Posts Tagged ‘Rock ‘n’ Roll

13
Mar
10

Cat Club

Lugar Fórum Fnac (VLC) Fecha 14/02/10 Estilo rock ‘n’ roll Aforo Completo Valoración ****

Capaces de abarcar los distintos estilos hermanados bajo la idea común del rock ‘n’ roll clásico, Cat Club demostraron su energía, compenetración y habilidad instrumental en la presentación de su último disco, “Con el debido respeto”. Espectáculo en un ambiente familiar y cercano para vibrar y comprobar que un grupo de rock ‘n’ roll se construye en directo. Un concierto intenso que iniciaron con el toque surf de la canción que da título al álbum, para posteriormente repasar sus últimos temas: la pegadiza “Loco de cabeza a los pies” dedicada a la hija del cantante-guitarrista Miguel Angel Escorcia, “Shoo Bop Bop” con la participación del público y “Nunca he estado en Graceland”, una de sus mejores canciones con picking de guitarra a lo Scotty Moore, guiños a “That’s alright mama” y recreación del imaginario del rock ‘n’ roll clásico. No olvidaron temas potentes de su primer trabajo (“Qué hay de nuevo viejos?”) como “Otro ocupará mi lugar” y “Simplemente Rock and Roll” y cumplieron con las versiones de “Amante a la antigua” (Roberto Carlos), Paralyzed (Elvis) y una traducción de “Thirty Days” (Chuck Berry). En definitiva, un repertorio variado con el que el trío valenciano demostró estar en plena forma y ser capaz de generar fiesta en todo tipo de espacios. Josep Pedro

Crónica publicada en Mondo Sonoro (Comunidad Valenciana, Marzo 2010)


Cat Club en el fórum de la FNAC

Cat Club (Myspace)

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03
Mar
10

Los Suaves – Adiós Adiós

Portada de Adiós Adiós (2010)

Vuelven Los Suaves con Adiós Adiós, un disco potente en el que dejan claro que, después de 30 años de carrera, todavía pueden hacer grandes trabajos.  Tras cinco años desde El jardín de las Delicias (2005), Los Suaves han recobrado fuerzas y ofrecen un trabajo magnífico a la altura de sus grandes discos. Adiós Adiós concentra el sonido “suave” y sigue desarrollando la coherencia de toda su carrera. A través de la combinación de temas puramente rock como Corre Conejo Corre, Esa noche te perdí o la fantástica Cuando los sueños se van y deliciosos respiros como los siete minutos de El último pecado y Miau Miau, el tema acústico que cierra el disco, Los Suaves consiguen un disco de contundente sensibilidad que reanima a sus fieles seguidores y debería crear nuevos adeptos.

Como siempre, hay espacio para las canciones sobre el rock ‘n’ roll. Esta vez en forma de hard rock y alusiones a la prostitución en el rock and roll en el tema Han Matado al Rock n Roll sobre la que Yosi aclara: “La escribí con alguien en mente, pero no voy a decir el nombre porque se entiende perfectamente quién es.”  También encontramos Alza el trueno, una versión de Thunder Rising, canción que Gary Moore dedicó a su excompañero Phil Lynott, el vocalista de Thin Lizzy. La sombra de Lynott sigue presente en la carrera de los Suaves desde que en su disco Ese día piensa en mi ya incluyeron una canción titulada ¿Sabes? Phil Lynott murió, además de dedicarle el directo ¿Hay alguien ahí? Completan el disco la pesada 27.000 días y Adiós, Adiós, un acertado canto de bienvenida que confirma otra de las costumbres de Los Suaves; la primera canción da título al disco (ej. El Jardín de las Delicias, Víspera de todos los santos, San Francisco Express.)

En definitiva, un regreso de gran nivel que supone la mejor celebración posible de su 30 aniversario en los escenarios. Animamos a aquellos que todavía siguen enganchados a sus primeros discos a que escuchen este nuevo álbum que vuelve a confirmar a Los Suaves como una de las mejores bandas que ha dado el rock español. Una vez más, melancolía y media tristeza en las letras de Yosi, impecable técnica y producción de Alberto Cereijo y una buena base de rock ‘n’ roll y hard rock a manos de Fernando Calvo, Charly Domínguez y Tino Monjón. Uniéndolos a todos está su imagen común, el gato de Los Suaves.

