también se ha interpretado en castellano. Lo hizo Pappo, uno de los grandes del blues, el rock y el metal argentino, en su disco Caso Cerrado publicado en el año 95. La versión de Pappo agudiza la distorsión y mantiene una buena instrumentación con teclado y armónica. A pesar de lo genial que es el video-clip -retratando los estereotipos del rock-, os dejamos con una versión en directo porque tiene más fuerza y más espacio para la improvisación. La traducción, bastante literal pero con un toque más eufórico, está bien ajustada y no chirría en ningún momento.

Por último, queremos señalar algunas versiones que se alejan más de los dos ejes básicos que hemos señalado. Por ese mismo motivo tienen de por sí un valor distinto. La primera, sorprendentemente, es de Depeche Mode que le incorporan su componente electrónico. Mantienen el ritmo de rock y un riff potente pero se dejan llevar con pasajes electrónicos. Por otra parte, The Cramps también hicieron una seductora versión de Route 66. Ésta sí se aleja más que ninguna otra de sus precedentes y juega con momentos oníricos y subidas de intensidad. Os dejamos con la que para nosotros es una de las mejores versiones de Route 66.

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