Artículo Publicado en Todas las Novedades

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05
Dic
09

Buscando a Eric (Ken Loach, 2009)

A pesar de ser categóricamente rechazado por una parte de la crítica especializada, Ken Loach es, sin duda, uno de los grandes directores de la actualidad. Dedicado a la dirección audiovisual -tanto en televisión como en cine- desde hace más de 40 años, Ken ha logrado mantenerse en el difícil mundo del cine (europeo) película tras película y, a menudo con lo que a mi juicio debe considerarse un valor añadido: abordar personajes anónimos pero representativos para criticar el mundo en que vivimos. Este es uno de factores que quizás ha impulsado la indiferencia de algunos críticos; utilizar el arte para hacer realismo social y tener una actividad política manifiesta.

En Buscando a Eric, Loach trabaja con su habitual guionista Paul Laverty y se alejan de los planteamientos más políticos y dramáticos de sus últimas películas (En un mundo libre… y El viento que agita la cebada) para combinar drama y humor. La película se centra en la vida de un trabajador de correos al borde de la desesperación absoluta. Eric Bishop (Steve Evets) es un fanático del fútbol, separado y que trata de convivir con sus dos hijastros que se verá obligado a hacer frente a su pánico, a arriesgarse y actuar para enfrentarse con su propia vida y su pasado; su ex-mujer y sus hijos. Para ello se apoyará en sus amigos y compañeros de trabajo pero, sobre todo, en su héroe Eric Cantona con quien conversará filosóficamente acerca de sus opciones y su vida entre copas de vino y cigarrillos de la risa.

El futbol ocupa un papel importante en la película pero no de una forma cargada sino siendo conscientes de que, como dicen en la película, “los partidos de fútbol son el único sitio en que uno puede juntarse con sus amigos a gritar,” un espectáculo dónde el individuo se olvida de sus problemas durante dos horas. Los momentos más tensos de la película están ligados a la historia de uno de los hijos de Eric Bishop que sin saber casi como queda atrapado en la red del gangster local. Por otra parte, los amigotes de Eric -aquellos con los que trabaja, ve el futbol y comparte terapia (magnífico personaje el de Meatballs) se encargan de darle a la historia un final feliz, cómico y emocionante cuando crees que esta sólo puede terminar mal. A veces, parece advertirnos esta comedia, las cosas pueden salir bien aunque se hayan puesto muy feas. Ese momento de redención personal y colectiva que supone la Operación Cantona es un desenlace valiente que, a la vez, satisface al espectador.

Personalmente, uno de los aspectos que más me ha gustado es la presencia del rock ‘n’ roll en el relato. Eric Bishop era un buen bailarín de rock ‘n’ roll, así conoció a Lily. Eric recuerda sus zapatos de gamuza azul (Blue Suede Shoes) que terminan volviendo a brillar, los bailes de It’s Late y High Shcool Confidential y Cantona, en uno más de sus dichos, le recuerda con un perfecto doble sentido que uno nunca olvida el rock ‘n’ roll. En definitiva, Buscando a Eric es una película muy recomendable con la que el espectador llega a reírse y emocionarse a partir de una situación dramática y creíble de un trabajador de correos al que un día le dio pánico enfrentarse a la vida.

 

13
Nov
09

De costa a costa: Route 66

La canción ruta 66, convertida en clásico por multitud de artistas sobre todo del jazz y del rock tiene su origen en una de las míticas carreteras de Estados Unidos.  De hecho, Route 66 fue una de las rutas federales originales de Estados Unidos. Se empezó a utilizar el 11 de noviembre de 1926 y atravesaba el país de costa este a oeste. Empezaba desde Chicago (Illinios) y llegaba hasta Los Ángeles con un recorrido total de 3939 km. Bobby Troup, pianista y compositor de jazz, escribió la canción (Get Your Kicks On) Route 66 a raíz de un viaje desde Pennsylvania a Los Angeles en 1946. Troup viajaba con su mujer y de hecho fue ella, Cynthia, la que sugirió el nombre-. La letra está construida a partir de los nombres de las ciudades por las que pasa (St.Louis, Missouri, Oklahoma, Amarillo, Arizona…) y musicalmente se ajusta a una estructura de blues. De manera similar a Me & Bobby McGee (canción que hemos tratado en el apartado de versiones), Route 66 es una celebración romántica de la libertad de viajar en coche atravesando el país. Troup le presentó la canción a Nat King Cole y este la convirtió en uno de los grandes éxitos de su carrera. Bobby Troup llegó a interpretarla más tarde y pudo hacerlo con el orgullo de haber sido el autor de una canción tan aceptada.

Siguiendo los pasos de Nat King Cole, Chuck Berry hizo su propia versión más de diez años más tarde, en el 61. El ejemplo de Route 66 nos sirve para comprender lo cercanos que estaban los distintos estilos de música negra. Chuck Berry, ídolo del rock ‘n’ roll, tomó uno de sus grandes éxitos de un músico de jazz. En el fondo, la música de Nat King Cole y la de Chuck Berry están en contacto y, en este caso, los dos están tocando un blues. Además, Berry la toca junto Johnnie Johnson al piano y siguiendo algunos recursos vocales de Nat Cole. Pero Chuck lo hace de pie y con su guitarra eléctrica y es su figura -y no la de Nat King Cole- la que lleva a grupos de rock a tocar Route 66.

Por tanto, con Nat King Cole y Chuck Berry como ejes básicos de los que partir, Route 66 se ha desarrollado y recuperado por 1) formaciones de jazz y 2) grupos de rock. Natalie Cole, la hija de Nat King Cole, cantó la canción en homenaje a su padre.  También lo hizo junto a Diana Krall que es una de las artistas que ha interpretado Route 66 con más asuidad.  Os dejamos el vídeo de una actuación de Diana Krall en el Festival de Jazz de Montreal junto al guitarrista Russell Malone (del que hablamos en el post sobre Jimmy Smith). La canción empieza con unas improvisaciones de Russel Malone hasta que entra Diana con una melodía de Duke Ellington (C Jam Blues) que se convierte en Route 66. Podemos ver que tanto Malone como Diana son grandes músicos y hacen una muy buena versión de Route 66.

En el terreno del rock la canción se ha interpretado mucho más aunque muchas de las versiones han sido lecturas bastante lineales. Siguiendo la estela de Chuck Berry, la interpretaron grupos ingleses como l0s Rolling Stones y Dr. Feelgood buscando un sonido más contundente pero sin alejarse demasiado. De hecho, Chuck Berry y su estilo de tocar la guitarra fue un manual para la mayoría de grupos y guitarristas ingleses de los años 60. Más recientemente, el cantante y guitarrista John Mayer hizo una versión para la banda sonora de la película de Disney Cars evidenciando la aceptación social de Route 66. La versión de John Mayer tiene un buen beat, mucha energía y un sonido más nuevo. Mayer muestra su habilidad a la guitarra, evidencia la influencia de grandes guitarristas de blues como Stevie Ray Vaughan y muestra un registro vocal alejado de Chuck Berry, más próximo al pop.

Route 66 también se ha interpretado en castellano. Lo hizo Pappo, uno de los grandes del blues, el rock y el metal argentino, en su disco Caso Cerrado publicado en el año 95. La versión de Pappo agudiza la distorsión y mantiene una buena instrumentación con teclado y armónica. A pesar de lo genial que es el video-clip -retratando los estereotipos del rock-, os dejamos con una versión en directo porque tiene más fuerza y más espacio para la improvisación. La traducción, bastante literal pero con un toque más eufórico, está bien ajustada y no chirría en ningún momento.

Por último, queremos señalar algunas versiones que se alejan más de los dos ejes básicos que hemos señalado. Por ese mismo motivo tienen de por sí un valor distinto. La primera, sorprendentemente, es de Depeche Mode que le incorporan su componente electrónico. Mantienen el ritmo de rock y un riff potente pero se dejan llevar con pasajes electrónicos. Por otra parte, The Cramps también hicieron una seductora versión de Route 66. Ésta sí se aleja más que ninguna otra de sus precedentes y juega con momentos oníricos y subidas de intensidad. Os dejamos con la que para nosotros es una de las mejores versiones de Route 66.

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06
Oct
09

Recopilaciones Tránsito – Groove

Esta recopilación agrupa canciones de distintos estilos como el jazz, el soul, el blues y el rock ‘n’ roll. El disco sigue una especie de bloques permeables donde están agrupadas las canciones según estilos. Una vez más, hemos tratado de unir canciones y artistas variados que comparten la importancia del término intraducible groove con el que hemos titulado el disco. Se trata en definitiva de un recopilatorio centrado en la música negra en el que hemos intentado combinar canciones famosas que muchos reconoceréis con colaboraciones y versiones.

Como siempre, son bienvenidos los comentarios y las sugerencias. Esperamos que os guste.

Descarga Groove

01.Wes Montgomery – California dreaming

02.Dave Brubeck – Take Five

03.Ray Charles – Hallelujah and I love her so

04.Benny Goodman – Sing, Sing, Sing

05. George Thorogood & the Destroyers – Treat her right

06.Blues Brothers – Everybody needs somebody

07.Etta James – Tell Mama

08.Nina Simone – Revolution

09.Aretha Franklin – Think

10.BB King con Elton John – Rockhouse

11.Jerry Lee Lewis con Buddy Guy – Hadacohl Boogie

12.Chuck Berry – Rock ‘n’ Roll Music

13.The Beatles – Everybody’s trying to be my baby

14.Ray Charles – Unchain my heart

15.BB King & Diane Schuur – I can’t stop loving you

16.The Doors con John Lee Hooker – Roadhouse Blues

17.Rory Gallagher – They don’t make them like you anymore

18.Janis Joplin – Move Over

19.Robert Cray – I’m a good man

Descarga Groove

01
Oct
09

La imagen de un final: Lynyrd Skynyrd – Street Survivors (1977)

Portada original de Street Survivors     Portada reeditada tras el accidente
Street Survivors marcó el final real de uno de los grupos míticos de rock ‘n’ roll de la historia. A menudo limitados por la etiqueta de rock sureño, Lynyrd Skynyrd trascendieron las delimitaciones geográficas con puro rock ‘n’ roll. Con una formación con tres guitarras de difícil comparación y basándose en el blues, el country, el boogie y el honky-tonk, Lynyrd Skynyrd se convirtió en uno de los grandes grupos americanos de los 70. Destacaban por su capacidad técnica y de composición con letras sobre cosas aparentemente sencillas, de la vida real pero hechas con talento y logrando contactar con un gran número de seguidores.   
Street Survivors fue el quinto disco del grupo que, a esas alturas, ya había hecho méritos de sobra para pasar a la historia del rock -sobre todo con su primer LP, Pronounced Leh-nerd Skin-nerd (1973) que incluía su gran clásico Freebird y Second Helping (1974) donde sonaba Sweet Home Alabama. Street Survivors incluye algunos éxitos de Lynyrd Skynyrd como What’s your name -una canción y festiva sobre chicas que llegó al número #13 en las listas- y That smell escrita por Van Zant y Allen Collins como una advertencia sobre el abuso de drogas. Según declaraciones de Van Zant, tenía un sentimiento espeluznante de que las cosas estaban en su contra y que pensó escribir una canción morbosa como advertencia (“I had a creepy feeling things were going agaisnt us, so I thought I’d write a morbid song as a warning“). That smell recupera una anécdota sobre Gary Rossington que se estrelló con el coche contra un roble mientras conducía borracho (de ahí Oak tree is in your way / hay un roble en tu camino). Además, la canción habla abiertamente de distintas drogas como la cocaína, la heroína, la marihuana y el alcohol aunque el detalle -finalmente- trágico lo pone el estribillo: Uh,uh  that smell / can’t you smell that smell? / the smell of death surrounds you (Ese olor / puedes oler ese olor? / el olor a muerte te rodea). Os dejamos un vídeo de la canción. Aunque la calidad no es la mejor, se trata de uno de los últimos conciertos que dio el grupo con Ronnie, Steve y Cassie Gaines.
En efecto, la principal novedad del grupo en Street Survivors fue la incorporación del guitarrista Steve Gaines que trajo consigo un sonido más bluesero. Compuso Ain’t no good life y I know a little por su cuenta y You got that right y I never dreamed junto a Ronnie Van Zant. Gaines canta en solitario en Ain’t no good lifeel fantástico blues que cierra el disco (era la primera vez que no cantaba Ronnie). Por su parte, I know a littleprobablemente mi canción preferida, está para los amantes del boogie. La canción empieza con una buenísima introducción de Gaines que deja paso a la voz de Ronnie y tras él se desencadenan una serie de solos dando lugar a una especie de jam. Primero el slide y tras un breve guitarreo, un magnífico solo de piano. A pesar de que I know a little se ajusta perfectamente al estilo de Lynyrd Skynyrd, se trata de un tema singular porque se trata de un tema más saltarin, más jump que el grueso de sus composiciones.
En You got that right Ronnie y Steve cantan a dúo y destaca el slide a la guitarra y el teclado de Billy Powell que enriquece todas las canciones en las que interviene. El toque romántico lo pone el medio tiempo de I never dreamed, una canción en la que Ronnie habla de aquello que, en el amor, pensabas que no pasaría pero sucede. I never dreamed cumple la función que en los primeros discos cumplían canciones como Tuesday’s goneThe Ballad of Curtis Loew pero con un tempo más rápido y constante y la letra está emparentada con Simple man en tanto que parte de recuerdos paternos/maternos (sean reales o ficticios). Además, los distintos solos de guitarra aportan mucho feeling y emotividad al conjunto de la canción, sobre todo, por sonar tras el momento en que Ronnie le pide a una mujer que vuelva a casa, por favor.
  
El disco lo completan One more time, la única concesión del disco a un tempo más lento (compuesta por Gary Rossington y Van Zant), y Honky tonk night time man, una versión del outlaw country Merle Haggard en la que, una vez más, los solistas de Lynyrd Skynyrd tienen la ocasión perfecta para lucirse.  
Street Survivors tardó muy poco en convertirse en un disco maldito y lleno de extrañas casualidades. Tres días después de la publicación del disco, tres miembros del grupo (el cantante Ronnie Van Zant, el recién incorporado Steve Gaines y su hermana, la corista Cassie Gaines) además del road manager Phil Kilpatrick murieron en un accidente de avión en los bosques de Gillsburg (Mississippi) camino de un concierto en Baton Rouge (Louisiana) llevándose por delante a un grupo que iba a dar mucho más. Los demás miembros del grupo tuvieron que ser hospitalizados por heridas graves que les mantuvieron en el hospital una buena temporada. Al parecer el avión se quedó sin gasolina y el piloto Walter McCreary y su co-piloto William Gray intentaron hacer un aterrizaje de emergencia que no salió bien y en el que ambos murieron. La discográfica MCA decidió retirar las portadas en las que salían rodeados de llamas -Gaines estaba quemándose en el centro- y sustituirla por la misma foto con el fondo negro.
Tras las muertes, incluida la de Ronnie que fue el líder del grupo, Lynyrd Skynyrd se disolvió y pasó tiempo hasta que los miembros del grupo iniciaron diversos proyectos. En el 79, hicieron una versión instrumental de Freebird reencontrándose con los fans, con ellos mismos y con un micrófono solitario en medio del escenario. En el año 80, Gary Rossington y Allen Collins formaron The Rossington-Collins Band a la que se unió Billy Powell y eligieron a la cantante Dale Krantz con quien se casó Gary. Tras dos discos y el abandono de Rossington, Allen formó la Allen Collins Band pero la desgracia ya se había vuleto a topar con él por la muerte de su mujer durante unas complicaciones en el embarazo. Collins empezó a beber y a drogarse más perdiendo también capacidad creativa y en el 86 volvió a estrellarse borracho con el coche en un accidente en el que murió su novia y él quedó paralítico.
Finalmente, en 1987 Lynyrd Skynyrd volvió a reunirse con los sobrevivientes Gary Rossington, Billy Powell, Leon Wilkeson, Artymus Pyle, Ed King -uno de los primeros guitarristas del grupo- y Allen Collins como director musical pero en silla de ruedas. A ellos se unió el hermano pequeño de Ronnie Van Zant, Johnny con el que sacarían varios discos de tributo.   
Formación: Ronnie Van Zant – voz / Gary Rossington – guitarra / Allen Collins – guitarra / Billy Powell – teclados / Leon Wilkeson – bajo / Artimus Pyle – batería / Steve Gaines – guitarra y voz
Coristas: The Honkettes – Cassie Gaines, Jo Billingsley y Leslie Hawkins
 
09
Jul
09

Janis Joplin y Big Brother & The Holding Company

Desde que Janis Joplin nació la mañana del 19 de enero de 1943 en Porth Arthur, Texas, su vida se balanceó entre el rechazo a una sociedad americana racista y cruel, y una necesidad por encontrar nuevas maneras de expresión que consiguieran alejarla del estilo de vida apegado a los valores morales, religiosos y tradicionales propio de su ciudad natal. El jazz y el blues clásico entran pronto en la vida de Janis, que ya en su adolescencia se siente atraída por el estilo de vida de los bluesmen, errante, siempre moviéndose en el ambiente de los tugurgios, viajando de una ciudad a otra, etc.  Una de las personalidades que ejemplificaría esta pasión por el blues es la de Bessie Smith, a la que sólo en verano se podía encontrar en Memphis ya que el resto del tiempo lo pasaba viajando en su propio vagón de ferrocarril. La emperatriz del blues era para Janis toda una fuente de inspiración hasta el punto que fue ésta quien le pagó una lápida en 1970.

En 1963 empezó una nueva vida en San Francisco donde malvivía de lo poco que cobraba como cantante hasta que comenzó a darse a conocer. El primer grupo donde Janis se hizo un hueco como cantante se llamaba The Liberty Hill Aristocrats. Pero en su carrera conjunta sólo llevaron a cabo una actuación: fue el 2 de abril de 1963 en el San Francisco Folk Festival. Tras diferentes viajes a Nueva York y Texas, Janis volvió a San Francisco en el verano de 1966 donde la juventud adquiría por primera vez el papel de sujeto activo autónomo en el progreso social. En ese momento se estaba desarrollando un tejido social y multicultural muy abierto y favorable al mundo creativo y de vanguardia de la época.  En sus cafés y locales, poetas como Allen Ginsberg y Lawrence Ferlinghetti organizaban recitales. Multitud de jóvenes desarraigados y que en muchos casos se oponían al sistema establecido se asentaron en Frisco donde tuvo lugar el denominado “movimiento hippie”.

Además, cabe destacar la influencia que algunas drogas como el LSD tuvieron en este movimiento. Los carteles anunciadores de conciertos, acid tests o festivales adquirieron una estética y un estilo plenamente característico, con imagenes deformadas, burbujas, colores fluorescentes, etc. En medio de este flujo cultural innovador llegó Janis por segunda vez a San Francisco donde se unió a la banda Big Brother & The Holding Company en junio de 1966. Ésta estaba formada por James Gurley y Sam Andrew (guitarras), Peter Albin (bajo), Dave Getz (batería) y Chet Helms (manager). En sus conciertos, además de su intensa versión bluesy del Ball and Chain de Big Mama Thornton, incluían grandiosos covers de músicos como Howlin’ Wolf o Robert Johnson.

Janis Joplin y Big Brother & The Holding Company
Janis Joplin y Big Brother & The Holding Company

La banda sacó un total de tres discos. En el primero de ellos (Big Brother & The Holding Company, 1967) no podemos llegar a vislumbrar la fuerza con la que Janis llevaba a cabo cada uno de sus conciertos, pero nos hacemos una idea del ambiente y la música que sonaba en el Frisco de los 60. Por otro lado, su segundo disco,  Cheap Thrills (1968), es una combinación de psicodelia, blues y rock en la que Janis y los diferentes músicos están perfectamente unidos. En este momento la figura de Janis Joplin se convirtió en un fenómeno mediático con Albert Grossman como nuevo manager. Canciones como I need a man to love, Summertime o Piece of my heart demuestran el gran talento musical de estos artistas. Por último, Live At Winterland’ 68 se editó tiempo después de la gira que la banda llevó a cabo por el este de EEUU. En ésta llevaron a cabo verdaderos shows en los que Janis -como a lo largo de toda su carrera- actuaba con fuerza, ofreciendo un cataclismo de emociones, sentimientos y espasmos sin los cuales, las actuaciones no hubieran adquirido un calado tan grande para el público.

Enlace a descarga de Cheap Thrills

Enlace a descarga Live at Winterland

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